SNS上でベクター形式で公開する意味ある？

ラスターとベクターの違い

ラスターもベクターも結局ピクセルで表示されるんじゃないの？

たしかにデジタル上ではラスターもベクターもピクセルで表示されます。内部構造的に違いがあったとしても、結局はピクセルで表示されるわけです。そもそもディスプレイ自体がピクセルで出来ているわけですから、最終的にはピクセル的な表示になります。

とはいったものの、ラスターとベクターでは内部構造的に明らかな違いがあります。その違いによって操作あるい表示面で違いが出てきます。同じピクセル表示でも違った表示になるのです。

内部構造というのはラスターがピクセルで構成されているのに対し、ベクターは図形で構成されているという違いです。

*2

図形で構成されているといわれてもよくわかりませんよね。制御点と制御点で結んだものが線となり、それが図形を構成します。点の座標軸を文書あるいは数式としてデータ保持していればいいので、拡大しても再度計算し直して図形を構成するので線がぼやけにくいというわけです。要するにレシピさえあれば材料が増えても同じということです。ラスターの場合はレシピがわからず作り直せないので引き伸ばす感じです。

ざっくりした理解でいいと思います。ラスターは引き伸ばして拡大するのに対して、ベクターは作り直して拡大するイメージです。引き伸ばして拡大されたラスタ画像は荒くなりますが、大きく作り変えたベクタ画像は荒くなりにくいのです。

ラスターもベクターもディスプレイでは結局ピクセルを通して表示されるわけですが、操作面や表示面で違いが生じるということです。

予備知識(ビットマップ画像、ベクター画像、PNG、JPEG、SVGの理解)

ベクターについて詳しく学んでいく前に、すこし予備知識を頭に入れておきましょう。

そもそもベクター形式で保存する機会はあまりない

この問題意外と複雑なんですよね。そもそもイラストはpngやjpg形式、つまりビットマップ画像(ラスタ画像)で保存し、SNSで公開することが多いと思います。SVGなどのベクター画像で保存することは普通の人はあまりないですよね。

クリスタなどの一般的なイラストソフトではSVG形式で保存することすら出来ません。さらにクリスタではSVG形式の画像の読み込みすら出来ません。SVGに対応しているのはアドビ社のIllustratorやPhotoshop(値段が高い)などです。

つまりイラスト作成ではベクター画像で保存するか、ラスター画像で保存するかと迷う機会があまりないということです。ベクター画像で保存したいなら最初からIllustratorなどのソフトを使う必要があります。ラスター画像からベクター画像への変換も基本的には出来ないと考えたほうがいいです。

↓

※ラスターレイヤーからベクターレイヤーへの変換はクリスタでできますが、綺麗に変換できない場合が多いです。同様に、ベクターレイヤーをラスタライズしてから、さらにベクターレイヤーに戻した場合も元のベクターレイヤーと同じ制御点を維持することはできないことが多いです。

クリスタでは頑張ってベクターレイヤーを使って絵を描いても、PNGやJPEGで保存するときにラスター形式に変換されて保存されてしまうわけです。ラスター形式に変換された画像が拡大や縮小されるとガタガタが目立ったり、ぼやけたりしてしまい意味ないのでは？ということになります。

ベクター的に描画することと、ベクターとして保存することは違う

CLIP STUDIO PAINTではベクター形式で保存することは出来ない

クリスタではベクター的に描画することはできますが、ベクターとしてSVGなどで保存することは出来ません。この違いが重要です。Illustratorなどではベクター的に描画することも、ベクターとして保存することもできます。

つまりベクター的に絵を描いたかといって、ベクター的に保存されているとは限らないということです。jpegやpngで保存すればラスター変換が行われ、ラスタ画像として保存されるからです。

とはいったもののこの「ベクター的に描画する」という機能はめちゃくちゃ便利です。制御点をつかって後からでも自由に編集できますし、線のズレなどが調整できます。ラスタライズすればいつでもベクターをラスターに変更できます。

ベクターからラスターに変換することは出来ますが、ラスターからベクターへの変換は基本的にできないので気をつけてください。レイヤーを複製してからラスタライズすることをおすすめいたします。

ベクター的に描画するとは

↓たとえばクリスタではベクターレイヤーを使用することが出来ます。これが「ベクター的に描画する」ことの一例です。オブジェクト操作で制御点を増やしたり、制御点の位置を変えたりといった便利な機能です。こうした機能はラスターレイヤーにはありません。

ベクター的に保存するとは

たとえばSVG形式で保存するとベクター的に保存したことになります。クリスタではSVG形式で保存する機能も、SVG形式のファイルを開く機能もありません。

photoshopやIllustratorではベクター保存のSVGがあります。

ベクター画像として保存したい場合は、クリスタではなくIllustratorやPhotoshopを使う必要があります。

ベクター画像として保存するべき場合ってどんな場合？

ベクター形式に向いているのはロゴやタイトルといったシンプルなものです。特に文字はベクター形式のほうが綺麗ですね。他にもアイコンや見出しなどでよく使われます。いずれもウェブデザイナー向けの形式だと言えます。Twitterやpixivで絵を投稿する場合は、ラスター形式でも問題ありません。というよりイラストはロゴに比べて複雑なグラデーション等を使いがちなのでラスターのほうが向いています。

ベクター形式に向いていない代表的なものは「写真」です。色が複雑過ぎて扱いにくいのです。他にも複雑な色を使うイラストはベクター形式に向いていません。

そもそも拡大・縮小して表示されないようにイラスト制作をすればいいのでは？

たしかにそれは正論です。これは解像度の問題になります。

絵を縮小すると劣化する理由と綺麗に見える理由。キャンパスの適正サイズについて説明

とはいったものの、どのデバイスでも等倍で表示させるといったことはまず無理です。極端な話、1000×1000ピクセルのラスタ画像を、10×10ピクセルしかないディスプレイで等倍全体表示させることは出来ません。

さらにいえばベクタ画像であっても10×10のディスプレイで1000×1000を綺麗に全体表示させることはできません。

↓拡大変形

イメージとしては1000×1000ピクセルの画像の一部もしくは全体を拡大表示あるいは変形させたときに色がぼやけたりガタついたりしにくいというだけの話です。

こうした極端な例を除けば、平均的なディスプレイの大きさ、あるいは各SNSの枠組みの大きさに合わせてイラストや写真を制作すればほぼほぼ等倍で表示させることは出来ます。

拡大されたら色がぼやけるからJPEGやPNGのラスタ画像使わないほうがいい、とはならないのです。そもそも拡大させて見るような状況が例外なのです。

もちろん後から画像を拡大させて投稿したくなったときのようなケースではベクター画像は便利です。拡大させても画像が劣化して見えにくいからです。しかしイラスト制作ではそもそもどの画像サイズで制作するか最初から決めておくのが基本で、後から拡大させたいというケースは例外的なものだと思います。きちんと画像サイズを把握しながらイラスト制作をこころがけましょう。

ちなみに大きめの画像サイズで作成しておけばラスタ画像でも劣化しにくいです。ラスタ画像の場合はサイズを大きく変形すると劣化しやすいですが、小さく変形すると劣化しにくいからです。どのサイズで利用するかわからないという場合は、できるだけ大きめに作りましょう。

製作中に大きさを変更したい場合はベクターレイヤーが便利です。この石ちょっと小さいなというときにベクターレイヤーなら簡単に劣化させることなく大きくすることが出来ます(線画の場合)。しかしラスターレイヤーで同じように拡大変形してしまうと劣化してしまう場合があります。途中で変更したくなった場合に備えてラスタライズで色塗りをする前にベクターレイヤーは複製しておくといいかもしれません。

変形・拡大・縮小しなければベクターとラスターは見た目が同じ？

これは意外と複雑な項目です。

まず、先ほど説明したとおり、「ベクター的に描画すること」と「ベクター的に保存すること」は異なります。これが大前提です。

そしてイラストをデジタルで作成し、SNS等デジタル世界で公開することを前提にします。

また、CLIP STUDIO PAINTのように「ベクター的に描画すること」はできるが、「ベクター的に保存すること」はできない状況を想定します

以上の点を踏まえた上で、変形しなければベクターとラスターは見た目が同じかどうかを検討します。

まず2つの線を用意します。ベクター線とラスター線です。それぞれベクターレイヤー、ラスターレイヤーで作成したものです。

見た目同じですよね。そうなんです見た目同じなんです。

ちなみにクリスタ内で表示倍率を上げても、下げても同じ表示です。上がベクターで下がラスターです。同じですよね。

表示は同じですがもちろんベクター線は制御点が内部構造として設定されています。ラスター線はこのような制御点がでてきません。制御点を表示させるためには、[操作]から［オブジェクト］を選択してベクター線をクリックすれば出ます。

表示倍率ではなく、線そのものを変形してみます。上の画像の500%拡大は表示の拡大です。クリスタでいうと[編集]から[変形]、そして[拡大・縮小・回転]です。まずは上のベクターを拡大させてみます。ちなみにショートカットキーはControl+Tです。

ベクター線のほうは拡大変形してもガタツキ度が変わっていないことがわかります。サイズだけ大きくなった感じです。

同じようにラスター線も拡大させてみます。ラスター線は色がぼやけてしまっていることがわかります。

このように、「ベクター的に描画する」ことにおいても、線を変形すると見た目の表示に違いが出ることがわかります。

「ベクター的に描画」はできますが、結局クリスタではラスター画像で保存することになります。したがって、ラスター画像として保存された画像が拡大などの変形が加われば同じように線がぼやけてしまいます。

逆にいえば拡大や縮小が行われなければ、つまり等倍で表示されていればラスター画像でもベクター画像と同じような見た目になるということです。すくなくともクリスタでの表示は一緒です。

クリスタでのベクターレイヤーの使い分け(ベクターは線画、ラスターは色塗り、ラスタライズ)

ベクターではグラデーションが苦手、複雑な配色が苦手等の特徴があるらしいので、細かく言えば見た目は違ってくると思います。

クリスタではベクターレイヤーではそもそもグラデーション機能を使うことが出来ませんし、ベタ塗りもできません。こうした形でベクターレイヤーの苦手な部分が描画の側面においても出てきていると言えます。

結局クリスタではpngやjpegといったラスタ画像で保存されることになるので、グラデーションやベタ塗り、複雑な配色が必要なときはベクターレイヤーをラスタライズしてラスターレイヤーに変換してしまえば解決します。修正が必要になったときのためにベクターレイヤーは複製しておきましょう。

ラスタライズ：ベクターレイヤーをラスターレイヤーに変換する機能

細い線の調整が制御点で後からコントロールできるメリットをもつベクターレイヤーは線画の作成に向いています。ベタ塗りなどの便利な色塗り機能はラスターレイヤーでできるので、ベクターレイヤーをラスタライズして使いましょう。

参考・引用文献

１：https://www.too.com/support/faq/term/ha/23767.html

２：https://saruwakakun.com/design/photoshop/image

３：「CLIP STUDIO PAINT機能引き辞典」(ナツメ社)

アンチエイリアスとはなにか

アンチエイリアスとは

絵を描く人からしたら誰もが見聞きした言葉だと思います。ですが意味を知っている人は意外と少ないです。「アンチエイリアスをしたら線が綺麗になるんでしょ」くらいの理解だと思います。

アンチエイリアスなし(拡大)

アンチエイリアスあり(拡大)

アンチエイリアス比較(等倍表示)

アンチエイリアスは良い点ばかりではないというのがこの記事のポイントです。線によってはアンチエイリアスをかけるとぼやけてしまいます。かなり細い線、たとえば1ピクセルの幅の線をぼかそうとしたら全体的にぼやけてしまいます。なんでもかんでもアンチエイリアスをかければいいというわけではないことがわかります。

解像度との関係では、解像度が低いキャンパスではアンチエイリアスをかけるとぼやけて見えやすいです。たとえば10×10ピクセルの解像度をもつキャンパスで絵を描いた場合、斜線はほとんど1ピクセルの幅になるのでアンチエイリアスをかけるとぼやけてしまいます。したがってアンチエイリアスはある程度解像度の高いキャンパスで使用するべきということになります。

どうしたらアンチエイリアスをしても絵がぼやけないか、どのくらいの強さでアンチエイリアスをかければいいのか、どのくらいのブラシサイズで描いたら劣化しないのか、キャンバスサイズはどのくらいにしたらいいのか・・・etc

様々な疑問に対して一定の回答をこの記事が与えてくれることを願います。

【要旨】アンチエイリアスに関する疑問に対する一種の回答

私は基本的に疑問に思ったことをだらだら調べて書きながら考えていくスタイルです。なので蛇足が多く、記事が全体的に長くなってしまう傾向があります。(解像度について調べてる途中にアンチエイリアスが気になって調べてたのですが、そもそも何を調べてる途中に解像度が気になったんだろうと思い返しています。たしか絵の具濃度かなにか調べてたような・・。でも調べるのは楽しいのでOKです(^o^)。楽しければ勝ちです。それが人生です。）

そこで、最初に要旨を提示しておきます。順番的に記事を大部分書き終えてからこの項目を記述しています。一部の方はこの要旨だけで事足りるでしょう。私のように知識不足のかたは以下の要旨だけではなく足跡を同じようにたどってください。

アンチエイリアスの仕組み

アンチエイリアスとコントラスト

この項目は「なぜアンチエイリアスをかけると線が綺麗に見えるか」についての説明です。「境界線をぼかすことによってコントラストが弱まるから線が綺麗に見える」というのが答えです。

コントラストが強いとギザギザが目立ってしまいます。上の画像でいうと黒の描画と、背景の白の色の差が大きいので、余計にギザギザ(ジャギー)が目立ってしまうということです。みんな黒い髪なのに一人だけ金髪だと目立ちますよね。そういう感じです。

そうしたコントラストを弱めるためにアンチエイリアスでは中間色を入れます。正確に言うと境界線をぼかします。クリスタでいうと不透明度が下がり、背景色が透けて見えるイメージです。

･中間色ってどういうこと？｡

アンチエイリアス後

アンチエイリアス前

上の画像を見てください。アンチエイリアスを入れた後の拡大画像です。白と黒の間に、グレーが入っていることがわかります。これが中間色です。この境界線のピクセルが最大にぼかされ、周辺のピクセルが段階的にぼかされていくことになります。アンチエイリアスが強いほど、周りのピクセルも段階的にぼかされていきます。

コントラストとアンチエイリアスの組み合わせについて

･たとえばコントラストが弱い関係にある後景と前景の組み合わせではアンチエイリアスは弱くてもいいとうこと？

たしかにそういう考えもできますね。

たとえば後景が灰色で、前景が黒の場合を考えてみましょう。当然ですが白が一番ジャギーが目立ち、黒くなるほどジャギーが目立ちにくくなりますよね。同じ線なのに、線の組み合わせ次第でガタツキの目立ちやすさが変わるのです。

当然ですが後景と前景の色を入れ替えてもジャギーは目立ちます。

･そもそも全てアンチエイリアスをかければ前景や後景のコントラストを考慮しなくて良いのでは？

それもある意味では正論です。しかし「とりあえずアンチエイリアスをかける」というのはある種の思考停止です。アンチエイリアスは万能ではなく、欠点をもっているからです。

つまり「アンチエイリアスをかけないメリット」というもの同時に存在しているのです。このGeorgiaのフォントかっこいいですね。

ここで軽く触れておくと、アンチエイリアスをかけると線や色がぼやけてしまったり、フリンジというものが発生して塗りつぶしが汚くなってしまう場合があります。これらのデメリットがないというのが、アンチエイリアスをかけないメリットです。もちろんアンチエイリアスの弱点を補完するテクニックも存在します。後ほど紹介いたします。

直線と斜線の違い

まず基本的な数学からいきましょう。正方形の対角線の長さを求める方式は、一辺の長さ×√２です。√２は約1.414です。

斜線の場合はブラシサイズの6というのは斜線の幅になります。つまり対角線の数が4個で約5.656になるということです。クリスタでは小数点以下の数は扱えませんので、5.656=6として扱われることになります。

･直線と斜線って具体的にどういう点で重要になるの？

そもそもアンチエイリアスは直線のためではなく、斜線のためにあります。円も斜線から構成されています。

完全な四角形の場合はアンチエイリアスをする必要がないのです。なぜならギザギザしないからです。

アンチエイリアスあり(上)となし(下)で両方描きました。同じブラシサイズで作成しています。アンチエイリアスなしの円はジャギーが目立ってしまい、ギザギザしていますよね。一方四角形の方はアンチエイリアスがかかっていなくても綺麗です。

アンチエイリアスをかけた円は綺麗ですが、じゃっかんぼやけています。アンチエイリアスをかけた四角もじゃっかんぼやけています。

ちなみに等倍にすればこのぼやけもすこしマシになります。アンチエイリアスのぼやけ(ぼかし)は一般的なディスプレイの解像度で、等倍にして見ればあまり気にならないと思います。一方で、アンチエイリアスをかけない円は拡大でも等倍でも気になります。

縮小すればするほどジャギー(ギザギザ)がましに見えるというのもポイントです。

アンチエイリアスの強弱について

上の画像のように、アンチエイリアスが強くなると境界線のぼかしが強くなっていることがわかります。ブラシサイズ６の場合は、三段階ぼかしてしまうと1,1,1で3、それが両端で合計6なので実質全ての線がぼかされてしまうことになります。とはいってもアンチエイリアス強でブラシサイズ6の場合も、中心軸の線はあまり色が変化していません。RGB0.255.0から0.253.2の変化なのでほぼ変化していないといってもいいです。

263%拡大

等倍

次にブラシサイズ60で同じ用に比較してみます。どうでしょうか。線の幅(縦)に差を感じるでしょうか。下の線にいけばいくほどアンチエイリアスを強くしています。

幅の違いほとんどわかりませんよね。

とくに等倍にするとほぼ同じ線です。なぜか。それは線の幅に対するアンチエイリアスのぼかしの割合が小さいからです。

さきほどはブラシサイズ6に対して、アンチエイリアスが2から6ぼかされていたので、多くの面積がぼかされていました。

今回はブラシサイズ60に対して、アンチエイリアスが2から6しかぼかされていないので、多くの面積がぼかされているように感じないのです。

2/6と2/60では体感が面積の比率が全然違いますよね。貯金額6万の人からすれば2万は大金ですが、貯金額60万の人からすれば2万は小額に感じるのと同じです。ブラシサイズ60と58を比較してもよほど目がいい人ではないと差を感じることはできないでしょう。

ちなみにブラシサイズ600でも最大で6ピクセル(片側3＋片側3)しかぼかされないので、6/600です。ほとんど気づきませんよね。

斜線の場合は若干計算がややこしくなります。１ピクセルの対角線の斜線が√２で1.414の中途半端な数字だからです。上の画像はブラシサイズ６でアンチエイリアス弱です。アンチエイリアス弱ということは、直線の場合は両端のピクセルが１ずつぼかされていました。斜線の場合は線の両端がぼかされるというより、線の片端が交互にぼかされている感じです。

ちなみにブラシサイズ60でアンチエイリアス弱でも同じ幅がぼかされます。「同じ１対角線ピクセル(1.414)」です。

クリスタは描画が不安定なので、交互になったり、ならなかったりとバラバラですが基本的には交互にぼかされると考えていいと思います。

もうひとつの考え方もあります。幅自体は斜線でとるのが正解ですが、直線でとるとぼかし範囲が分かりやすいです。

こんなこと理解してどうするの

直線として幅をとれば、合計７ピクセルになってしまいますが、両端から３ピクセルずつぼかすというアンチエイリアス強のぼかし方と一致します。

斜線として幅をとれば、合計約5.6ピクセルとブラシサイズ６と一致しますが、ぼかす幅が対角線の1ピクセルや２ピクセルになってしまいます。もっとも対角線2ピクセルで約2.8なので3と近い値ですが。

アンチエイリアス中にすれば理論的には直線が両端2ピクセルずつ一致されるので一致します。ただしCLIP STUDIO PAINTは描画が不安定なので、毎回同じ線が作成できない難点があります。この法則を活かせることはあまりないと思います。ただぼかす領域が、アンチエイリアスが弱くなるほど減るという理解には役立ちます。

ちなみにこの法則はブラシサイズが60でも600でも当てはまります。上の画像はブラシサイズ600の拡大画像です。アンチエイリアス中で処理を行い、直線で幅を取ると2ピクセル分縦にぼかされています。

ブラシサイズが大きいほど、アンチエイリアスの粗が減る

さきほどアンチエイリアスの強弱で見たように、ブラシサイズが大きいほどアンチエイリアスのぼかしが目立ちません。なぜならアンチエイリアスのぼかしの割合がブラシサイズに関係なく一定だからです。両端合わせて2から6ピクセルほどぼかされています。

これには一定の法則があるようです。クリスタではアンチエイリアス小の場合は合計2ピクセル、中の場合は合計4ピクセル、大の場合は合計6ピクセルぼかされているみたいです。

この法則はブラシサイズが大きくなってもほとんどあてはまります。たとえばブラシサイズ60でアンチエイリアス強の場合も合計6ピクセルぼかされています。ブラシサイズ100でアンチエイリアス強にしても合計6ピクセルぼかされていました。

ブラシサイズが大きくなっても、ぼかされる幅は片側で最大3ピクセルです。ブラシサイズが大きくなればなるほど、この3ピクセルという幅は目立ちにくくなります。反対にブラシサイズが小さくなればなるほど、この3ピクセルという幅は目立ちます。

たとえばブラシサイズ１でアンチエイリアス強にした場合、先の全てがぼかされてしまいます。さらに1ピクセル以上のピクセルを使います(周りにもうっすらピクセルがあります)。上がアンチエイリアスあり、下がアンチエイリアス強です。印象がかなり変わってきますよね。アンチエイリアスを使うとデータ量が多く必要になるとはこういう意味でも使います。

次にブラシサイズ10で同じ比較をしてみます。先程より差を感じにくいですよね。とはいってもアンチエイリアス強だと10ピクセルの幅に対して最大約6ピクセルぼかすのでぼかしは多く見えますね。そういう意味で、小さいブラシサイズの場合は、アンチエイリアス弱めておこうという発想もできます。

アンチエイリアスをすると線が細く見える

500%拡大

等倍

アンチエイリアスをすれば線が細く見えます。アンチエイリアスをすると同じブラシサイズなのに、線が細く見えてしまうのです。境界線をぼかすので、色が薄くなり、見えにくくなってしまっています。アンチエイリアスを強めれば強めるほど、線が細く見えます。ブラシサイズでが大きいほど、線が細く見えにくいです。

もっとわかりやすくブラシサイズ6で比較してみます。わかりやすくするために斜線ではなく直線を使います。ピクセル数自体は変わっていないのですが、境界線がぼかされることによって等倍で見たときに背景色に溶け込み、線が細く見えてしまっていることがわかります。6ピクセルなのに4ピクセルの線の幅で見えてしまっているということです。ブラシサイズ4のアンチエイリアス無しの線と、ブラシサイズ６のアンチエイリアスありの線がほぼ同じサイズ感です。

拡大表示等倍表示

ブラシサイズ6の場合は一番外側と、二番目の外側のピクセルがぼかされます。

拡大表示

等倍表示

ではブラシサイズ8の場合はどうなるか。クリスタの場合はブラシサイズ8で幅が7の場合も8の場合もありバラバラで安定しないのですが、最高で8ピクセルの幅を持っています。

ぼかされる領域がよく見ると片側３ピクセル、もう片側３ピクセルあるので合計６ピクセルあります。外側が一番ぼかされ、２番めに外側のピクセルは中くらい、３番めは小くらいぼかされていることがわかります。３番めはよくみなければわからないくらいの変化です。拡大しなければほとんど変化はわからないレベルですね。一番ぼかされている線は等倍でほとんど表示できない(背景に溶け込んでいる)と考えてください。

解像度とアンチエイリアスの関係

等倍、縮小、拡大の理解

まず解像度について理解できていない方はこちらの記事をどうぞ。

解像度とはなにか。ピクセル、ドット、ビット、dpi，ppiの違いと意味について

【クリスタ】おすすめの解像度(DPI)やキャンパスの設定【CLIP STUDIO PAINT】

解像度応用編　細かく絵を描く方法、データピクセルと物理ピクセルの違いとはなにか

【クリスタ】画面上のサイズで指定するとは【CLIP STUDIO PAINT】

絵を縮小すると劣化する理由と綺麗に見える理由。キャンパスの適正サイズについて説明

拡大しすぎるとアンチエイリアスのぼやけが目立つ。縮小しすぎるとアンチエイリアスのぼやけが目立つ。

24.4%

･24.4%表示ってなに・・・？｡

24.4%とは、私の環境の場合、A4350DPI相当のファイル(2894×4093データピクセル)を全体表示(表示位置をリセットした状態)で開いた際に、24.4％に縮小されて表示されるということです。クリスタでは上の方にその倍率が表示されているので、特別な計算をしなくても皆さんが把握できる数値です。この数値はディスプレイの解像度や、ペイントソフトの表示環境等で変わる数値です。人によって変わります。

ちなみにこの24.4％は物理ピクセル数でいうと706×998物理ピクセルくらいです。一般的なディスプレイやスマホで十分に全体表示で等倍に表示できる解像度です。絵を見る人はこれくらいの解像度の質で見ますよという基準にもなります。いわゆるA４72DPI(595×842データピクセル)に近い数値です。

24.4％表示でブラシサイズ100の中にブラシサイズ5の円を描いてみました。ブラシサイズ100の太い線は違いがほとんどわかりません。左からアンチエイリアスなし、弱、中です。

この３つを出されどれがアンチエイリアスなしかと聞かれてぱっと答えられる人は少ないのではないかと思います。アンチエイリアスがあるほうが、若干小さい円が薄くぼやけてる気がします。それくらいの差ですね。

100%(等倍)

200％(アンチエイリアスなし)

3200%(アンチエイリアスなし)

200％(アンチエイリアス中)

3200％(アンチエイリアス中)

24.4%

実際にディスプレイで全体表示の際に表示されるのは24.4％です。アンチエイリアスかけてもかけなくても太い線の場合はほとんど違いがわかりませんよね。

ただし細い線の場合は細く、ぼやけて見えてしまいます。理由は単純です。ブラシサイズ5で描いた線が24.4％に縮小されて1.22のピクセル幅で表示されているからです。ややこしいですよね。データとしてはブラシサイズ5ですが、表示としてはブラシサイズ１なのです。

ブラシサイズ１表示の場合は上の画像のように全体的にぼかされてしまいます。下に行けば行くほどアンチエイリアスがつよくなっています。

言葉で説明

０：私のディスプレイは1920×1200物理ピクセルある。クリスタではキャンパス領域を1000×1000物理ピクセルの枠にしてある(左右にレイヤーやサブツールを表示させるので全体より狭い枠になる)。

１：350DPIのキャンパスでは2894×4093データピクセルある

２：72DPIのキャンパスでは595×842データピクセルある

３：(350DPIの場合)私のディスプレイでは2894×4093データピクセルを等倍(100%で)表示できず、24.4％に縮小される。706(2894×24.4%)×998(4093×24.4%)物理ピクセルで全体表示されます。

４：(72DPIの場合)私のディスプレイで595×842データピクセルを等倍表示のままです。595×842物理ピクセルで全体表示されます。

５：(350DPIの場合)24.4％のままブラシサイズ100で描画すると、物理的にはブラシサイズ24.4で描いたのと同じ大きさで表示されます。データ的にはブラシサイズ100で描画されています。

6：(72DPIの場合)等倍のままブラシサイズ100で描画すると、物理的にはブラシサイズ100で描いたのと同じ大きさで表示されます。データ的にはブラシサイズ100で描画されています。

以上が全体的な流れです。なかなか想像しにくいですよね。物理ピクセルとデータピクセルが違うと理解できるまで少し時間がかかります。

こういうわけで、350DPIでは円を3つ描いても余裕だったのに、72DPIでは2つ描くとキャンパス全体が埋まってしまうということです。言葉だけで言ってもわかりにくいですよね。

図で説明

350DPIでブラシサイズ100で描いた画像(24.4％表示)

350DPIでブラシサイズ100で描いた画像(100％表示)

72 DPIでブラシサイズ100で描いた画像(100％表示)

72 DPIでブラシサイズ100で描いた画像(21.8％表示)

72DPIでブラシサイズ24で描いた画像(100%表示)

これで物理ピクセルとデータピクセルの違いがわかったと思います。右上のナビゲーター画像と比較してみるともっと分かりやすいです。ナビゲーター画像は常に全体を表示させています。

･で・・・アンチエイリアスとどんな関係があるの・・・？

えーっと。これもすこしややこしい。要するに絵が閲覧されるときに極端に拡大や縮小されてしまうとアンチエイリアスのぼやけが目立ってしまう場合があるということです。作成時の表示と、閲覧時の表示をできるだけ合わせることによってアンチエイリアスを適切に表示しましょうという話です。

たとえばブラシサイズ20でアンチエイリアスをかけて線を描き、自分の画面では等倍表示ではぼやけがあまり目立っていないとします。この絵を小さい画面や枠で見たときに、10％に表示されてしまうとします。この場合、ブラシサイズ20で描いた線は10％のブラシサイズ2で表示されることにより、すべての線が全体的にぼかされてしまいます。ブラシサイズ20のときは20のうち2しかぼかされなかったのに、表示においてブラシサイズが2になってしまうと2の内２を全てぼかされて表示されてしまうということです。

サムネイルなど極端に絵が拡大表示されてしまうようなケースも同じです。アンチエイリアスのぼかしが拡大されて表示されることで、自分の想定外にぼかしが目立ってしまうことがあります。

アンチエイリアスと解像度の関係(絵を見る人と絵を制作する人の違い)

まず絵を見る人の環境を考えてみてください。大抵の人は大きくても1000×1000物理ピクセルで絵を見ます(もちろんあくまで指標で人それぞれ、場所それぞれです)。4000×4000データピクセルを開いても、1000×1000物理ピクセルに縮小されて表示されるわけです。ちょうど100ブラシサイズの線が、実質的に24.4ブラシサイズで表示されるのと同じです。見る人にとっては4000×4000ピクセルの絵も、1000×1000ピクセルの絵もほとんど同じ用に表示されるということです。

↓

ここ大事ですよ。4000×4000の細かさで絵を作っても、見る人の環境が1000×1000の場合は4000×4000の絵の細かさは無駄になってしまうということです。これは自分で画像を縮小させれば分かると思います。（極端ですが）上のりんごのイメージと同じです。解像度が高いファイルでも、解像度の低いディスプレイではこのように表示されてしまい、細かい描写が無駄になってしまうということです。

見る人が不特定多数の場合は、一般的な解像度に合わせて絵を作成したほうがいいと思います。多くの人が使っているようなディスプレイを想定してください。自分が誰に向けて、どんな媒体で、どんな場所で絵を見てもらいたいかが強く関係する項目です。パソコンで見るか、スマホで見るか、アナログで見るか等々です。さらにTwitterで表示するのか、Facebookか、ブログか、pixivかなど場所の問題もあります。

次に絵を制作する人の環境を考えてみてください。制作領域が4000×4000あるのと、1000×1000あるのではだいぶ違います。制作領域が多いほど拡大の手間が少なくなり、絵を描くのが楽になります。

しかし4000×4000の細かさで絵を描いたとしても、全体表示の場合1000×1000以下に縮小されてしまうことが多いので細かく描いた絵が無駄になってしまうかもしれませんえ。350DPI(A4 2894×4093データピクセル)で有用なケースは印刷の場合か、見る人が5kや6kのディスプレイか、拡大して鑑賞してくれるかに絞られます。どうせ印刷もしないし、ウェブで公開するならA472DPIくらい(595×842ピクセル)でいいかという人が多いのも納得できます。

･でも細かい作業には結局350DPIのほうが有利だよね？

確かに高解像度のキャンパスのほうが細かい作業には適しています。しかしそれはトレードオフの関係にあります。

350DPIにすると、拡大すれば実質的に2894×4093物理ピクセルの細かさで絵を描くことができます(達成)。しかし拡大しながら絵を描くことによって全体のバランスを見失いやすくなります(犠牲)。

このようにデータを高解像度にして拡大しながら絵を描く場合、メリットとデメリットが生じます。もしA4350DPIで10－30％表示で絵を描く場合、実質的にA472DPIで絵を描いているのと大して差がありません。ここめちゃくちゃ重要です。

まずは自分のディスプレイがどのくらいの解像度をもつかを確認してください。

A４350DPI(2894×4093)のキャンパスを開いてみて何％で表示されているでしょうか。クリスタの場合は上の方に表記されます。10－40％くらいの方が圧倒的多数だと思います。つまり拡大しながら絵を描かなければ2894×4093の絵の細かさで絵を描けない環境だということです。拡大しないで絵を描く人は、実質的に1000×1000データピクセルのキャンパスを使って描いているのと差がありません。データとして2894×4093ピクセルで保存されているだけです。

2894×4093ピクセルの細かさで絵を描く必要があるのか

これは人それぞでしょうね。細かい描写のときはデータピクセルが多い方が有利なのは事実です。ただしそのレベルで細かく描写しても、1000×1000まで縮小されて表示されてしまうので、WEBの場合は無駄になってしまうことが多く悲しいですね。盗作防止のためにあえて低解像度で保存して公開する人もいるくらいです。印刷を前提にしている方は絵を細かく描けば描くほど、細かく印刷することも可能なので報われますね。

細い線のケース

さてアンチエイリアスは拡大すればするほど目立ちます。上の画像はブラシサイズ５です。これは2894×4093のデータファイルの一部を3200％拡大したものです。

そしてこれが100％の等倍で近い場所を撮ったものです。

これが24.4％表示です。

一般的に絵が表示されるのは24.4％の表示です。100%の絵の細かさで絵を描いても、24.4％くらいで表示されるとはこういうことです。上の画像の比較はアンチエイリアスなしのケースです。3200％まで拡大されるとジャギーが目立ちますが、100％ではあまり目立たなくなります。24.4％では線が細すぎてジャギーがさらにわかりにくいです。

これは細い線のケースの場合です。ブラシサイズ5で描いた線が24.4％に縮小されて1.22のピクセル幅で表示されているケースです。3200％の場合はブラシサイズ5で描いた線がブラシサイズ160の幅で表示されていることになります。

虫眼鏡で自分の肌を観察し見てください。普通に見ても見えないシワや線が拡大するとよく見えるはずです。ジャギーも同じです。拡大すればするほど目立ち、縮小すればするほど目立たなくなります。A4350DPIを等倍に拡大しながら絵を描いていてギザギザが目立つように感じていても、実際には10－30％に縮小されて表示されるのでジャギーがあまり気にならないケースが多いということです。

20 %から100％に拡大して絵を描いていて、20％で全体表示をしたときに、思ってたんとぜんぜん違うやん！となる事があると思います。あたりまえですよね。ブラシサイズ5がブラシサイズ１に縮小されて表示されるかです。ブラシサイズ1の線にアンチエイリアスを描けているのと実質的に等しいので、線全体にぼかしがかかり、ぼやけて見えてしまいます。右端の、真ん中の小さい円がぼやけてますよね。

フリンジとは

アンチエイリアスとフリンジの関係

アンチエイリアスで起こるフリンジ

アンチエイリアスなし

アンチエイリアスをかけながら色を塗りつぶすとフリンジという現象が起きます。これがいろいろとやっかいです。拡大するとよくわかります。

領域拡縮にチェックを入れて塗りつぶす

一見すると塗りつぶしそこねているように見えてしまいますよね。クリスタでは領域拡縮にチェックをいれることですこしましになります。他にも色の誤差の数値を上げたりする方法もあります。ましにはなりますが塗りつぶされる領域が拡張されたことで、線が細く見え、結果的に線のガタツキが目立ってしまう場合があるので注意して使いましょう。

デジタル絵の画像適正サイズ

WEBで絵を作成・公開する際の適正サイズは人それぞれです。人それぞれで終わらせるわけにもいかないので、なにかしらの道標を作っておきます。

仕事で依頼されているか、依頼されていないか

仕事で依頼されている場合は画像のサイズが指定されるはずです。最終的な画像のサイズを自分で悩む必要はありません。A4350DPIと言われたら、それ相応のピクセル数(2894×4093)のキャンパスを作成すれば問題ありません。72DPIにしようか、350DPIにしようか、600DPIにしようかとこちらで悩む必要はないのです。勝手に解像度を変えてしまうとむしろ迷惑になってしまいます。

印刷を前提にしない仕事の依頼(ウェブのアイコンやバーナー、挿入画像など)は相対解像度(DPI)ではなく、絶対解像度(総ピクセル数)で依頼されることもあります。例えばTwitterのサムネを作って欲しいから、400×400ピクセルで絵を描いてくれ、ヘッダーで使いたいから1500×500ピクセルで描いてくれといったケースです。依頼サイズを勝手に変更して入稿したりするのは迷惑になってしまいます。

後で述べますが、400×400の入稿サイズに対してそれより大きいキャンバスサイズ(800×800や1600×1600など)で絵を描き、入稿時に縮小して入稿するのは場合によってはOKです。「場合による」というのは縮小することによって綺麗に見える場合もありますし、綺麗に見えない場合もあるからです。縮小するとデータとしては明らかに劣化するのですが、見た目としてはきれいに見えるという現象が起きる場合もあるのです。ここが悩ませる点です。どちらをとるかはケースバイケースで一様には言えないのです。

入稿データとキャンバスサイズが著しく相違がある場合はデータとしても見た目としてもきれいに見えない場合が多いので注意しましょう。極端な例で言えば10×10で指定されているのに1000×1000で細かい絵を描いてしまい、後で10×10に縮小すると何を意味している絵なのか全くわからなくなります。リンゴが赤い点にしか見えません。このように入稿データとキャンパスデータの大きさのバランスはなかなか難しいものです。わからないという方は入稿データとキャンパスデータのサイズを後で合わせるのではなくはじめから一致させておいたほうが無難です。今回のケースで言うとはじめから10×10のキャンパスを作って絵を描いたほうがいいということです。

画像のサイズを指定してこない業者の場合は、適正サイズを折り返し確認してください。仕事を依頼する側の人や、趣味で絵を描く人、あるいは絵を販売する人は解像度に関する知識や、個別具体的な知識について学ぶ必要がありますので次に進んでください。

WEBのアイコンで依頼されたらそのアイコンの適正サイズがあります。ポスターで印刷するために依頼されたら、ポスター一面で画像を依頼される場合もありますし、ポスターの一部で画像が挿入される場合もあります。とにかく適正サイズは依頼する側の業者が判断するべきものなので、こちらが悩む必要はありません。

A４350DPIでお願い！200×200のピクセル数でお願い！など、指定されたけどナニヲイッテルカワカラン状態になっている人は解像度について学ぶ必要があります。基本的な解像度の知識は以下の別記事にまとめました。

解像度応用編　細かく絵を描く方法、データピクセルと物理ピクセルの違いとはなにか

【クリスタ】おすすめの解像度(DPI)やキャンパスの設定【CLIP STUDIO PAINT】

解像度とはなにか。ピクセル、ドット、ビット、dpi，ppiの違いと意味について

基本的に依頼先から指定されるのは、あくまで最終的な入稿における適正サイズです。例えば500×500ピクセルの画像(絶対解像度)で依頼されたけど、2000×2000ピクセルで絵を作って500×500に”縮小”して入稿するといった方法もあるわけです。

たとえば「A４サイズの350DPI(ピクセルでいうと2894×4093相当)」という画像を指定されたとします。そこで700DPI相当(ピクセルでいうとか5787×8185相当)のキャンパスサイズで絵を作成し、2894×4093相当まで縮小して入稿するといったことは原理的には可能です。

可能ではありますが、そんな大きなサイズの絵を作ってしまって縮小して入稿するときに絵が潰れたり劣化したら元も子もないですよね。たとえば700DPI相当で一生懸命拡大しながら絵を描いて、入稿サイズが72DPI相当の場合は大幅に画像が劣化します。はじめから72DPIで描いたほうがきれいな画像ができていたのでは？というレベルで劣化することがあります。

入稿サイズに対して、どれくらいのキャンパスサイズで絵を描いたほうがいいかという問題になると悩む必要が出てきます。そうした問題に対してのなにかしらの道標がこの記事によって提供できれば幸いです。

印刷をするかWEBで公開するか

第一にここを考えましょう。印刷を前提にした場合の絵のキャンバスサイズと、WEB公開を前提にした場合の絵のキャンバスサイズは異なります。

印刷を前提にした場合は解像度の高いキャンバスサイズになります。つまり総ピクセル数が多くなります。たとえばA４印刷を前提にした場合カラーだと350DPI相当の解像度が必要になるので、2894×4093ピクセル数のキャンバスサイズを作る必要が出てきます。WEBでのみ公開する場合はA4サイズの縦横比の絵の場合(いわゆる1：√2)だと595×842ピクセル数(印刷するなら72DPI相当)のキャンバスサイズでも十分です。

72DPIで十分な理由は、一般的なディスプレイやスマホの性能なら絵は595×842ピクセルくらいの絵なら等倍で全体表示できるからです。等倍で表示できる＝絵が綺麗に表示されると基本的には考えてOKです。逆に一般的なディスプレイやスマホで2894×4093などの350DPI相当の全体表示をすると、等倍で表示できず縮小されて表示されることになり、劣化して表示される場合があります。

※後で話しますが、等倍だから必ずしもきれいなわけではありません。縮小されたほうが線のガタガタが目立たないという考え方もあります。

縮小や拡大による劣化表示は、画像データ自体が劣化しているわけではありません。表示の際に劣化して表示されるだけです。2894×4093というデータピクセルが大きすぎて、ディスプレイの物理ピクセルの能力が追いつかず、しかたなく縮小されて劣化表示されているということです。

2894×4093が等倍表示されているときの絵の細かさ・絵の質を最高とすれば、縮小された場合はそれらの絵の細かさや質が劣化しているのです。通常のディスプレイで2894×4093を全体表示かつ等倍表示で絵を見ること、絵を描くことはほとんどありません。6kクラスの数十万円するディスプレイでかつ全画面キャンパス表示や画像表示ではじめて表示できます。5kや6kのディスプレイは数十万円クラスなので、ほとんどの方はもっていません。※参考までに5kはおよそ5120×2880ピクセル、6kは6144×3456ピクセルです

一般的なディスプレイでは2894×4093の絵を全体表示させると絵が20－30％に縮小表示されるはずです。全体表示させたときの絵がポイントです。このくらいの絵の細かさ、絵の質で見られるのだという指標になります。WEBで重要なのは絵が20－30％に縮小されたときの絵の品質です。※ここでいう一般的なディスプレイとは4K未満のディスプレイを指します

クリスタで2894×4093の絵を描いているとき、全体表示にすると20－30％に縮小されたとします。さらにそこから100％まで拡大して、部分表示を行い細かい絵を描き込んでいくとします。今あなたが拡大しながら描いている細かい絵はあくまでも部分表示で拡大された絵です。

あなたの絵は通常、部分表示で拡大されて見られるわけではなく、全体表示で縮小されて見られます。拡大しながら細かい絵を描いても無駄になってしまう場合があるということです。無駄どころか、絵が汚く見えてしまうケースすらあります。部分拡大しているときは綺麗なりんごを描いているつもりが、縮小全体表示されたときは「赤い何かの物体」になってしまうケースがあるのです。

これらの問題はディスプレイの性能の低さと、印刷の性能の高さの違いから生じています。ディスプレイの能力が10だとしたら、印刷の能力は50や60もあるのです。印刷の能力に合わせて絵を描いていると、それがWEBで表示された際に劣化して表示されるのは当然なのです。印刷用途ならWEBでどう表示されるかは気にしないで描くと割り切ってしまうと楽です。

印刷を前提にする場合は、(基本的には)自分で勝手にピクセル数(縦横比など)を決められないというのもポイントです。なぜなら印刷会社によって印刷できる紙のサイズが指定されるからです。一般的にはA判やB判などのサイズが指定されるはずです。印刷予定のサイズを最初に決めてから、どのくらいの品質で印刷するかというのが順序になります。キャンバスサイズに合わせて印刷するのではなく、印刷サイズに合わせてキャンバスサイズを作成するのが基本です。

各種ペイントソフトではキャンバスサイズを作るときに、自動で適正ピクセル数が表示されます。クリスタの場合はキャンバスサイズを作るときに、A４サイズで350DPIを指定すれば自動的に2894×4093ピクセルと表示されます。なので自分で計算する必要はありません。どのくらいのサイズで印刷するべきか、A４にしようかB４にしようかはその人次第なので特にきまりはありません。

WEBのどの場所で絵を公開するか

Twitterで公開したいのか、pixivで公開したいのか、Facebookで公開したいのか、ブログで公開したいのか、バーナーで使いたいのか、アイコンで使いたいのかなどさまざまな「場所や用途」があります。全ての場所や用途に応用できる汎用サイズなど基本的にはありません。正方形の絵を作って長方形の枠に当てはめれば歪みますよね。

この場所を決めずに適正サイズを考えることは難しいです。なぜならそれぞれの場所や用途によって適正サイズというものがあるからです。

たとえばTwitterのアイコンの絵を描きたいなら、大きいキャンバスサイズの絵は不適切です。Twitterのタイムラインで流したいなら、大きすぎる絵は縮小されて、劣化表示されてしまうので不適切です。pixivならある程度大きい絵でも縮小されずに表示されます。ブログならその人のブログの形態によってある程度自由なサイズを決められます。

このように印刷するかしないか、WEBで公開するならどんな場所でどんな用途かが重要になります。

自分はどういう絵を描きたいのか

ここが悩みどころですよね。具体的には細かい絵を描きたいか、描きたくないかが重要になります。

細かい絵を描きたければ、できるだけ大きいキャンバスサイズが適正サイズになります。この文章理解できるようで、あまり理解できないですよね。

細かい絵をデータとしては描けても、表示する際に細かい絵が表示されないことがあるからです。データ(データピクセル化)を重要視するか、表示(物理ピクセル)を重要視するかの問題です。

印刷では印刷表示(データピクセル)を重要視します。なぜなら印刷用途の場合、ディスプレイでどう表示されるかは基本的に関係ないからです。

WEBではWEB表示(物理ピクセル)を重要視します。なぜならWEB用途の場合、印刷でどう表示されるかは基本的に関係ないからです。

WEB用途の場合、どんなにデータとして細かい絵を描いても(拡大しながら絵を描く)、WEBではその細かさが表示されないのです。ここが重要です。つまりWEB用途だけならその細かさは無駄です。データが重くて場合によっては迷惑です。

5kや6kの解像度で、pixivやブログで絵をディスプレイ全画面で見てくれる人がいてくれたら無駄ではないよね？

たしかにそうです。しかし2019年時点で5kや6kで絵を全画面で見る人がどれだけいるでしょうか。1％もいないと思います。その人達のために、2894×4093クラスのキャンパスの大きさで一生懸命拡大して絵を描く価値はあるでしょうか。ここは個人的な性格の問題になります。1％の人のために細かい絵を描く、それも素晴らしいと思います。

しかし同時に、99％の人には自分のイメージと違う絵が表示されることになります。拡大して表示させているとき、あるいは6kのディスプレイで等倍表示させているときは綺麗なリンゴで表示されていても、99％の人は縮小されて、赤い何かの物体として表示されてしまう場合があるのです(極端な例ですが)。

99％の人が見たときにどんな表示なのか、一般的な解像度ではどういうふうに表示されているのかという視点をもつことも重要だと思います。

この視点は単純です。一般的なディスプレイの場合は、全体表示のときの絵を逐一表示してバランスをとりましょう。常に拡大ばかりさせていて絵を描くのは危険です。一般的なディスプレイで2894×4093の絵を描くときは、20－30％で全体表示されているはずです。この表示が、一般の人が見る絵の大きさです。※もちろんTwitterなどではもっと縮小されて表示されることもあるので、場所それぞれの考えで絵を描きましょう。

繰り返しになってしまいますが、印刷を目的とした場合は、20－30％の全体表示の視点にこだわる必要はありません。この20－30％の縮小された全体表示は、あくまでもWEBの表示だからです。印刷された場合はもっと綺麗に印刷されます。印刷の場合は20－30％ではなく、100％(等倍)の状態の絵が見られると考えたほうが楽ですね。

ただしWEBの表示と印刷の表示は根本的に違うので注意です。ディスプレイは光で絵を表現し、印刷ではインクで絵を表現するかです。見た目が完全に一致することはありません。とはいえ、20－30％の表示よりも、100％の表示のほうが完成に近い絵のイメージになります。

適正な縦横比

WEBの場合は大きくても1000×1000ピクセル以内のサイズが無難です。その点でいうと、よく作成されるA４72DPI相当の、595×842というキャンバスサイズは合理的なサイズといえます。もちろんこうしたA判やB判の縦横比である1：√２にこだわる必要性はありません。１：１でも、１：２でも、16：9でもいいのです。Twitterでは16(縦):９(横)や2:1の比率のキャンバスサイズがいいとかよく言われますよね。595×842が1：√２(1.1414)の近い数字をとるとすれば、468:832は9:16になります。Twitterの場合だと506×253(2:1)がいいやらpngがいいやら色々とルールがあるようです。適正サイズは変更される場合もあります。

場所によって適正な縦横比率やピクセル数があるので事前に調べておきましょう。

※縦横比をあわせたほうがいい理由は、縮小されるときに劣化しにくいというのがあるそうです。１：２という枠に、１：１０の画像を当てはめようとしたら歪んでしまいますよね。枠に合わせた縦横比というものがあるのです。印刷サイズはたまたま１：√２という枠が多いだけです。

縮小されたほうが絵が綺麗に見えるという考えについて(原寸・等倍で描くか、拡大して描くかの論点)

これはよくある争点です。この問題を確認するために、クリスタの一般の人の質問と、それに対する公式の回答をまずは見てください。

^*2

私は最初に等倍で絵が表示されたほうが基本的には絵が綺麗に表示されるといいました。しかし同時に、縮小されたほうが絵が綺麗に表示される場合もあるといいました。

どっちだよ

これは公式の回答通り、人それぞれ、絵それぞれ、ケースバイケースなのです。

縮小されたほうがきれいに見えるケース

では具体的な例を出します。まずアンチエイリアスなしで適当な線を等倍で表示させてみました。ブラシサイズは6です。若干ジャギー(ガタガタ)が目立ちますよね。

ここから25％まで縮小させてみます。どうですか線のジャギーがあまり目立たなくなりましたよね。線のガタガタが小さくなることによって、人間の目で捉えられなくなり、きれいに見えるのです。でかいホコリは目立ちますが、空気中にただよう小さなホコリは目立ちませんよね。基本的にそういう理屈です。公式が「縮小すれば細かい粗が目立たなくなる」といっているのはこういうことです。

縮小されたほうが劣化して見えるケース

先ほどと同じようにブラシサイズ６で円を描きます。今度はアンチエイリアスありです。上の画像は等倍表示ですが、先程と違いガタガタが目立ちませんよね。これはアンチエイリアスをかけているからです。アンチエイリアスとはジャギーを目立たなくするための処理のことです。

次に２５％に縮小させて表示します。思ったよりも劣化して表示されないですね。

↓

ではブラシサイズ４を同じように縮小させて表示させてみます。色が薄くなっていることに気づいたでしょうか。

アンチエイリアスなしとありを同時に表示すると差がはっきりわかります。色がぼやけていますよね。

線によってはこのように縮小されるとぼやけるケースがあるのです。これが画像の劣化表示のひとつです。アンチエイリアスの場合は特にブラシサイズが小さくなればなるほど線が薄く表示されてしまいます。自分の考えていた色と大きく異なって表示される場合があるので注意が必要です。

25％に縮小されるというのはみなさんが思ってるより大きく縮小されます。縦幅が25％、横幅が25％縮小されるので面積としては1/16、つまり6.25%まで縮小されてしまうのです。ちなみにこの25％というのは一般的なディスプレイで、2894×4093を全体縮小表示でクリスタで表示しようとしたときの大きさの目安です。それぞれを25％で掛けると723×1023ピクセルになります。

さて2894×4093のピクセルで星を描いてみました。まずは等倍で表示します。

次に25％で表示します。

先程の例でいうと、ホコリの大きさが小さくなることにより、ガタツキは目立ちにくくなりましたが、なんの絵かわからないくらい小さくなってしまっています。

↓

アンチエイリアスの比較をします。右に行けば行くほどアンチエイリアスを強くさせました。ブラシサイズは10です。

↓

ブラシサイズを大きくすればアンチエイリアスのぼやけは目立ちにくくなります。アンチエイリアスをかけすぎても、かけなさすぎてもよくないのでサイズによってバランスがあります。これはアンチエイリアスに属する問題なのでここでは深く扱いません。

アンチエイリアスはブラシサイズが小さくなるほど、色や線がぼやけてしまう性質を持っています。縮小されるということは線が細くなるということであり、実質的にブラシサイズが小さく表示されるということなので、アンチエイリアスの欠点である「色や線のぼやけ」が目立ってしまうことがあります。

縮小しすぎると最終的に1データピクセルは1物理ピクセルまで縮小されます。それ以上に縮小される場合は色が薄くなります。

いわゆるトレードオフの関係ですよね。画像のサイズを小さくしすぎるとジャギーは目立たなくなりますが、絵がぼやけたり、絵が何を意味しているか小さすぎてわからなくなります。

みなさんはどちらを優先しますか

正解はありません。絵の目的、主題や感性によって正解は異なります。大きいキャンパスで等倍表示になるように拡大して絵を描く場合も、できるだけ大きいブラシサイズを使ったり、アンチエイリアスを弱めたりといろいろ工夫できる点はあるはずです。逐一全体縮小表示にして全体のバランスや絵の崩れを確認し、細かい作業を行えばバランス感覚が身についていくはずです。

絵を細かく描くことと、解像度を上げることの関連性とは

解像度が高いと細かい絵を描くことができる

極論からいきます。2×2ピクセルしかないキャンパスでは細かい絵を描くことができません。

もっと細かい絵を描きたいのに描けない、どうしよう。

ピクセル数を増やしましょう

いわゆる解像度を上げるということです。いわゆる絶対解像度です。2×2とか、2894×4093とかですね。この数値を上げましょうということです。

たとえば星を描きたいとします。2×2ピクセルのキャンパスじゃとても描けません。10×10ピクセルに増やしてみました。これでもきれいに描けません。

等倍(100×100)

じゃあもっとピクセル数を増やしましょう。100×100にしてみます。ましな星ができましたね。これが解像度を増やすということです。

WEBの場合は大きくても1000×1000にしましょう。それ以上の解像度は無駄になってしまうことが多いです。これはあくまでも目安です。場所や用途によって適正サイズは変わります。

５０％縮小表示(100×100が50×50)

あれ線のガタツキが目立ってしまう。じゃあ縮小すればきれいになるのでは？という考えも出てきます。今100×100なので、50×50くらいに表示させてみます。つまり50％縮小表示です。

50％にするとすこしガタツキが目立ちにくくなりましたよね。

等倍から縮小にするか、等倍のままにするか

等倍(200×200)

50%縮小(200×200が100×100)

でも画像サイズは100×100じゃないと困る。50×50じゃ困る。そういう場合は200×200で画像を作り、100×100で保存すればいいです。

これが縮小すれば線のガタツキが目立ちにくいという理屈です。

等倍の時点で線のガタツキが目立ちにくいように描けばいいのでは？

それも正論です。結局どれが正解とかないんですよね。どっちが楽とかも個人差によりますし。

等倍(100×100)

これはブラシサイズを大きくしたり、アンチエイリアスをかけたりと工夫してジャギーが目立たないようにしたものです。

アンチエイリアスにより生じるフリンジとは

アンチエイリアスで起こるフリンジ

アンチエイリアスなし

ちなみにアンチエイリアスをかけながら色を塗りつぶすとフリンジという現象が起きます。これがいろいろとやっかいです。拡大するとよくわかります。

領域拡縮にチェックを入れて塗りつぶす

一見すると塗りつぶしそこねているように見えてしまいますよね。クリスタでは領域拡縮にチェックをいれることですこしましになります。他にも色の誤差の数値を上げたりする方法もあります。ましにはなりますが塗りつぶされる領域が拡張されたことで、線が細く見え、結果的に線のガタツキが目立ってしまう場合があるので注意して使いましょう。

アンチエイリアスあり等倍(100×100) 領域拡縮前の等倍表示

アンチエイリアスあり等倍(100×100) 領域拡縮後の等倍表示

アンチエイリアスなし　50%縮小(200×200が100×100)

領域拡縮をしたほうがきれいに見えるといわれればきれいに見えますよね。しかし黒い線が短くなってる感があります。これもトレードオフの関係ですね。これもバランスを調整しながら描けば、もっとうまく黒い線を残せるのかもしれません。

等倍・縮小・拡大・全体表示・部分表示と絵のキャンバスサイズとの関連性について

等倍、縮小、拡大、全体表示の定義

そんなの知ってたよ！

という人がほとんどだと思います。クリスタで絵を描いているときズームで描いて細かい作業を行うことは多々あることです。絵が大きくなった、大きく表示されたというのは一般的な感覚として理解できます。

しかし解像度の観点からいうとどのように変化していたのか、ブラシサイズは倍率を変化させるとどのように変化するのかなど細かい内部の変化について理解している人は一部だと思います。

解像度と等倍・縮小・拡大の関連性について

まず等倍からいきましょう。絵を描く際の等倍表示とは、物理ピクセルとデータピクセルが一致している状態です。

どういうこと？

まあ初見だとそうなりますよね。解像度についての理解は上の方にリンクを載せているのでそちらを見てください。

端的に言えば物理ピクセルとは、文字通りディスプレイの物理的なピクセルです。そしてデータピクセルとはデータがもっている非物質的なピクセルです。USBの中にピクセルデータをもった画像を入れることはできますが、USBの中にディスプレイの物理的なピクセルは入ってないですよね。

ディスプレイはいわゆる画素といわれる「光る点」がたくさんあります。これが物理ピクセルです。データピクセルはいわゆる「情報」です。この違いは極めて重要です。ここでつまずくと何を言っているかこれからわからなくなります。

*1

上の画像の四角い点がわかりやすい物理ピクセルのイメージです。

さて自分のディスプレイが仮に1000×1000だとします。イメージとしては光る点が合計100万個ある状態です。この物理ピクセルをPC設定で変えることはできません。1000×1000を2000×2000にすることはできません。なぜならピクセルは物理的なもので、データ的なものではないからです。解像度を変えたければ物理的にディスプレイを買い替えたり、液晶パネルを交換する必要があります。

※擬似的に1000×1000を250×250で表示させることは可能です。単純に2×2ピクセルをまとめて1×1ピクセルとして扱うように変更すればいいからです。つまり物理解像度をパソコンの設定で上げることはできませんが、擬似的に下げることは可能だということです。ただし擬似的に本来の物理ピクセル数より上げることは基本的にできません。

(問い)さてこの1000×1000の物理ピクセルをもつディスプレイで、2000×2000データピクセルの画像ファイルを等倍で全体表示することはできるでしょうか。

(答え)できません

どうして？

2000×2000のデータピクセルをもつ画像ファイルを表示させるためには、2000×2000の光る点(物理ピクセル)が必要だからです。全画面で表示させても1000×1000データピクセルをもつ画像表示しか等倍で表示させることはできません。

このように、等倍とは物理ピクセルとデータピクセルが一致している状況を意味します。1000×1000データピクセルをもつ画像ファイルを、1000×1000物理ピクセルをもつディスプレイで全画面で表示させた場合、等倍で表示させることが可能になります。1物理ピクセルに1データピクセルが振り分けられている状況です。

え、でも私のディスプレイ1000×1000物理ピクセルしかないけど、2000×2000データピクセルをもつ画像も表示できるよ？

表示はできます。しかしその画像は縮小されて表示されているのです。別の言い方をすれば等倍で表示されていません。1物理ピクセルあたり1データピクセルを振り分けられていないのです。

ちなみに1000×1000ピクセルと2000×2000ピクセルの面積はどのくらい違うかわかりますか。1000に2を描けて2000だから2倍と考えたあなた、正直でよろしいです。私も適当にそう考えてました。実際縦や横だけのピクセル吸うだけ考えたら2倍なので完全な間違いではないです。

冷静に考えると4倍の面積の違いがあります。総ピクセル数が100万ピクセルと400万ピクセルなので4倍の違いです。つまり、2000×2000データピクセルのデータは面積でいうと1/4、25％まで縮小しなければ全体表示できないということになります。

物理ピクセルが足りない状態でデータピクセルを全体表示させると縮小という作業が必要になることはこれでわかったと思います。それと同時に、もし縮小させないで等倍表示させようとすると、部分表示しかできないということもこれでわかります。

拡大は等倍から倍率を上げる場合、1物理ピクセルを超過した物理ピクセルで、１データピクセルを扱うことになります。たとえば1000×1000データピクセルをもつ画像を、400％に拡大するとき、4物理ピクセルで1データピクセルを表現することになります。

ここ難しいですよね。つまり物理ピクセルとしては1000ピクセルのままですが、擬似的に4物理ピクセルで1データピクセルを表現しているということです。

仮に物理ピクセルが4×4ピクセルだとして、4×4データピクセルファイルを開いているとします。これが左の図の状態です。ここから400％画像を拡大しようとすると、4物理ピクセルで1データピクセルを表現することになります(擬似的に２×２物理ピクセルになる)。

拡大してしまうと、ディスプレイの画面は2×２データピクセルしか扱うことができません。そして部分表示しかできなくなります(上の画像でいうと緑の部分がディスプレイに表示できなくなります)。その代わりに大きく画像を見ることができるようになります。

1物理ピクセル以下に縮小することはできない

ここもポイントです。冷静に考えれば当たり前のことですが、見落としがちです。

(問い)仮に４×4物理ピクセルで画像で4×４データピクセルの画像を等倍・全体表示で見ているとします。ここからさらに縮小させて表示させることはできるでしょうか。

(答え)できません。いやできるかも。どっちだよ。

これややこしいはなしなんですよね。

１物理ピクセルが最小単位だからそれ以上縮小させることはできません。これは表示の問題です。データとしては４×４データピクセルの画像を２×２や１ピクセルまで縮小させることはできるかもしれません。しかしその縮小された画像を表示させることはできません。これはディスプレイが高解像度でも基本的にはできません（Retinaディスプレイではどうだという小難しい話は基本的においておきます）。

この話意外とややこしいですよね。マクロとミクロの視点が混在しています。マクロとは大きな視点で、ミクロとは小さな視点のことです。

たとえば1000×1000のキャンパスを25％まで縮小すれば500×500のキャンパスになります。これは単純ですよね。これがマクロな視点です。

ミクロな視点からすれば、1000×1000のキャンパスにも様々な絵があります。2×2の絵あるでしょうし、100×100の絵もあるわけです。1000×1000のキャンパスが全て同じ色で構成されていたら、25％に縮小しても画像が劣化することはありません。しかし1000×1000のキャンパスの中に1ピクセル単位の細かい絵が合ったとしたら、縮小すると間違いなく劣化します。

1ピクセルの絵がキャンパスにあったら、マクロとしてのキャンパスがどんなに大きくてもそれ以上その1ピクセルの絵の部分は縮小できません。1000000×10000000ピクセルのキャンパスの中に、仮に1×1ピクセルの点で絵を表現したとすれば、縮小すると潰れてしまいます。潰れるときは色が薄くなって表示されることが一般的です。

イラストソフトで1ピクセルの絵を縮小表示するとどうなるか

ちなみに１ピクセルを等倍で表示するとかなり小さいです。ディスプレイによって１ピクセルの大きさは違いますが、平均的なディスプレイであっても１ピクセルの絵を等倍で表示してもほとんど気づかないレベルで小さいです。小さい点です。0.01ミリとかそういうレベルです。

ここから25%に縮小させてみます。ほとんど見えないですよね。でも点は存在しているんです。イラストソフトでは1ピクセル以下に縮小すると、色が薄くなります。薄いから見えにくくなるだけで、100％のときと大きさが変わっていません。驚きですよね。

どういうこと

まあそうなりますよね。1ピクセルの絵はそれ以上縮小することができないので、薄く表示するのです。

点だとわかりにくいので線で説明します。この線はブラシサイズ１です。1ということは線の高さが1ピクセルということです。キャンバスサイズは１０×１０ピクセルです。

表示は等倍の100%です。ディスプレイの物理ピクセルと、描画のデータピクセルの表示が一致している状態です。だからものすごぐ細い線になります。どのくらい細くなるかはディスプレイのPPI(pixel per inch)次第です。

3200%拡大したものです。

２５％縮小させたものです。

あれ、１ピクセル以下に縮小できてるんじゃないのこれ？

と思うでしょう。実は違うんです。正確に言うとこの線は高さが１ピクセルのままです。幅が変わっているのです。

わかりやすくするために等倍のときと、２５％のときを同時に表示させます。短かすぎると線が潰れて何が何だか分からないので長くします。キャンバスサイズは１００×１００ピクセルです。

両方の画像をよく見てください。高さは１ピクセルで変化してないですよね。これが超ポイントです。

変わっているのは色と幅です。幅自体はどんな縮小や拡大でも変化するものですが、色は１ピクセル未満に縮小されると劣化する、薄くなるという性質を持っています。

物理的に１ピクセル未満で表示できないので、しかたなく色の薄さで１ピクセル未満を表現しているということですね。

ちなみに200％から100％に縮小させても色の劣化は生じていません。純粋に幅と高さのみが変化しています。

縮小すると画像は基本的に劣化する

1ピクセル未満に画像を縮小すると絵は劣化するといいました。これは単純に「表示」の問題です。

画像のデータ自体が劣化しているわけではなく、画像データを縮小して表示させることによって劣化して見えてしまうということです。

もちろん作成した画像を編集で実際にサイズを小さくして保存すればデータ的にも劣化します。これはWindowsの画像編集ソフトのサイズ変更で、サイズを25％にして縮小させたものです。

ペイントソフトと同じように、高さは変わらずに幅が変わり、色が劣化しています。自分の意図しない色で表示されている時点で劣化と形容して差し支えないと思います。こういう劣化を汚く表示されているとか、潰れているとか、品質が低いとかいうわけです。

直線と斜線の画像劣化の違いとは-拡大すると画像が劣化して見える理由-

100×100ピクセルの絵を青で塗りつぶします。これを等倍から200％に拡大したものと、50％に縮小したものを並べてみます。

ぱっとみ劣化しているように見えませんよね。おそらく0.01％未満に縮小して色が劣化するレベルです。100×100ピクセルの絵なので、合計1万ピクセルあります。1万ピクセルの1％は100ピクセルです。0.01％で1ピクセルになります。正方形の絵は色が劣化しにくいといえそうです。直線から構成される線(外周が階段状に形成されていない形状)は縮小や拡大をしても劣化して見えにくいです。

さてこの四角の中に斜線で線を描いてみます。ブラシサイズは10にします。先程と同じ用に50％、等倍、200％にくわえて500％で比較します。アンチエイリアスはオフです。

明らかに500％表示にした画像がガタついて見えますよね。いわゆるジャギーが目立つ状態です。他に比べて他の表示はあまりガタついて見えません。等倍だとほとんどガタツキがわからないレベルです。

3200％まで拡大するとこんなにガタガタしています。1ピクセル単位で絵が見えている状態なので、当然ガタついて見えます。デジタル絵は四角い点の集まりなので、どんなに高解像度の画像でも拡大すればガタツキは見えます。自分の画像が拡大されて表示されている時点で、適切なファイルサイズではないのです。たとえば1000×1000の画像の枠に、100×100の画像を入れると10倍に拡大されてしまう場合があります。面積でいうと100倍です。ほぼ確実にガタツキが目立って表示されます。等倍では0,01ミリ単位だった線のガタツキ(階段状のジャギー)が、10倍や100倍で表示されれば、1ミリといった大きさでジャギーが目立ってしまうのです。

仮にあるディスプレイの1物理ピクセルが0,01ミリだった場合は、それ以上ガタツキを小さく表示することはできません。それ以上縮小しようとすると色が薄くなり、結果的にガタツキが目立たなくなることはありますが、色がぼやけてしまうのです。そういった事態を避けるためにも、できるだけ1ピクセル以下に縮小されることのないように絵を作成することがポイントです。

1ピクセル以下に縮小されることのないようにするためには、ブラシサイズに気をつける方法や、はじめから等倍で絵を描く方法(一般的に等倍で表示されるようなキャンバスサイズをはじめから使用する)があります。前者は難しく、後者は簡単です。

ブラシサイズに気をつけるとは、たとえば25％に画像が縮小されると分かっていたなら、最低でもブラシサイズは4以上にしようといった対策です。４なら25％に縮小されても高さは１になります。しかしブラシサイズ1-3が25％に縮小されてしまうと1未満になり、色が薄くなってしまうのです。

等倍表示の場合はディスプレイにもよりますが人間の目では1ピクセル単位の段差はほとんど認識できません。それくらい小さい点なのです。

拡大するとこんなに段差がある線も、等倍表示(ディスプレイの1物理ピクセルと１データピクセルが一致している状態)にするとほとんど直線に見えるのです。とはいったものの段差の分すこし薄く見えますね。

こように画像は縮小しすぎると色が劣化してしまいますし、拡大しすぎると線のガタツキが目立ってしまいます。

拡大も縮小もしなきゃいいのか？結局どうすればいいの？

まずは前提条件を整理する必要があります。結局ケースバイケースで、汎用的な対策はあまりありません。自分の環境や目的、投稿場所によって左右されるからです。さらに好みといった主観的な問題にも左右されます。

そういった色々な条件付の中で、基本的な前提条件だけはクリアにしておいたほうが、今後の芸術活動にとって有用になると思います。

この2点だけは確認しましょう。

絵の大きさ

まずは自分の絵はどのくらいの大きさかです。

これは基本的に印刷するかしないかです。印刷するならデータピクセルは大きいものになりますし、WEBだけで表示するならデータピクセルは小さいものでもよくなります。

じゃあとりあえず大きいデータにしておけば印刷にもWEBにも対応できるのでは？

これよくある論点ですよね。よく350DPIで絵を描いて、WEBでは72DPIで公開すればOKじゃん！という意見があります。この話はDPIが変わるとピクセルも変わるという前提の話です。A４でいうと2894×4093で描いて、595×842で保存して公開すればいいじゃんという話です。

これはひとつ罠があります。罠というか、勘違いしやすいポイントがあります。

特に印刷する予定はないけど、もしかしたら印刷するかもしれないからとりあえず350DPIで描いてWEBだけで公開するという方が罠にハマりやすいです。

罠というのが、絵を描いているときの表示と、絵が鑑賞されているときの表示の違いです。

ディスプレイの解像度と倍率

ここでは一般的なディスプレイの解像度を想定します。一般的な解像度はフルHDくらいです。1920×1080物理ピクセルくらいの解像度です。1万前後のモニターによくありがちで、良いスマホでもこのくらいの解像度です。

Twitterで絵を見る場合、pixivで絵を見る場合、ブログで絵を見る場合、ダウンロードして絵を見る場合とさまざまな個別具体的な表示のケースがあります。

個別具体的な表示は置いておいて、一般的には500×500ピクセルから1000×1000ピクセルの範囲で絵の枠があると考えてもOKです。もちろん300×300で表示される場合も、1000×2000で表示される場合もありますが、一般的に絵は全画面ではなく画面の一部で表示させるものなのでそのくらいと考えてください。

この「表示の解像度の枠」と「自分の絵の解像度」がどれだけ一致しているが重要な争点になります。つまり物理ピクセルとデータピクセルがどれだけ一致しているかです。

表示の解像度の枠が、絵の解像度より小さければ、絵は等倍で部分表示されるか、絵は縮小されて全体表示されることになります。

表示の解像度の枠が、絵の解像度より大きければ、絵は等倍で全体表示されるか、拡大されて全体表示されることになります。

表示の解像度の枠が、絵の解像度と同じなら、絵は等倍で全体表示されることになります。

一番好ましい状態が、絵が等倍で全体表示されている状態です。自分が絵を描いているときの表示と、絵が鑑賞されるときの表示が一致しているからです。

好ましくない状態が、絵が縮小や拡大されて全体表示されている状態です。自分が絵を描いているときの表示より劣化して表示されてしまうからです。

絵が劣化して表示されようが、自分のディスプレイではちゃんと表示されてるからOK！という人もいるのでそこは人それぞれです。ただプロの方ほどこうした絵の品質にこだわっていると思います。

※繰り返しになりますが絵が縮小されたほうが線が綺麗に見える場合と、見えない場合があります。必ずしも等倍が最善というわけではありません。

イラストソフトの作業中の拡大や縮小

高解像度の絵を拡大しながら絵を描く人がいると思います。そしてこの絵を印刷ではなくWEBのみで使うという方、罠にハマりやすいです。印刷する方はWEBで劣化表示されても、高品質で印刷されるので問題ないはずです。どちらを目的とするかが大事です。

たとえば自分のディスプレイの性能がフルHDくらいしかない状態(1900×1020)でA４350DPI相当のキャンバスサイズ(2894×4093)を作って作業する場合を考えてください。

全体表示をした場合、キャンパスは縮小されて表示されるはずです。おそらく20-25％前後に縮小されているはずです。自分のディスプレイの16個使わないと等倍で表示できないほど大きいキャンバスサイズです。

自分の今表示されているディスプレイの場合は、2894×4093のキャンパスが25％近くで全体表示されています。つまりそれぞれを25％でかけて、723×1023近くで表示されているということになります。高さと幅がそれぞれが1/4で表示されているので、1/4×1/4で1/16になります。ディスプレイを16個並べてやっと等倍で全体表示できるレベルです。

ちなみに等倍のときのナビゲーターで赤いく囲まれた線を見てください。この赤い四角が等倍表示の枠です。これが16個ある感じですね。16個ないと全体表示させることができないということです。同時に、1/16に縮小しないと全体表示できないということです。

1/16は直感的にわかりにくいですよね。たとえば１６×１６ピクセルの四角を想定してください。これは等倍表示です。

この等倍表示の絵が、25%で表示されると1/16になります。

16分の1っておもったよりでかいですよね。

自分の性能以上のキャンバスサイズで絵を描く場合で、細かい作業をしようとする場合は拡大して絵を描くことになります。たとえば25％から等倍(100%)にして絵を描くとします。そのときにブラシサイズ4くらいで絵を描いたとします。そしてまた等倍表示に戻したとします。このとき、ブラシサイズ４で描いたた線は、２５％に縮小されることになるので、ブラシサイズ１くらいで表示されているはずです。このとき劣化が生じます。

等倍だと綺麗ですよね線が。ブラシサイズ４です。

これを全体表示の２５％に戻します。ブラシサイズはちょうど１で描いたときと同じくらいになります。これくらいなら劣化は少ないですが、これ以上縮小するとブラシサイズが1未満になり、色がぼやけて劣化してしまいます。たとえばブラシサイズ３を25％に縮小表示されると１未満になり劣化表示されてしまうのです。

拡大表示されることは殆どないと思いますが、拡大表示された場合も線がガタガタして劣化して表示されます。これは3200％拡大です。

さらにもっとわかりやすいケースを出します。等倍でブラシサイズ１を使ってしまうともっとひどくなります。ブラシサイズ１が25％縮小されるということは、本来ブラシサイズ0.25になるはずです。しかし物理ピクセルは1ピクセル未満で表示できないので、色が薄くなることで先の細さを表現することになります。これも線の劣化の例です。ポイントは線の長さは25％に縮小されますが、線の高さは1ピクセルのままで、色が薄くなるという点です。

線は等倍で表示されたほうが基本的には綺麗だということになります。

イラストを描く際に注意すること、対策について

印刷するケース

WEBでしか絵を表示させる予定がない方用の対策です。印刷する方はWEBの表示にこだわるより、どれだけ印刷で綺麗に絵を表示させることができるかにこだわりましょう。基本的にディスプレイより印刷のほうが解像度が高いです。ディスプレイが100や200のDPIに対して、印刷では300や600DPIで絵を表現できます。

印刷する場合は自分のディスプレイの性能が低くても、拡大して絵を描いたほうがいいです。拡大して絵を描いても絵が劣化されずに印刷できるケースが多いからです。ディスプレイの場合は細かい絵に対応できず、劣化して表示されてしまいます。

自分のディスプレイの解像度が低くても、高い解像度をもつキャンパスを制作し、拡大しながら絵を描くというのもいい選択だと思います。

とはいったものの、拡大しながら絵を描くと全体を見失いやすくなるので、できるだけ高解像度のディスプレイのほうが有利です。フルHDでは全体表示で20-25％だったのに対して、4K、5kでは40％や50％以上で絵が全体表示されることになります。

印刷しないケース

一番楽なのは常に等倍で絵を表示させて、等倍で絵を描くということです。

具体的にどうやって決めるの？

人それぞれです。一般的なディスプレイで等倍で全体表示できるようなキャンパスの大きさで絵を描くことがポイントになります。

それ具体的にどのくらいのキャンパスサイズなの？

場所それぞれ、人ぞれぞれです。絶対的な正解はないです。

ただし一般的なディスプレイでは、1000×1000以上の枠で絵が表示されることはほとんどないといってもいいと思います。

つまり、1000×1000より小さいキャンパスを作成しておけば著しく劣化されて表示されることは少ないということです。

よくWEBでは72DPIくらいでいいんじゃね？という指標があります。

A４でいえば７２DPI相当なら、595×842ピクセルです。1000×1000で収まってるしいいんじゃね？という指標です。ですが印刷する場合は物足りないよね、という議論になります。WEBなら十分なサイズだと思います。

WEBの場所それぞれ論

Twitterのサムネの推奨サイズは400×400、ヘッダーの場合は1500×500、タイムラインの場合は506×253などさまざまな指標があるみたいです。Twitterの場合は画像が大きすぎると、自動的に縮小されて表示されてしまうので画像が劣化して表示されやすいです。JPEGではなくPNGにしたら劣化が生じにくいなど、さまざまな対策方法があるようです。

pixivの場合はもっと大きくていい、ブログの場合はもっと自由などさまざまな場所や用途によって推奨サイズがあります。つまり推奨される画像の枠が場所によって違うということです。あまりこだわりすぎるのもよくないです。カラーマネジメント問題と同じように、基本的には自分の見ている画面と違う人が見ている画面は一致していない場合がほとんどです。その誤差を少しでも埋めようとする努力が適正サイズの把握やカラーマネジメントです。

自分の絵を表示させたい場所をまずは考えてから、それに合わせて絵を作るというのも有用な考えだと思います。まずは自分が表現したい場所の適正サイズを確認しましょう。作った後では遅いです。

大きいキャンバスサイズを作って後から縮小したほうがいい論

この項目は前のほうで扱いましたが、これも人それぞれの価値観によります。そして大きいキャンパスを作って後から縮小したほうがいい、というのは基本的にWEBで公開を目的とする方がすることです。

キャンバスサイズを後から縮小すると線のガタツキが目立たなくなる代わりに、色がぼやけてしまうケースがあります。色がぼやけない範囲で先の太さを調整したりするなどの工夫が必要になります。

そうした工夫がメンドクサイという方は、はじめから閲覧されるときに等倍で表示されるようなキャンパスサイズで絵を描いたほうがいいと思います。500×500しか表示の枠がない場合は、キャンバスサイズも500×500で作成するということです。

もちろん2000×2000で作成してから500×500に縮小するといったことも可能です。しかしこの縮小過程で色が薄くなったり潰れたり、意図しない形になってしまうケースがあるので注意ということです。画像の枠より大きいキャンバスサイズで絵を作成し、後で縮小するという方は、絵を作成しているときに表示を縮小して品質のチェックを行うことが大切になると思います。

キャンバスサイズとして2000×2000で、枠が500×500しかない場合を想定してください。このとき、枠が500×500になるようにキャンパスを縮小して表示してみてください。そのときに自分のイメージしている色や形と著しく相違がある場合は、ブラシサイズや色を調整して描き直すといったことをすれば縮小されたときに著しく画像が劣化するということはないはずです。そうしたことを何度もしているうちに、このくらいのサイズなら画像が劣化しないなというようなサイズに対する感覚が鋭敏になってくるはずです。

参考文献

１：「CLIP STUDIO PAINT　機能引き辞典」(ナツメ社)

２：「CLIP STUDIO PAINTPROの教科書」(技術評論社)

３：「CLIP STUDIO PAINT　デジタルイラストテクニック」(玄光社)

引用画像

１：https://www.phonearena.com/news/Sharp-showcases-a-4.1-inch-IGZO-LCD-display-with-a-crazy-pixel-density_id62778

２：https://www.clip-studio.com/clip_site/support/help/detail/svc/53/tid/92332

データピクセルと物理ピクセルの違い

解像度について基本的な記事はすでに作成してありますのでそちらの参照をお願いします。

解像度とはなにか。ピクセル、ドット、ビット、dpi，ppiの違いと意味について

【クリスタ】おすすめの解像度(DPI)やキャンパスの設定【CLIP STUDIO PAINT】

データピクセルと物理ピクセル

データピクセルと物理ピクセルとは私が区別のためにつけた名称です。

･この区別はなんの役に立つの？

この区別はキャンパスの理解をする際に役立ちます。

等倍表示とは、データピクセルと物理ピクセルが一致している状態

データ上でたとえば横幅が1000ピクセルのデータをつくったとします。もしあなたのディスプレイが1920×1200などの解像度をもっていれば、横幅1000ピクセルのデータは等倍で表示できるはずです。

つまり1000データピクセルを、1000物理ピクセルを使って表示しているということです。これを等倍表示と定義します。

CLIP STUDIO PAINTでいうと上の方に100％と表示されるはずです。100％で表示されるということは、データピクセルと物理ピクセルが一致している、等倍で表示されているということです。

私のディスプレイは横幅が1920物理ピクセルあるので、横幅1000データピクセルは十分余裕できる性能があります。

データピクセルと物理ピクセルが一致していない例

表示を拡大してみましょう。今回は200％に拡大させます。つまり2倍です。データは先程と同じ横幅1000データピクセルです。

ややこしいですよね。先程と物理ピクセルは約1000で同じです。しかしデータピクセルは500に減っています。つまり2物理ピクセルで1データピクセルを表現しているわけです。

･え、そんなことできるの？

できます。Windowsでは実際に解像度を変更する機能があります。メインディスプレイは4Kのディスプレイで3840×2160物理ピクセルあります。物理ピクセルの解像度はディスプレイが本来持つピクセルの数以上にはできませんが、以下には擬似的にできます。

たとえばディスプレイの物理ピクセルが20×20あるとします。この解像度を5×5に変更したければ、4物理ピクセルで1データピクセルを表現すればいいだけです。最高で20×20ピクセル表示できるのに、わざわざ5×5にする人は少ないですよね。実際推奨の解像度は物理ピクセルと同じ数です。4kの場合は3840×2160物理ピクセルあるので、推奨の解像度も3840×2160になります。

物理ピクセルの数はディスプレイを買い替えたり、物理的に改造しないと変えられません。4Kのディスプレイで5kの解像度は(擬似的にも物理的にも)表示できないですよね。ただし4Kのディスプレイで2kの解像度は擬似的に表現できるということです。

これと同じような仕組みで、イラストソフトでも500ピクセルのデータを1000物理ピクセルで表示させているというわけです。2物理を1データピクセルとして扱えばいいので簡単です。

データピクセルと物理ピクセルが一致していない例２(ディスプレイに余裕あり)

もっと簡単な例を出しましょう。CLIP STUDIO PAINTで10×10ピクセルのデータを作ってみます。等倍表示だと小さすぎてほとんど見えないですよね。等倍表示の場合は物理ピクセルとデータピクセルが一致している状態です。この小さい四角が10×10ピクセルなので、この四角が100個横に並べばちょうど1000ピクセルになります。

さてこのピクセルを3200％の上限まで拡大してみます。拡大したところで、データとしては10×10ピクセルのままです。そして3200％で拡大されているということは、10×3200％で320物理ピクセルで表示されているということになります。つまり1データピクセルあたり、32×32物理ピクセル使われているわけです。

320×320物理ピクセル使われているわけですが、データしては1ピクセルなので当然10×10しか描画できません。ディスプレイの能力を持て余してる感じですよね。

このように物理ピクセルとデータピクセルは明確に違うということがわかります。ディスプレイが高物理ピクセルでも、キャンパス自体のデータピクセルが少なければ細かい絵は描けないのです。

データピクセルと物理ピクセルが一致していない例２(ディスプレイに余裕なし)

今度は物理ピクセル以上のデータピクセルを扱ってみます。

あまり重いと嫌なので、5000×5000データピクセルのキャンパスを作成します。ちなみに5万ピクセル×5万ピクセルも作成できます。

さて5000×5000データピクセルのキャンパスが表示されました。ちなみに5万ピクセル×5万ピクセルでも、100万ピクセル×100万ピクセルでも同じように表示されます。

ディスプレイの物理ピクセル(私の場合は1920×1200ピクセル)以上のキャンパスファイルを作成すると、自動的に縮小されます。

よく同じ画像をスマホで見ても、デスクトップで見ても表示されますよね。データピクセルとしてはおなじ画像です。デバイスやブラウザに合わせて縮小することによって表示されているのです。あれと同じ仕組みです。

どれくらい縮小されているかは上の表示を見ればわかります。私の場合は20％に縮小されて表示されていました。つまり5000×20％＝1000で、1000×1000物理ピクセルで表示されているということです。

データとしては5000×5000データピクセルありますが、1000×1000物理ピクセルで表示されているということです。データピクセルと物理ピクセルが一致していない例です。

もしデータピクセルと物理ピクセルを一致させようとすると、20％表示を100％表示にする必要があります。2500万ピクセルの内、100ピクセルしか等倍で表示できないことになるので、全体の1/25しか等倍で表示できていないということになります。

絵を細かく描けるとはどういうことか

たとえばブラシサイズ１で絵を描くとします。ピクセルは合計いくつあるでしょうか。

正解：データピクセルとしては2894ピクセル、物理ピクセルとしては706ピクセル(2894×24.4%)ある。

まだシックリこないですよね。データピクセルとしては2894ピクセルあるのに、物理ピクセルとしては706ピクセルしかない。

先ほど引いた線は虫眼鏡などで見れば706物理ピクセルで構成されています。2894データピクセルを706物理ピクセルで表現しているので当然ですよね。

では24.4％から100％になるまで拡大すればどうなるか。当然キャンパス全体を見ることはできず、一部分のみ等倍で見ることになります。比率で言えば（706×998px)/(2894×4093)です。約6%くらいしか表示できていないということになります。※全体表示させたときと、一部表示させたときは横幅に隙間があるので誤差はあります

たとえば100％まで拡大させて、1ピクセルの幅で絵を描くとします。この時点でデータピクセルと物理ピクセルは一致しています。1データピクセル＝1物理ピクセルです。

ここからさらに拡大させたら、物理ピクセルが過剰になります。つまり1データピクセルを4物理ピクセル等で表示させることになります。

ここからさらに縮小させたら、物理ピクセルが不足になります。ここで問題です。10％まで縮小させた場合、1データピクセルは何物理ピクセルになるでしょうか。

簡単な計算をすれば2894×10%=289ピクセルの横幅です。ただし先程の1ピクセルの線の細さは変わっていません。変わっているのは全体的な大きさです。次の項目で詳しく述べます。

1物理ピクセルより小さいピクセルで表示させることはできない

1000％表示

100%表示

50%表示

10%表示

よし違うキャンパスを作ろうわかりやすくするために50×50ピクセルで作ります。

１：ディスプレイの解像度より小さい描画は表示できない

２：等倍表示からさらに縮小させると画像がさらに小さく表示できる

一見この２つは矛盾しているように見えます。拡大はディスプレイのピクセルが過剰なのでできるのはわかりますが、縮小はピクセルが不足しているので表示できないはず。

なるほどわかりました。横幅そのものはよく見ると変化していません。変化しているのは縦幅です。50％と100％を比べても横幅は変化していないことがわかります。あたりまえですよね、ディスプレイの最小単位のピクセルより小さいピクセルで描画表示できるはずないんですから。縦幅だけが50％に縮小されているということです。もし横幅1ピクセル、縦幅が40ピクセルが100％だとしたら、横幅1ピクセル、縦幅50ピクセルが50％に相当することになります。1物理ピクセル以下にはなりません。

もし100%で横幅2ピクセル、縦幅40ピクセルの絵を50％に縮小させたとすれば、横幅1ピクセル、縦幅20ピクセルになります。ここからさらに25％にしたとしても横幅1ピクセル、縦幅10ピクセルとなり横幅は1ピクセルのままです。

100％より縮小させる場合、1ピクセルより小さい描画にはならないということがわかりました。縮小機能を使う際は注意しましょう。

A４350DPIと72DPIの違い

正確に言えばDPIが変わっても総ピクセル数は変わらないのですが、ここではDPIが変わると総ピクセル数も変わることを前提にして話します。

初心者がまず絵を描こうとすればA４サイズだと思います。そこでまず迷うのはDPI(解像度)です。一般的にはカラーの場合72にするか350にするかどちらかだと思います。

☆72DPIの場合のピクセル数：595×842

☆350DPIの場合のピクセル数：2894×4093

DPIが5倍近く違うと、ピクセル数も5倍近く変わってきます。印刷する場合は300-350DPIが良いとよく言われるので、350DPIで絵を描く人が多いようです。

印刷の質はさておいて「ウェブでのみ公開する場合に72DPIと350DPIはどれくらい作業に影響するのか」が大事な争点です。

･これ、意外と理解するのが難しいんですよね｡

上の図表に大きく分類できます。

絵を鑑賞する場合

まず絵を鑑賞する場合は全体表示をさせるか、一部を拡大させるかの2つに分かれます。

一般的に絵を鑑賞する場合、全体表示をさせることになると思います。ツイッターなどで絵を見る場合、いちいちダウンロードして絵を拡大させたり、タップして一部を拡大させることは少ないと思います。

たとえばA４350DPIを前提に作成された絵をそのままSNSで公開した場合、ピクセル数(絶対解像度)が2894×4093になります。4Kのディスプレイであっても等倍で表示されず、スマホならなおさら等倍で表示できません。それくらい大きい画像ファイルです。ちなみに一般的なディスプレイの解像度は1920×1200くらいです。4Kの良いディスプレイで3840×2160です。参考までにiPhone11proの５.8インチで1125×2436ピクセルです。全画面でこの解像度なので、ブラウザを開き、さらにそのなかでツイッターを開き、またそのなかの1/3くらいでタイムラインの画像を見る場合は500×500ピクセルくらいしか枠がないこともざらです。

つまり2894×4093のファイルをアップロードしても、500×500くらいの大きさまで縮小されて表示されることがあるということです。クリックやタップをして限界まで表示しても1000×1000の大きさが一般的にはやっとだと思います。

その程度の枠しか一般的にはない状況で、2894×4093ピクセルのファイルは明らかに過剰です。そういう背景もあり、ウェブでは72DPIくらいでいいんじゃね？という説が一般的なものとなっています。A472DPIなら595×842ピクセルです。500×500ピクセルの枠に近いものとなっています。さらに72DPIでSNSにアップロードすることにより、350DPIの品質で勝手に悪用印刷されてしまうことを防ぐ効果もあります。

要するに一般的には2894×4093のファイルも、595×842のファイルもそれほど見た目にそれほどの違いはないということです。なぜなら枠が500×500くらいしかないからです。350DPIで1ピクセル単位の超細かい絵を頑張って描いても、500×500まで縮小されて細かい部分は省略され表示できなくなります。

もちろん高解像度のディスプレイをもっている人、高解像度のスマホをもっている人は1000×1000や3000×4000近くの枠で画像を表示させるかもしれません。しかしそれはごく一部の人です。5kのディスプレイをもっていても全画面で画像を表示させる人はその中でも一部です。低解像度のディスプレイで高解像度画像をSNS等でダウンロードし、そこから虫眼鏡機能などでズームや等倍表示をして絵を鑑賞すれば350DPIレベルの細かさで絵を鑑賞できますが、それも一部の人だと思います。

とはいえ、後から印刷したくなったときにDPIが足りないというのはやっかいです。72DPIで絵を描いて、後から350DPIの品質に上げることはできません。反対に解像度を下げることは可能です。A４サイズで印刷しようとした場合は一般に350DPIだと2894×4093ピクセル必要になります。※正確にはA４サイズ印刷目的で72DPIで描いた絵を350DPIに後から上げることも可能ですがハガキサイズくらい小さく印刷されてしまいます。

350DPIで絵を描いて、印刷用に350DPIで保存し、ウェブ用にも72DPIで保存というのが賢い選択ですね。

絵を作成する場合

絵を作成する場合は拡大表示を使うか使わないかが重要になります。拡大表示をよく使う場合は高解像度、あまり使わない場合は低解像度でOKです。

印刷する場合は拡大表示を使わない人も高解像度(カラーなら350DPI、モノクロなら600DPI-1200DPI)が大前提になります。

たとえばA４サイズ350DPIでキャンパスを作ると2894×4093ピクセルになります。しかし一般的なディスプレイでCLIP STUDIO PAINTを開く全体表示の場合はと20－30％くらいで表示されると思います。この数値はディスプレイの解像度に依存しています。ディスプレイの解像度が高いほど、表示の割合は高くなります。6kなどは100％で表示可能ですがほとんどの人はもっていません(発売は最近で高価)。

この20－30％で表示されるということは、2894×4093が600×800や1000×1200ピクセルで表示されているということになります。この600×800などのピクセル数は物理ピクセルです。データではなく、ディスプレイが実際に、現実世界にもっている有機物であり、物理的な画素(ピクセル)です。

データとしては2894×4093ピクセルありますが、物理的に表示できる限度が1000×1200などになってしまうということです。もちろんたとえば1920×1200の解像度をもつディスプレイならキャンパスを全画面にすれば理論的にはより高い割合の表示でキャンパスを表示できます。しかし左右にツールを置いたりするので、実際は1/2ー2/3くらいが実際の枠になることが一般的です。A４サイズの大きい方を横幅にするか、縦幅にするかによっても割合は変わります。

･で、拡大表示ってつまりどういうこと？

拡大表示は自分のディスプレイがキャンパスを100％の等倍で表示できない場合にしかたなく使うものです。自分のディスプレイの実力以上のピクセル数を扱うときに拡大が必要になるのです。

極端な話をします。

自分のディスプレイが10×10物理ピクセルしかない状態で、100×100データピクセルを扱いたい場合を考えます。

全画面にしても10×10ピクセルしか使えないので、100×100データピクセルのキャンパスを全体表示させても10×10しか表示されません。つまり10％に縮小されて表示されているわけです。

この時点で10×10ピクセルしか扱えないディスプレイで自分の実量以上のデータピクセルを扱おうとしていることになります。

ここから10％縮小から、100％等倍になるまで拡大します。つまり縦幅と横幅を両方10倍拡大するわけです(10×10、10×10　＝　100×100) 。10倍拡大しても、画面に写っているのは相変わらず10×10ピクセルです。この10×10ピクセルというのは、100×100ピクセルの1/10にあたる部分を拡大させて表示させている状態です。ここが大事です。実際のディスプレイには黄色で囲まれた部分(10×10ピクセル)しか表示できません。

上の画像を見たら分かるように、データピクセルとしては100×100データピクセルありますが、実際に等倍で表示できるのは一部だけです。上の画像でいうと左上だけです。

今度は表示をドラッグさせて右上を表示させてみます。今度は右だけが10×10の一部表示されるだけです。

ディスプレイの表示は10×10がキャンパス内で全画面に来ています。

りんごの絵を描きたいとします。拡大表示(100％)だとこんな感じです。正確にはもうすこしピクセルごとに扱うことになります。なにしろ10×10しか一度に描画できないことになりますのでごく一部しかディスプレイに表示されません。

仮に10×10物理ピクセルしかないディスプレイで100×100のデータピクセルをもつ林檎の画像を全体表示させるこうなります(イメージです)。

この林檎の例からわかるように、物理ピクセルが低解像度でも、データピクセルが高解像度なら細かくきれいな絵を描くことは可能です。ここを一発で理解できる人は賢いです。

低解像度ディスプレイで全体表示をしながら、拡大機能を使って細かい作業をする方法

CLIP STUDIO PAINTにはナビゲーターという機能があります。他のイラストソフトにも似たような機能があるはずです。これを使えば全体を表示しながら、部分を細かく表示することげできます。

右上にあるナビゲーターはキャンパスを全体表示しています。この表示はもちろん実際のデータピクセルを縮小させたものです。しかし全体を表示できるので、絵の作業のバランス調整には欠かせないものとなります。

いちいち縮小表示をして全体を見て、また拡大をして細かい作業をして、また縮小してというというメンドクサイ作業の助けになります。常に右上に全体表示をさせることができるからです。

※必ずしも等倍まで拡大する必要はありません。10％から50％にまで拡大するなど自由にできます。あまり拡大しすぎると全体的なバランスを失いやすくなります。

解像度をいくつにすればいいのか検討する

･結局ここが大事

これは結論からいえば人それぞれ、用途や性格によって異なるとしか言いようがありません。

一般的なディスプレイは高さより幅のほうが広いです。つまり2894(幅)×4093(高さ)データピクセルを作るより、4093(幅)×2894(高さ)データピクセルを作ったほうがより等倍に近づいて表示されます。縦の絵を描きたいか、横の絵を描きたいかによっても変わる部分なので好みの問題です

ディスプレイでCLIP STUDIO PAINTにおけるキャンパスをどの程度の領域確保するかによって表示倍率は変わります。カラーセットやレイヤー表示等を大きくとると、その分キャンパス領域の表示は減ります。

印刷する場合は高解像度でキャンパスを作成するのがおすすめです。A４の場合は350DPI相当、つまり2894×4093データピクセルのキャンパスを作成することになります。

印刷しない場合は低解像度でキャンパスを作ってもOKです。A４の場合は72DPI相当、つまり595×842データピクセルのキャンパスを作成することになります。一般的なディスプレイならA472DPIで等倍表示できます。ただしこの場合、拡大表示してもデータピクセル数は変わらないので、595×842以上の細かい絵は描けません。拡大することによって1ピクセルが大きく表示されるので細かく描きやすいというメリットは７２DPIにもあります。

72DPIでA４の場合は、595×842データピクセルしか無いので、ほとんどのディスプレイで100％(等倍)で表示させることができます。つまりキャンパス全体を表示させながら等倍で絵を描くことができるというメリットがあります。ウェブで公開する場合は72DPI相当の画像も350DPI相当の画像も画質の差はそれほどないので、72DPIで絵を描くというのも1つの考えです。データも軽いのでスペックの低いPCでもサクサク描くことができると思います。

350DPIでA４の場合は2894×4093データピクセルあるのでほとんどのディスプレイでは等倍で全体を表示させることができません。等倍表示させるためには5ｋや6kクラスの高級ディスプレイが必要になります。ほとんどの人はもっていないと思います。2kから4Kなどの一般的なディスプレイで絵を描く場合は、10-40％の表示になってしまうと思います。高解像度のディスプレイほど、等倍で絵を細かく掛ける領域が広がります。

要旨

解像度とは

デジタル世界では画面解像度(総ピクセル数,3840×2160ピクセルなど)が使われ、アナログ世界(印刷など)では300DPIなどのドット密度が使われる。カラーの場合300DPI以上の解像度は人間の目では見分けがつかないので、300-350PDIでOK。

１：カラー印刷する場合は300DPI-350DPIで設定し、印刷する

※日本では175線が主流なので350DPIで推奨されることが多く、アメリカでは150線が主流なので300DPIが推奨されることが多いそうです^*31。迷った場合はとりあえず350DPIにしておきましょう。仕事の場合は必ず推奨のDPIを依頼元から聞く、仕事を依頼する場合は印刷所に推奨DPIをききましょう。

２：白黒印刷する場合は600dpi-1200dpiで設定し、印刷する

グレースケールの推奨は600DPI、モノクロ２階調の場合は1200DPIが推奨されることが多いみたいです^*32。モノクロ漫画の場合は一般的にモノクロ２階調で作成する必要があるので、1200DPI必要になります。ウェブでモノクロ画像を表示するとき(電子書籍など)はグレースケールの600DPIでもいいそうです*³³。一般的にはモノクロ2階調が600か1200DPI、グレースケールが600DPIといわれています^*34。CLIP STUDIO PAINTの公式ページではモノクロ原稿(グレースケールとモノクロ2階調の両方)をまとめて600DPIあればいいと定めています。 1200DPIを推奨しない理由はデータが重くなってしまうからだそうです。

600にするか1200にするかも印刷所の方や自分の作業環境に合わせて決めましょう。モノクロ2階調を600-1200DPIとするところ、1200DPIとするところ、600DPIとするところなど印刷所によってバラバラです。とりあえず1200DPIで作っておけば600DPIにDPIを下げられるので、PCのスペックに余裕があれば1200DPIにしておくことが無難かもしれません。後から600DPIを1200DPIにすることはできないので注意です。

３：仕事で絵を描く場合は、依頼元に解像度(DPI)をいくつにして描いたら良いか確認する(通常は依頼時に指定されるはずです)

※例えばポスターなどでは離れて見る場合が多いので、200DPIで十分と言われる場合があります。用途によってDPIが低くなったり高くなったりする場合があるので依頼元に確認しましょう。

４：途中で絶対解像度(総ピクセル数)を上げることは基本的にはできないと考えたほうがいい。

相対解像度(DPI)は上げられるが印刷できるサイズが小さくなってしまう。A４サイズ相当で72DPIなら842×595ピクセル(総ピクセル数)で十分だったが、途中で300DPIに変えると3508×2480ピクセル必要になる。もし842×595ピクセルしかないのに解像度300DPIの状態で印刷しようとすれば適正サイズは名刺サイズくらいになってしまう。

※フォトショップで解像度が上げられるという情報もありますが、フォトショップでも解像度を上げる場合やサイズを大きくする場合は画像の劣化が避けられないそうなので注意してください。印刷屋さんのサイトでもフォトショップの高解像度に上げる機能は元のデータにないピクセルを生成する(ピクセル補完といいます)ので画像の劣化が避けられないとあります^*25。できる限り使用サイズより大きな画像データを用意してくださいとのことです。

５：ウェブで公開する場合はわざと低解像度(低総ピクセル数を)にすることがある。

印刷せずにウェブで公開する場合は72DPIに設定して公開しても良い。総ピクセル数を途中で高くすることは難しいですが、低くすることは簡単です。つまり最初にA4サイズの300DPI相当を想定して3840×2160ピクセル(総ピクセル数)に設定し、保存したとしても、別ファイルとしてウェブ用に72DPI相当の842×595ピクセルにして変更して保存し、公開できるということです。印刷する予定がないという方も、後で気が変わるということもあるので300-350DPIを基準にしてすべての絵を描いたほうがいいかもしれません。

もちろん300DPIで保存して公開してもOKです。300-350DPIの情報をもたせて公開すると悪用されて印刷される場合もあるので、わざと低解像度(72DPI)にしてSNSで公開する人もいます。勝手に高解像度で印刷されたくないという人は、わざと低解像度にしましょう。

６：印刷しない場合はDPIを気にする必要はない。総ピクセル数を気にする必要がある。目安は72-96DPIでいいとよく言われる。

総ピクセル数が多いほど綺麗に見えるので、総ピクセル数を増やして絵を描けばいい。総ピクセル数を多くしても、絵が綺麗に見えるかどうかは見る人のディスプレイの性能や表示サイズに依存するのでそこまで気にする必要はない。よく72DPIあればいいといわれる(A４サイズの比率の絵の場合は総ピクセル数が842×595あれば十分)が、それ以上の総ピクセル数をもつ画像でも問題はない。ディスプレイの性能は近年上がっているので、842×595以上の総ピクセル数以上の画像でも表示される。

７：ディスプレイの解像度より高いピクセル数は表示できない。

ディスプレイの画面解像度がHDの場合、1440×1080ピクセルしかないので、B４サイズDPI300相当になる4299×3035ピクセルは当然表示できない。したがって、1440×1080の範囲で縮小されて表示される。ただし、印刷の際は4299×3035ピクセル相当、DPI300で印刷される。つまり画像自体は300DPIという高い解像度、4299×3035ピクセルという高い解像度をもつが、その表示はディスプレイの性能に左右されるということです。

８：総ピクセル数(絶対解像度)が同じならDPIが違ってもウェブで表示されるのは同じ。印刷しない場合はDPIは関係なく、総ピクセル数のみが意味を持つ。

どれくらいの相対解像度で印刷するか(DPI)によって、絶対解像度(総ピクセル数)も変更する必要が出てくる。DPIが違うと総ピクセル数も実質的に変わり、ウェブで表示される場合は「DPIが高い画像＝総ピクセル数が多い」場合があるので、ディスプレイの性能によって表示されるのは違う画質である場合がある。

ややこしいですよね。つまり総ピクセル数が多いほど、性能の良いディスプレイで見たときと性能の悪いディスプレイで見たときでは差が出るということです。

たとえばイラストレーターがA４サイズで72DPI相当で印刷しようと思えば総ピクセル数が842×595ピクセルになります。A４サイズで300DPI相当で印刷しようとすれば、842×595では足りません。3508×2480ピクセル必要になります。クリスタでA４サイズで解像度300を指定すると自動的に3508×2480ピクセルになります。したがって高いDPIをもつ画像データは基本的に高い総ピクセル数をもっていることが多いわけです。またB４サイズでは3508×2480では300DPIで印刷ができません。4299×3035ピクセル必要になります。

(例１)A４サイズでの300DPIで印刷を目的としているデータと、A４サイズの72DPIで印刷を目的としているデータがあったとして、当然300DPIで印刷を目的としているデータのほうが総ピクセル数が多いわけです。なのでA４サイズの300DPIで印刷を目的としているデータのほうが、性能の良いディスプレイでは高画質で表示できるということになります。

(例２)A４サイズの300DPIで印刷を目的としているデータと(3508×2480ピクセル)とB４サイズの244DPIで印刷を目的としているデータ(3508×2480)があるとすれば、DPIは違いますが総ピクセル数が同じなので画面上では同じく表示されるということです(これがよくウェブではDPIは意味を持たないと言われる理由です)。しかしB４サイズで印刷しようとしても最高で244DPIでしか印刷できないということになります。したがって適正サイズはA４サイズということになります。つまりDPI(相対解像度)と総ピクセル数(絶対解像度)はセットで考える必要があるということです。

36.4センチ×X(DPI)÷2.54=3508

X(DPI)＝3508÷36.4×2.54=244.77(DPI) ※総ピクセル数を一致するために近似値をわざととっています

９：総ピクセル数から可能な印刷サイズを知る方法、インチやセンチから必要な総ピクセル数を知る方法(計算方法)

☆ピクセル数をDPI数で割り、2.54(1インチ)を掛ける

１：3508×2480ピクセルある画像データがある。

２：300DPIで印刷したい

３：3508÷300(DPI) ×2.54(1インチ)＝29.7センチ(11.69インチ)

４：2480÷300×2.54=20.99センチ(8.26インチ)

５：3508×2480ピクセルある画像データが300DPIの解像度で印刷できる最大サイズは29.7×20.9センチ

６：参考までにA４サイズは２9.7センチ×21センチ。つまりA４用紙のサイズまで300DPIの解像度で印刷できるということになる。もちろんA4サイズで300DPIで印刷できるということは、400以下のサイズはすべて300DPIで印刷が可能。A５、A６サイズ、ハガキサイズ、切手サイズなども可能ということです。

☆印刷したいサイズ(センチやインチ)にDPIを掛けて、2.54(1インチ)を割る

１：B４サイズは25.7センチ×36.4センチ

２：300DPIで印刷したい

３：25.7×300÷2.54＝3035ピクセル

４：36.4×300÷2.54＝4299ピクセル

５：参考までにCLIP STUDIO PAINTでB４サイズで解像度を300に変更すると、3035×4299ピクセルで表示されるので正しいことが証明されます。

(おまけ)A４やB4などのサイズの縦横比は比率がほぼ等しい

☆A判もB判も√２(1.414)の割合ということです。

1:A4サイズは29.7×21センチ　29.7/21=1.414

2:B4サイズは36.4×25.7センチ 36.4/25.7＝1.416

3:A5サイズは21×14.8センチ　21/14.8＝1.418

4:B6サイズは18.2×12.8センチ　18.20/12.80=1.421

比率がほぼ等しいので、総ピクセル数が多ければ多いほど、さまざまなサイズに応用がききやすいと考えることができます。4:2も2:1も大きさは違うけど同じ比率ですよね。

たとえばB４で300DPI相当の総ピクセル数を持っているとすれば、4299×3035ピクセルになるわけなので、B5、B6，A4，A5サイズの300DPIにも対応できるということです。幅広く印刷する予定がある場合は、できるだけ総ピクセル数を高くする必要があります。

解像度とは

定義

10入る箱に5個玉が入っているのと、５入る箱に５入っている状況を比較すると、どちらも絶対解像度は５だが、相対解像度は違う。５入る箱に５入っている方が密度(相対解像度)が高い。５入る箱に10入ればさらに密度が高い。ここでいう箱は２７インチやA４サイズといったものが当てはまる。玉はピクセルやドット。

例：ディスプレイの4K(3,840×2,160ピクセル)は絶対解像度。単純にピクセルの数が3840*2160=8294400個あるということ(総ピクセル数)。ディスプレイの27インチかつ4Kのときの1インチあたりのピクセル数(ピクセル密度)163ppiは相対解像度。画像のファイルサイズ(200×200ピクセル)は絶対解像度。画像のファイルサイズを360dpiで保存して印刷するといった場合は相対解像度。

画像のファイルサイズを100dpiで保存しようが1000dpiで保存しようがWEBで表示される画質の良さは同じ絶対解像度の場合で変化なし。300×300ピクセルの絶対解像度を100DPIで表示しようが、1000DPIで表示しようが変わらない。大事なのは総ピクセル数をいくつで保存するか、印刷予定のサイズに総ピクセル数がいくつあれば高DPIになるかといった考え。たとえばA４で300DPIの密度で印刷しようとすれば、3508×2480ピクセル必要になるなということになります。400×400の総ピクセル数をもつ画像をA４サイズで300DPI印刷することは難しいです。なぜなら必要なピクセル数が足りないからです。最初に印刷することするサイズや、印刷したいDPIの解像度を考えて、ピクセル数を決めて絵を描く、写真を撮るといった思考が重要になります。

dpi(相対解像度)はウェブではあまり意味のない概念。印刷する際にdpiが重要になり、カラーでA4のサイズなら150dpiより300dpiで保存して印刷したほうが品質がきめ細かくていいといった話題が出てくる。ウェブで大事な概念はDPIではなく総ピクセル数(たとえばりんごの画像の総ピクセル数が300×300など)。印刷のほかは、ディスプレイを選ぶときにPPI(相対解像度)がいいディスプレイを選ぶといいったときに役立つ。

相対解像がウェブで意味のある概念となるのはディスプレイの解像度(PPI)。ウェブといってもディスプレイ自体はWEBではなく印刷物のようにアナログです。ディスプレイの相対解像度を160DPIなどといった呼び方は通常しません。なぜかというと1ピクセルの中に3ドットあるという考えができ、1ピクセル＝3ドットというややこしい話になるからです(諸説あり)。PPIならドットは関係ないので正確にディスプレイの解像度を表現できます。アマゾンや企業の商品ページでも実際にPPIが使われ、DPIはほとんど使われていません。DPIは基本的に印刷における概念です。

PPIは1インチあたりのピクセル数。PPIが高いほど画質の良いディスプレイということになる。総ピクセル数が同じディスプレイでも、PPIが高いディスプレイのほうが高密度で画質がいい。

27インチで4Kの絶対解像度をもつディスプレイと、10インチで4Kの解像度をもつディスプレイを比較した場合、当然10インチに8294400個ぎっしりピクセルが並んでる方が密度が高く、画像が綺麗に表示される。

PPIは相対解像度なので、ディスプレイのサイズ(インチ)によって同じピクセル数でも密度は違いますよね、それぞれ(相対)ですよねという意味です。

ピクセルのイメージ

*2

上の画像はわかりやすい解像度のイメージです。解像度が低いほど、ぼやけて見えます。上の画像は絶対解像度です。つまり総ピクセル数です。一番左の画像は１ピクセル、その隣は４ピクセル、その隣は２５ピクセルです。最終的に１万ピクセルがいちばんよく見えています。この細かさが解像度です。同じような画像でも、絶対解像度(総ピクセル数)が高いほうがはっきり表示されます。

ディスプレイを買うときによく「解像度」という言葉を見ると思います。たとえば「EIZO FlexScan 23.8インチ」の解像度はFullHD (1920×1080)です。つまり縦に1920ピクセル、横に1080ピクセル並んでいるということです。合計で2073600画素も並んでいるんですからすごいですよね。ディスプレイの絶対解像度が高ければ絶対解像度の高い画像ファイルを綺麗に表示できます。

当然ですが数が多いほど綺麗な映像や画像になります。「EIZO FlexScan 27.0インチ」の解像度は4k(3840×2160）です。合計で8294400画素も並んでいます。8kなんてとんでもなく多いですね。

解像度の話が進むにつれて、ナンノコッチャワカラナイ事態が一般の方にはこれから発生するはずです。ひとつひとつ頑張って理解していきましょう。未知の領域の話は最初は誰しもが頭が痛くなるはずです。しかし学んでいくうちに、少しずつスッキリしていきます。それが成長でもあります。

相対解像度と絶対解像度の違い

相対解像度というのは1インチあたりのドット数(もしくはピクセル数)という説明が有りました。この1インチあたりというのがポイントです。インチはセンチに直すと約2.54センチです。2.54センチの用紙(画面)があるとして、そのなかにどれだけドット(ピクセル)を敷き詰められるかというのがポイントになります。たとえば2.54センチの中に10ドットあれば10dpiです。20ドットあれば20dpiです。dpiは横方向に対するドット数になります。1インチあたり300-350ドットあればカラー印刷では十分とよく言われます。

なにが「相対」なのか。絶対解像度の場合はどんなインチでも絶対的な解像度が存在します。たとえば27インチのディスプレイの絶対解像度は3840×2160(ピクセル)であるということができます。2700インチというと約70メートルもあります。70メートルもの大きなディスプレイの横幅に3840ピクセルしかないと想像してみてください。1インチあたりのピクセル数がかなり大きくなってしまいます。27インチで横幅が3480ピクセルある場合は、約70センチで3480ピクセルです。

つまりこの例では大きなディスプレイであれ、小さなディスプレイであれ、ピクセルの数は絶対的に同じということが言えます。しかし密度は絶対的に同じではなく、相対的に違うということです。大きなディスプレイでと小さなディスプレイのピクセル数が同じ場合は、大きなディスプレイのほうが密度が小さく、小さなディスプレイのほうが密度が大きいというわけです。

1000人入る電車に人が90人いるのと、100人入る電車に人が90人いるのを想像して見ください。どちらも同じ90人です(絶対的に90人)。しかし1000人入るのに90人しかいないのと、100人しか入らないのに90人もいるのでは相対的に密度が違ってきます。前者はスカスカで、後者はギチギチです。当然解像度はギチギチのほうが綺麗に映るというわけです。このギチギチの状態、ドットの密度が高い状態をDPIが高い状態というわけです。1000人入る電車に90人じゃ足りない、900人にしようというのがポイントです。たとえばA４サイズの場合でピクセル数が842×595ピクセルでは72DPI相当で、90人しかいないイメージです。3508×2480ピクセルあってやっと900人ギチギチにつまる感じです。

印刷するときのことを考えてください。1000人入る電車がA4のイメージで、100人入る電車がハガキサイズのイメージです。もし画像サイズが100人分なら、100人入る電車にギチギチに入れたほうが画像が綺麗になります。しかし画像サイズが100人分で1000人入る電車に入れようとすると、かなりスカスカになります。イメージで言うと人間を10倍くらいに拡大して、無理やり埋めようとするので画像がぼやけて見えてしまうわけです。

写真を取るとき、あるいは絵を描くときに想定するのは「どのような大きさで印刷するか」を考えることです。このときにdpiという概念が重要になってきます。

同じ林檎の画像でも、ディスプレイの解像度によって表示される大きさ(インチやセンチ)は変わる

383×400ピクセルの画像を友達からメールでもらったとします。そして自分のディスプレイの解像度が4K((3,840×2,160ピクセル)であり、27インチだったとします。27インチという表示は対角線の長さで測るものです。実際の縦の長さはざっくりと縦が36センチで横が56センチです。インチに直すと縦14インチで横22インチくらいです(1インチ＝2.54センチ)。4Kの場合は横が3840ピクセルあるので、3840÷22インチ=1インチあたり174ピクセルあるという計算になります。正確には163dpiですが、ざっくりとこんな感じです。※パソコンの設定で解像度を変更していないことを前提にしています

さてこのディスプレイでは1ピクセルあたり何センチでしょうか。56センチ÷3840ピクセルで約0.014センチになります。ざっくり0,1ミリあたりに1ピクセルあるイメージです。小さすぎてほとんど見えません。実際私が使っているEIZOのサイズは59.67×33.57センチなのでもう少し広いです。

りんごの画像ファイルは横幅が383ピクセルあります。ということは、0.014センチ×383＝約5センチということになります。

さて違うディスプレイで同じ画像を表示させてみます。今度は約23.8インチのディスプレイで解像度が1920×1080ピクセル(フルHD)のディスプレイです。EIZOの場合、幅が53.8センチで高さが47.4センチになります。したがって1ピクセルあたり53.8/1920=0.02センチになります。りんごの画像が横幅383ピクセルなので、0.02センチ×383=7.66センチということになります。

この比較で分かることは、画像ファイルの解像度自体はセンチやインチという情報をもっていないということです。27インチで高解像度のディスプレイでは５センチで表示され、23インチで中解像度のディスプレイでは7.66センチで表示されているのです。

この違いは絶対解像度ではなく”相対解像度”から生じています。つまり1インチあたりのピクセル数(ppi)によって実際に画像ファイルが何センチで表示されるか変わるということです。EOZO27インチ4k(絶対解像度)の場合は相対解像度が163ppiになります。RIZO23.8インチフルHD(絶対解像度)の場合は相対解像度が92ppiになります。27インチ4kのほうが相対解像度が高いので、りんごの画像は小さく表示されます。

同じピクセル数の表示(同じ絶対解像度)でも、1ピクセルが小さいサイズのほうがぎっしりつまり(相対解像度PPIが高い)、高画質で表示されるということです。ディスプレイを選ぶ場合は絶対解像度(4kとかフルHD)だけではなく相対解像度(ppi)も参考にしたほうがいいです。仮に100インチのディスプレイで4Kを考えた場合、相対解像度が低いので画質が荒くなることは想像がつきます。

ピクセル、ドット、ビット、dpi、ppi、ビットマップデータなどややこしい用語の整理と理解

ピクセルとは

*1

ピクセル(pixel,画素):コンピューターで画像を扱う時の、色情報を持つ最小単位。光を取り込む小さな部品。

上の画像のようにピクセルとは四角い点のイメージです。非常に小さい四角い点が大量に集まり、それがディスプレイになるわけです。それぞれのピクセルが色を変えることで、キャラクターなどの画像を表示させることができます。

ピクセルに決まった大きさ(センチやインチ)はない

ピクセルは色情報を持つ最小単位です。画面でいうと小さい四角です。当然ですが実際のピクセル１つ単位の大きさは、デバイスによって変わります。例えば200×200センチの正方形のディスプレイがあるとします。仮に1センチあたり1ピクセルを埋め込む場合の解像度は200×200が解像度になります。もしもっと高性能なディスプレイで、同じ200×200センチでも5ミリにつき1ピクセル埋め込まれているとすれば、解像度は400×400になります。大きいディスプレイだから高解像度、小さいディスプレイだから解像度というわけではないので注意です。同じ大きさのディスプレイであってもHD、フルHD、2K、４Kといった違いがあるということです。

ドットとは

ドット(dot,画点)：コンピューターグラフィックスの世界では画像の出力装置ができる最小単位をドットと呼ぶ。光の点。

*8

上の画像がディスプレイにおけるドットのイメージです。後述しますが1ピクセル＝3ドットという説と、1ピクセル＝1ドット(RGBのサブピクセルをまとめて1ドットとして扱う)として扱う説があるので注意です。一般的には1ピクセル＝1ドットの理解でも特別な問題は生じません。Retinaディスプレイなど一部の超高解像度ディスプレイでは1ピクセル＝2×２ドットの場合があります。

*9

上の画像が印刷におけるドットのイメージです。

「EIZO FlexScan 23.8インチ」の解像度はFullHD (1920×1080)という話をさきほどしました。1920×1080というのは、合計2073600画素(ピクセル)が並んでいるという話です。この「1920×1080」という表現をドットで表現するとどうなるでしょうか。この項目は後で「ピクセルとドットの違い」で説明します

ビットとは

ビット(bit)：デジタル情報における情報の基本単位。２進数の一桁。２進数とは「０と１」の二種類で表現する方法。慣用的には８bit(2^8の256通り)で1biteです。さらに1024biteで1kilobyteになります。さらにメガバイト、ギガバイト、テラバイトと数が大きくなっていきます。例えば白と黒は1bitで表現できます。1は白、0は黒といったようにです。

一般的なディスプレイでは1ピクセルあたりに24bitの情報が入っているそうです。ピクセルには色の情報が入っています。たとえば24bitの場合、RGB(赤緑青)がそれぞれ8bitずつ入っています。これにより、色相ごとに256通りの明度や輝度を与えることができます。2の8乗なので256通りです。24bitで2の24乗なので167万7216通りの色が表現できるようになります。

クリスタのRGB表現が0-255(0も1通りと含めるので256)なのも8bitという基準が影響しています。HSVのSやVは0-100です。これは0から255の8bit情報を0から100%に変換したものです。たとえばRGB:128.0.0の場合はV(明度)=50％と表現することができます。128/256=50%という考えです。

ピクセルとドットとピットの違い

ドットは日本語で「画点」です。ピクセルは「画素」です。ドットの集まりがピクセルという考えがわかりやすいです。1ピクセルあたり24ドットの情報があり、RGBに8ビットずつ与えられています。その組み合わせで黄色、暗い赤、明るい赤等を表現しているのです。その中の8ビットが1ドットになります。つまりカラーディスプレイの場合は1ピクセルに3ドット入っているということです(次の項目て説明しますが、こうした考えをしない説もあります)。白黒ディスプレイの場合は1ピクセルに1ドット入っているということになります。

PCがはじめて世界で使われるようになった頃は白黒のPCでした。つまりカラーがなかったのです。白は１、黒は０という2通りで表現していたのです。つまり1バイトの表現です。もし白黒のみで表現する場合は、1ピクセルに1ドット、１バイト入っていればいいことになります。つまり1ピクセル＝1ドットになるのです。しかしカラーで表現する場合は1ピクセルに3ドット入っている必要があるのです。

もし白黒表現なら1ピクセル＝1ドットでOKですが、カラー表現なら1ピクセル＝3ドットになるということです。特に液晶モニターの場合は1ピクセル＝3ドットです。スキャナ、デジカメ、プリンター等の場合は1ピクセル＝1ドットになります。

1ピクセル＝3ドットという考え方は正しいのか？サブピクセルについて

･カラーディスプレイの場合1ピクセル＝3ドットなの？｡

サブピクセル(subpixel,副画素)：画素(ピクセル)をさらに分割した、ひとつの原色から構成される画素。通常は赤、緑、青の3色のサブピクセルが集まって１つのピクセルとして機能する^*22。

これがなかなかややこしい。1ピクセルの中に3ドット入っているという考え方と、1ピクセルの中にサブピクセルが3つ入っているという考え方があるそうです。

画像の中で最小の単位である点を表現するために必要な要素、これを画素「ピクセル」と呼びますが、ピクセルは３原色が揃ってこそピクセルであることは提示されているとおりです。

画像の業界ではドットとピクセルは同じ意味です。
ドットは直訳すると「点」で、画像の最小単位を表します。つまり、ピクセルと同じ意味です。

一方、プリンタでは噴出すインクが最低３つあるわけで、それがｄｐｉ（ドット・パー・インチ）と表現されます。

ここで、画像（テレビやカメラ）は３色のドットが同一箇所に存在できないので３色まとめて「ピクセル」「ドット」と呼ばれます。

一方、プリンタは最近であれば一箇所に３色のインクを吹き付けることができます。
また新聞などの印刷ではごく狭い範囲に３色のインクを別々に印刷して見た目では区別できない中間色を表現します。

なので、ディスプレイ等の画像と印刷物のピクセル／ドットは異なります。

基本的にディスプレイのピクセルはドットと同じです。
どこの説明をご覧になったか分かりませんが、少なくとも「サブピクセル」というのは
画像処理の世界の言葉で１ピクセル未満を解析するという意味で、一般のディスプレイ
には使いません。

※ディスプレイ画面を拡大して１点を「ドット」と表現することはあると思います。

*23

⑧全体をまとめると以下の様になり、液晶モニター以外はドット＝ピクセルと考えて良い。

装置	種類	関係
画像入力装置	イメージスキャナ	ドット＝ピクセル
	デジタルカメラ	ドット＝ピクセル
画像出力装置	インクジェットプリンター	ドット＝ピクセル
	液晶モニター	3ドット＝1ピクセル

*２

さーてどちらが正しいのでしょうか。ディスプレイのケースで1ピクセル＝3ドットが正しいのか、1ピクセル＝1ドット(３サブピクセル)が正しいのか。

*10

上の画像はディスプレイの構造です。赤、緑、青という3つのサブピクセルがあります。1サブピクセルを１ドツトと表現するかどうか意見が分かれるところです。

*11

上の画像はインクジェットプリンターの構造です。シアン、マゼンタ、イエロー、（ブラック)の色を使って絵や写真を印刷していきます。同じ場所にデジタルでいうところのサブピクセルが集まるイメージです。

Q 単位「ピクセル」と「ドット」の違い・使い分けを教えてください

A 同義では在りません

pixelは物理的な画面のドット数ではあるけれども１つ以上の点をあらわすことも在るそうですつまり、１ドットが単色で複数の色で表現されるような場合、色スペクトル１セットで１ピクセルというのでRGB３つの点の場合３ドットで１ピクセルと言います
ドットは単色でも１つの点があらゆる色を表現するものであっても１ドットといいます
つまり、純粋に点の数をドット、一つの色を表現する最小限の集合をピクセルと言うわけです

例外として、昔はRGBを５ビットで表現することを５ピクセルと言った表記を使ったこともあります

現在dpi（Dot/inch）などで用いられているdotはpixelと同義に用いられていますね
https://www.whatis.com/definition/0,,sid9_gci212793,00.html

ドットと画素（ピクセル）は通常同じ単位として扱われていますが、ドットはピクセルを構成する情報を意味します。

*24

実際のところピクセルは“サブピクセル（副画素）”というもっと小さな赤、緑、青の光の要素から成っていますが、人の目では見ることができません。というのも加色混合という処理によって３色が合わさって１つの色になり１ピクセルとなっているからです。しかしこういった仕組みはデザイナーには直接関係はありません。

混乱する点: 残念なことに、プリンタのCMYK（シアン、マゼンタ、イエロー、ブラック）のドットに（おおよそ）似ているせいで、こうしたサブピクセルのことを“ドット”と呼んでいるメーカーもあります。プリンタのCMYKドットは減色混合処理（詳しくは後ほど説明します）で同じような働きをするのです。こうしたメーカーは自社製品の画面の“DPI”を自慢するのです。見かけても無視しましょう！はた迷惑な用語の誤用であり、吹っかけようとしているのかもしれません。

*26

個人的には正直どうでもいい項目です。ここを理解できなくても、解釈が一つにならなくても困らないからです。「サブピクセルを1ドットと呼ぶか、呼ばないか」なんて争点は解釈次第でいくらでも言えてしまうのであまり意味がないです。そもそもデジタル上でドットという概念はほとんど使わないので、「もしドットで表現したら」という思考は蛇足だと思います。「もし印刷するとしたら何ピクセル必要か」のほうが重要です。

実際デジタル画像やディスプレイの解像度をドットで表現することはない、つまりDPIではなくPPIで表現されています。印刷するときだけDPIという表現が必要になるのです。PPIならサブピクセルが3つで1ピクセルなので、サブピクセルを考慮しなくてよくなります。一般的には1ピクセルに3ドット入っているという考えをあまりしていないようです(調べてもそこまで多く出てこない)。これも後ででてきますが、Retinaディスプレイでは1ピクセル＝1ドットではない特殊なケースがでてきます。

重要なのは自分がどの印刷サイズで、どれくらいの解像度(DPI)で印刷したいかということです。仕事先や趣味でA４サイズ、カラー、300DPI相当の解像度で印刷しようとと思えば、イラストのピクセル数は3508×2480ピクセルにしようという理解ができれば十分です。あまり細かいところにこだわると先に勧めません。

画像入力装置と画像出力装置

あれ、デジカメやプリンタはカラーを使うのに1ピクセル＝1ドットなの？と思った方いるはずです。デジカメの場合は1ドットに三色分の色情報を持たせている^*2らしいです。プリンターの場合はインクの一滴が1ドットになります。三色のインクを混ぜて一滴にして、紙に着弾するという考えです。スキャナーの場合はRGBのLEDを順番に点灯して、時間をずらして読み込んでいる^*2らしいです。なので1ピクセル＝1ドットでもいいそうです。

dpiとppiの違い

dpi(dot per inch):ドット密度の単位。1インチ(2.54センチメートル)の幅の中にどれだけのドットを表現できるかを表す単位。プリンターの印刷精度、スキャナーの読み取り精度を表示するときに使われる。

ppi(pixels per inch):ピクセル度の単位。1インチ(2.54センチメートル)の幅の中にどれだけのピクセルを表現できるかを表す単位。ディスプレイやビットマップ画像における解像度を示す単位。

dpiは「デジタルイメージがどのようにプリントされたかを表すときの解像度」で、ppiは「デジタルイメージをスクリーンで見るときを表す解像度」らしいです^*3。ウェブ前提の場合はdpiを考える必要がないとよくいわれるのはこの区別によるものです。dpiは基本的に印刷するときに用いる概念ということです。

英語版WIKIには「DPIはプリンターなどの出力解像度を指す^*4」とあります。

つまりプリンターは基本的に単位がDPI、つまりドット的な表現ということです。それに対してウェブではピクセル表現が中心になります。

DPIとPPIを混同するなと言われても、混同してしまいますよね。1ドット＝1ピクセルだと言われて、DPI=PPIではないと後から言われると、頭が痛くなりそうです。簡単に印刷を前提にするときだけDPIやドットを使い、印刷を前提にしていないウェブを前提にするときはPPIやピクセルを使うと覚えておけばOKです。

たとえばPPIはディスプレイの相対解像度を測るときに使いますが、DPIはディスプレイの相対解像度を測るときに使いません。印刷するときにDPIという相対解像度を使いますが、PPIという尺度は使いません。この程度の使い分けでOKです。正直なところ混同してもそこまで歯仕様はないと思います。CLIP STUDIO PAINTではDPIと呼ばれていて、フォトショップではPPIと呼ばれている等結構雑に扱われているようです。

ある画像の絶対解像度(総ピクセル数)が3508×2480だとします。この画像ファイルのPPIはいくつですかという質問があったとします。この質問自体がナンセンスなわけです。そもそも画像ファイル自体に1インチあたり何ピクセルかという情報はありません。つまりPPIの情報はないのです。

答えは、あなたが使っているディスプレイの相対及び絶対解像度次第次第ということになります。たとえば24インチの4K解像度(3840×2160)の場合の相対解像度は約160PPIになります。したがって、3508×2480の画像をすべて表示することはできません。3840×2160の範囲で縮小されてそのファイルは表示されることになるのです。ツイッターの画像を見る場合は、当然もっと縮小されて表示されることになると思います。ファイルの画像で「実際のサイズで開く」という機能を使うと、大きすぎてほとんど表示されないという経験をしたことがあると思います。総ピクセル数が多すぎる画像は縮小されて表示されるのです。

ある画像の絶対解像度(総ピクセル数)が3508×2480だとします。この画像ファイルのDPIはいくつですかという質問があったとします。この質問もナンセンスです。どのくらいのサイズまでなら3508×2480という画像は300DPIで印刷できますかといった質問のほうが正しいです。

答えは、あなたが印刷したいサイズ次第ということになります。もしA４サイズで印刷したいなら、3508×2480という画像ファイルは300DPI相当になります。しかしB４サイズで印刷したいなら3508×2480という画像ファイルは250DPI相当になります。このようにあなたが印刷したいサイズによってDPIは変わるのです。画像自体がDPIやPPIをもつという考えがまずおかしいと私は思います。画像自体はあくまで総ピクセル数という情報しかありません。フォトショなどで画像ファイルが解像度の情報を見ることもできますが、印刷するサイズを変えるとDPI(フォトショではPPI表示ですが)も変わります。印刷するサイズによって、あるいはディスプレイのサイズによってそれぞれ解像度は変わりますよという意味で「相対」であり、相対解像度と呼ばれているわけです。

*4

上の画像はドットとピクセルの違いのわかり易い例だと思います。左はディスプレイのデジタル画像、右はプリンターのアナログ用紙のイメージです。

デジタル画像の場合は、ピクセル(四角のイメージ)の集まりです。ぎっしり均等につまっています。

アナログ用紙の場合は、ドット(点のイメージ)の集まりです。間隔をあけてバラバラに敷き詰められているイメージです。ディスプレイの相対解像度が4Kでも160PPI程度に対し、印刷する際は300DPI以上なので、印刷のほうが多くの点を使っていることがわかります。A４の300DPI相当のピクセル数を通常のディスプレイでは縮小せずに原寸大で表示することはできませんが、印刷では表現できるというわけです。逆にディスプレイでは72PPIでは綺麗に表示されますが、印刷では72DPIでは綺麗に表示されないことがあります。これは印刷ではより多くのドットを使うから、ドット表現ではピクセル表現と違い点と点のスペースが空くから等の理由が考えられます。

イラストと解像度と印刷の関係について

DPIはWEBでは意味をなさないのか

DPIとはdot per inchの略で、クリスタなどのペイントソフトでは「解像度」として定義されています。

*19

*20

上の引用文献にあるように、ウェブ上でDPIは関係ないです。DPIは印刷するときに必要になってくる概念です。

ただし、「上の引用でWEB用画像に何DPIを採用しようとも差異はない」というのは同じ総ピクセル数ならという前提があります。A４サイズの300DPIで印刷を目的としているデータと(3508×2480ピクセル)とB４サイズの244DPIで印刷を目的としているデータ(3508×2480)があるとすれば、総ピクセル数が同じなのでDPI数が違っていても表示は同じになります。

通常はDPIを高くして絵を描こうとすると、総ピクセル数のほうも変えることになります。たとえばCLIP STUDIO PAINTでA４サイズで300DPIで絵を加工とした場合、総ピクセル数は3508×2480ピクセルになります。72DPIでいいやと思えば842×595ピクセルになります。このようにDPIの差異は総ピクセル数の差異に影響を及ぼすとうことになり、結果的にウェブでの表示の差異に影響を及ぼすのです。総ピクセル数が多い画像ファイルは高解像度のディスプレイで見ると綺麗に見えますが、低解像度ディスプレイで見ると綺麗にに見えません。

ややこしいですよね。つまりウェブ上における画像の解像度は絶対解像度というわけです。相対解像度ではありません。絶対解像度とは総ピクセル数です。たとえばりんごのファイルが383×400ピクセルなら、これが絶対解像度です。このりんごのファイルが72DPIでも、10DPIでも、10000DPIでも、ウェブ上では同じ画像です。ただし「A４サイズで印刷する場合」という前提がつくと、383×400ピクセルじゃA４サイズで10000DPI印刷することはできません、それじゃ足りないので総ピクセル数もっと増やしましょうとなるわけです。

･頭が混乱してきた・・・｡

極端な例を上げてみましょう。1000DPIです。1インチあたり1000ドットです。1ピクセル＝1ドットだと仮定すると、27インチのディスプレイでは横幅に27×1000ピクセルある必要があります。つまり27000ピクセルです。こんなディスプレイ一般人は持っていません。

27インチの4Kのハイスペックディスプレイでおよそ160DPI(PPI) です。1インチあたり160ピクセルしか表現できないのです。カラー印刷に必要とされるDPIは300DPIです。1インチあたり300ピクセル必要になります。4Kや5kといわれる高級ディスプレイでも300DPIを画面上で表現することは難しいということです。

さてここに383ピクセル×400ピクセルの絶対解像度をもつ画像ファイルがあります。

解像度を調べてみると96DPIでした。印刷されるときに1インチあたり96ドットということです。

そろそろおわかりかと思いますが、絶対解像度と相対解像度は別の概念です。林檎の画像でいうと383×400ピクセルが絶対解像度で、96DPIが相対解像度です。この林檎の相対解像度を1000にしても1万にしてもディスプレイ上の表示は変わりません。ディスプレイで表示されるのは絶対解像度だからです。

つまりディスプレイでは383×400ピクセル(絶対解像度)で表示されるということです。ただし、ディスプレイによって1ピクセルの大きさは違います。23インチのフルHDと23インチの4Kを比べると、4Kのほうがピクセルが細かいので、実際に表示されるピクセルは小さくなり、りんごの画像も小さく、細かく綺麗に見えるというわけです。

･りんごの画像は96DPIなので印刷されるときに1インチ96ドット？？｡

りんごの画像ファイルを印刷することを想定してください。

１：りんごの画像ファイルの絶対解像度は383×400ピクセルです。

２：りんごの画像ファイルの相対解像度は96DPIです。

３：1インチあたり96ドットなので、383÷96=3.98インチ,400÷96=4.16インチ

４：絶対解像度383×400ピクセルで相対解像度が96DPIの画像は、3.98インチ×4.16インチで印刷される

５：もし相対解像度が300DPIの場合は1インチあたり300ドットなので、383/300=1.27インチ、400/300=1.33インチ。1.27インチ×1.33インチで印刷されることになる

画像を拡大縮小せずに印刷すると、解像度が高いほど小さく印刷されることになります。1.33インチは約3.8センチです。消しゴムの半分くらいの小ささです。

相対解像度を高く印刷するためにはあらかじめ大きい絶対解像度をもつ画像ファイルを用意する必要があるということです。そのためには自分がどのサイズで印刷したいかを予め把握し、その上でイラストや写真を作成するという事が必要になります。印刷のサイズ次第で必要な絶対解像度や総体解像度が変わるからです。カラーのA４サイズで印刷したい場合は300DPIで、絶対解像度は3508×2480ピクセル必要になるといった理解の流れです。A1サイズなどのでかいポスターサイズでは150DPIで十分(遠くから見るから画像の粗さが気にならない)等もあるので、印刷会社に予め相談しておくのも必要だと思います。

解像度300DPI以上は人間の目で判別できない？

解像度は高ければ高いほどいいというわけではなく、解像度300dpi以上は人の目では判別できないらしいです^*21。300DPIも10000DPIも同じような画質、決めの細やかさにみえるということです。

よく聞く72dpiがウェブの基準の意味

クリスタの初期設定は72dpiです。

「一般的に、『web用の解像度は72dpi』とされていますが、かつてのディスプレイ性能の低さからこの数値になったという説があります。印刷物の解像度に迫るほど精細なディスプレイも開発された今では、『Web用72dpi』には明確な根拠はありません。また2019年現在、デジタル機器の表示画面について『画像の表示城の大きさ』を揃えるための企画は普及していないため、画面を目で見たときの大きさは揃えられないことを理解しておきましょう^*27」

富士フィルムさんによれば、「コンピューター画面の基準解像度が72dpiであったことが由来^*18」だそうです。

･え・・・DPIって印刷における概念では・・・？｡

ややこしいですよね。正確に言えばPPIです。ディスプレイの相対解像度はDPIではなくPPI、つまり1インチあたりのピクセル数で語られます。

EIZOのディスプレイのスペック表を見ても、PPIで表示されています。画素密度＝相対解像度＝PPIです。

一般的にはピクセル＝ドット、DPI＝PPIで通じるので問題はありません。正確には1ドット＝1ピクセルではない場合と説があるのですがそこまで理解する必要はあまりないでしょう。昔のディスプレイは白黒だったので1ピクセル＝１ドットだったわけですし。

Photoshopで解像度を扱う場合、「pixel/inch」という単位で表記されています。
これは「ppi（ピクセルパーインチ）」の事で、「1インチ内にいくつのピクセルがあるか」という数値です。
一部のディスプレイ[※2]を除き、1ドット=1ピクセルですので、基本的にdpiとppiは同じと考えて問題ありません。

*20

上のように印刷専門店のページでも解説していますし、DPI＝PPIでだいたいはOKです。

Retinaと解像度とピクセルアスペクト比とドットバイドットについて

この項目は印刷を目的としている人にはあまり関係のはない話です。ウェブで公開する場合で、かつiphoneやmacなどできれいに画像を表示させたいという人のための項目です。通常はドットバイドットといい、画像は等倍で表示されるのですが、Retinaディスプレイの場合は縦横が2倍に引き伸ばされて表示されてしまうので画像がぼやけてしまうそうです。その対策としてはじめから2倍の画像を用意しておけば、ひきのばされずに綺麗に表示されるのではという考えらしいです。ただし機種によっては3倍のものもあるので注意です。

☆Retinaディスプレイでは通常の液晶画面の2倍のピクセル数を表現できる

Retinaディスプレイ：アップル製品のうち、100-160ppiであった従来の解像度の、およそ倍の解像度、高画素密度のディスプレイを指す名称。1ピクセルを2ドット×2ドットで表現する。apple製品。

ピクセルアスペクト比：デジタル映像を構成する画素の幅と高さについての数値比率。

＊12

Retinaディスプレイ対応は必須です。対応策は至ってシンプルで、使用する画像を縦横2倍で作成し、ブラウザ上で半分のサイズに縮小します。

ブラウザ上で幅200pxで表示したい画像があれば、実際は幅が400pxの画像を用意し、それを画面上で縦横半分のサイズで表示させます。そうすることで倍の解像度のRetinaディスプレイでも画像を美しく表示させることが可能です。

*30

ピクセルは肉眼では見えないほど小さい

ディスプレイが27インチで解像度も4kの場合は4000×2000近くあるのです。ピクセルの数が800万個です。当然ですが人間の目では拡大してみない限り、ピクセルを捉えることは難しいです。4Kの場合1インチあたりピクセルは163ppiになります。つまり1インチあたりの横幅だけで163ピクセル詰まっているということです。1インチを仮に2センチとして、2センチ×2センチあたり、ピクセルが163*163=26569個です。1センチ×1センチに80*80＝6400個、1ミリ×1ミリに640個、0.1ミリに64個、0.01ミリに6.4個、0.001ミリに0.64個です。4Kになると1ピクセルが肉眼で見えないほど小さいのです。

写真を撮る人の解像度

印刷する場合

*5

どうやら写真の場合、そのままの大きさで印刷する人は300dpiでよさそうです。拡大印刷する場合は解像度を高くする必要があるそうです。A4くらいの大きさまでは解像度が300dpiでいいんですね。ハガキサイズのデータをA４に拡大して印刷する場合は600dpiなどの高解像度が必要になるそうです。

値段が高い、時間がかかる等のコストを考えないのなら、とりあえず高解像度にしておけばいいと思います。基本的には300-350dpiでいいそうです。逆にそれ以下の解像度の場合はぼやけて印刷される場合があるので注意しましょう。

基本的には、画像データの解像度を上げれば印刷画質も必然的に向上しますが、解像度を上げすぎても印刷速度が遅くなるだけで大きな画質向上効果は望めません。 プリンター出力解像度に合わせた適度な解像度のデータを作成してください。

*15

ハイエンドなカメラの画素数

*6

いくつの解像度で保存されるかは、カメラ次第になります。たとえ一眼レフカメラなどの高級なカメラ(NikonD５など)の場合は有効画素数が2082万ピクセル(画素)もあるそうです。それより高い、いわゆる高画素カメラといわれているものは2000万画素以上撮れるものがあるそうです。プロ用ですね。アルバムに貼り付けるような小さな写真ならそこまでの高画質なカメラは必要ありません。

2000万画素でA３のサイズの写真が300dpiで印刷できるそうです。A3で写真を印刷するケースは一般の方はあまりないと思います。A4の2倍ですからねA3は。

A２以上のポスターサイズは300dpiも必要なく、150-200dpi程度でいいそうです。ポスターなどは近くで見ることがなく、離れて見ることが多いからだそうです。大きなサイズになるほど至近距離からはあまり見ないという考えですね。ポスター以上の大きなサイズで、解像度を300dpiのまま印刷しようとするとデータが大きすぎて印刷できない場合もあるそうです。印刷会社等と事前に相談しましょう。

アイフォンのカメラの画素数

機種	iSight カメラ （背面カメラ）	FaceTime カメラ （前面カメラ）
iPhone XS	1,200万画素 （12メガピクセル）	700万画素
iPhone XS Max
iPhone X
iPhone 8
iPhone 8 Plus
iPhone 7
iPhone 7 Plus
iPhone 6s		500万画素
iPhone 6s Plus
iPhone SE		120万画素
iPhone 6	800万画素 （8メガピクセル）
iPhone 6 Plus
iPhone 5s
iPhone 5c
iPhone 5
iPhone 4s		30万画素
iPhone 4	500万画素 （5メガピクセル）
iPhone 3GS	300万画素 （3メガピクセル）	－
iPhone 3G	200万画素 （2メガピクセル）

*10

印刷を前提にする場合、A４サイズで900万の画素数が推奨されているので、最新のアイフォンは1200万画素あるので十分だと言えます。

高画質＝高解像度、というわけではないらしい

・高画質性能を実現するためには、解像度よりもイメージセンサーの大きさの方が重要

・プロカメラマン向けの最上位機種の画素数は少ない

・画素数が増えると受光面積は小さくなる

*11、*12

カメラで写真を撮ることがあまりないのですが、カメラの世界は奥が深いんですね。解像度が高ければ画質も高いもだと思い込んでいました。4000万画素もあるカメラよりも、2000万画素しかないカメラのほうが高画質の場合があるという驚愕の事実です。理由は受光領域が小さくなってしまうからだそうです。

ミラーの有無とファインダーの違い

一眼レフカメラは、カメラの中にある鏡（レフ）に、レンズが捉えた景色を反射させ、「光学ファインダー」を通してその景色を見ます。リアルタイムに景色を見ながら撮影できるため、撮りたい！と思った瞬間にシャッターを切ることができます。
一方のミラーレスカメラの場合、ミラーがない代わりに、レンズが捉えた景色を映像に変換し、それを「電子ビューファインダー」や「液晶モニター」に映します。
これのメリットは、明るさや色味などを撮影前に確認することができることです。撮ってみたら思わぬ写真になっていた、という状況を避けることができます。
この構造の違いが、大きさや重さの差となっています。

*13

どうやら一眼レフとミラーレスカメラに大きく分けられるみたいです。『「コンパクトデジタルカメラ」より「APS-Cサイズのセンサーの一眼レフ」、それよりも「フルサイズ・センサーの一眼レフ」とイメージセンサーがより大きなカメラ種別の方が高画質』らしいです。イメージセンサーが高いほど、価格も高いカメラになります。

マニアックなカメラの話はこれくらいにしておきます。

参考文献

1：https://ja.wikipedia.org/wiki/RGB

2:https://photo.nyanta.jp/DotAndPixel.html

3：https://kotobank.jp/word/dpi-5992

４：https://en.wikipedia.org/wiki/Dots_per_inch

5：https://jp.photokore.com/tutorials/main/html/ppi_dpi/jp

６：https://www.wave-inc.co.jp/data/basic/px.html

７：https://smile-sharing.co.jp/blog/03/post_24.html

８：https://shashin-isan.asahi.com/column/tips/column-430-2/

９：https://support.kitamura.jp/s/article/40

10：https://www.softbank.jp/support/faq/view/118250

11：https://www.trisec.co.jp/dcw/dc/dc-005.html

12：https://www.trisec.co.jp/dcw/dc/dc-003.html

13：https://cweb.canon.jp/eos/special/beginner/column6/

14：https://www.asahi-net.or.jp/~mf4n-nmr/resolution.html#mark04

15:https://faq2.epson.jp/web/Detail.aspx?id=4576

16:https://www.capricious.info/log/2013/04/07/pixcel/

17:「CLIP STUDIO PAINT　機能引き辞典」(ナツメ社)

18：https://digitalcamera.support.fujifilm.jp/app/answers/detail/a_id/18142/~/画像編集ソフトで開くと解像度が72dpiと表示されるのはなぜ？

19：https://www.clip-studio.com/clip_site/support/help/detail/svc/53/tid/92424

20：https://q.hatena.ne.jp/1326215511

21：https://www.sokupuri.jp/archives/477

22：https://e-words.jp/w/%E3%82%B5%E3%83%96%E3%83%94%E3%82%AF%E3%82%BB%E3%83%AB.html

23:https://teratail.com/questions/18032

24:https://q.hatena.ne.jp/1087288782

25:https://www.graphic.jp/data_guide/adobe_photoshop/size/resolution

26:https://99designs.jp/blog/design-tips-ja/ppi%E3%81%A8dpi%E3%81%AF%E4%BD%95%E3%81%8C%E9%81%95%E3%81%86%E3%81%AE%E3%81%A7%E3%81%97%E3%82%87%E3%81%86%EF%BC%9F/

27:「CLIP STUDIO PAINT必携 ヒント集」(MdN)

28:https://www.dorapro.co.jp/engineerblog/?p=255

29:https://qiita.com/TD3P/items/b3b754bde584abc98f44

30：https://design-plus1.com/tcd-w/2019/04/retina-display.html

31：https://www.ddc.co.jp/hatena/archives/20070411-184900.html

32：https://www.vanfu.co.jp/column/data/resolution.html

33：https://www.clip-studio.com/clip_site/support/help/detail/svc/53/tid/77770

34:https://www.eikou.com/qa/answer/101

参考画像

１：https://ext-web.edu.sgu.ac.jp/cpkiso/oa-folder/2013/subject11/ckiso01/pshop01.htm

２：https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Resolution_illustration.png#mediaviewer/%E3%83%95%E3%82%A1%E3%82%A4%E3%83%AB:Resolution_illustration.png

３：https://jp.photokore.com/tutorials/main/html/ppi_dpi/jp

4：https://en.wikipedia.org/wiki/Dots_per_inch

５：https://smile-sharing.co.jp/blog/03/post_24.html

6：https://www.photografan.com/basic-knowledge/print-degital-camera-resolution/

7：https://faq2.epson.jp/web/Detail.aspx?id=4576

8：https://photo.nyanta.jp/DotAndPixel.html

9：https://www.dic-graphics.co.jp/navi/color/fading.html

10：https://kakakumag.com/av-kaden/?id=9556

11：https://kadenplus.jp/structure/2077.html

12：https://un-tech.jp/display-resolution/

まえおき

要旨

まえおき

今日は「絵の描き方」について真剣に考えてみようと思います。絵の描き方を考えるためには「絵が上手くなるとはそもそもどういうことか」を考えなければいけません。

まずは情報収集ということでたくさん本を買ってみました。そのなかで良かったものがベティ・エドワーズの「脳の右側で描け」とシャルル・バルク「ドローイングコース」です。絵の全体像の理解という意味では成富ミヲリの「絵はすぐに上手くならない」がよかったです。

文章全体がなんとなく上からになってしまい申し訳ありません。これから私が絵の描き方を学ぶにあたってのメモ書きのようなものをどうにか文章化して共有したいと思い本記事を作ります。サイトのタイトル通り創造のログ（履歴）です。

デッサンの本はわりと高いです（バルグの本なんて6200円もします；；）。お金がなくて本が買えない人もこの記事で重要な要素だけ共有できればそれだけで幸いです。

好きで描いていればいつかうまくなるという根性論をベースにしつつも、すぐにうまくなる本を何冊も買ってしまうという矛盾。そして『すぐにうまくなる本のはずなのに、やっぱりうまくならない』という挫折感で、同じところをぐるぐる回ってしまう方も多くいるのではないでしょうか(成富ミヲリ「絵はすぐにうまくならない,4P」)

ほんとこれなんですよね。たくさん本を買って学んだ気になっていましたがほとんど絵を描いていないし、練習もしていませんでした。パース系の知識は少しは身につきましたが、その程度でした。

絵の上達には知識が一番で、絵の構造やルールがわかれば簡単に描けると思っていました。そしてとにかく描け的な根性論的な苦手でした。そしてなによりも「どうして自分は絵が上手くなりたいのか」という根本的な動機が曖昧でした。

今回は「絵を描くということの全体像」を探ること、そして自分が「なぜ絵を描きたいのか」を知ることが目的です。全体像と動機がはっきりすれば、後はひたすらステップをこなしていくだけです。

絵が上手くなるとはどういうことか

絵が上手いとすごいは違う

･ すごい絵ってなんですかね ｡

絵が上手いとは

思い浮かぶのは写実的な絵です。目の前にリンゴがあるように写実的に絵が描ける人がいたら「上手いな」と思います。アニメや漫画、芸能人等をそっくりそのまま模写できる人も「上手いな」と思います。よくあるアニメや漫画の絵を模写してる人も上手だなと思います</> これらの共通しているのは「答えがある」ということだと思います。リアルに描くための知識は影の陰影や、色の使い方、線の使い方、形のとり方、基本的には正解があるものだと思います。そこに「個性」というものはあまり介入しないと思います。

もちろん模写ひとつとっても「個性」というものは少しは出ます。強弱の付け方や線の付け方、色の付け方、どこを描かないでどこを描くかといったものは人それぞれ違うと思います。ですがそうした個性は比較的小さなものだと思います。

こうした知識によるテクニック、または経験によるテクニックは学べばある程度はついてきますし、上手くなると思います。

岡勇樹の「スーパーデッサン入門」では「上手い絵より『良い絵』を目指そうと(14P)」いっています。

どういう絵が「良い絵」かというと、立体感、空間感、材質感のどれかがずば抜けて良いものなら、見る人の印象に残る良い絵になるそうです。さらに光の効果も必要になってくるそうです。

「ずば抜けて良い」というのがポイントだと思います。デッサンは立体感、空間感、材質感、光の効果を表現するための技法だといえます。それがバランス良く表現できれば写実的な絵となり、上手い絵になります。そこからさらにどれかの要素がずば抜けて良ければ「良い絵」になるということです。

たしかにそうかもしれません。まるで本物のように、すごい写実的な絵は「上手い」を超えて「良い」、そして「すごい」と思います。

絵がすごいとは

すごい絵というのは「こんな組み合わせで描いてしまうのか」、「こんなに神々しく表現できるのか」、「難しい概念を絵でこんなにも表現できるのか」とか、そういったものはアイデアや感性に近いものがあると思います。知識が殆ど無い幼稚園児でも「すごい絵」を描ける人はいると思います。

「個性」や「感性」がものすごい出る領域が「絵のすごさ」だと思います。答えというものが基本的にない領域です。高校の勉強ではひたすら暗記で答えのあるものが中心ですが、大学で勉強から学問へと変わり、何が問題かを「自分で問う」ことが中心へと変わるのに似ています。

すごい絵で画像検索してみました。

https://japan-dog-academy.seesaa.net/article/299144417.html

https://www.google.com/url?sa=i&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=&url=https%3A%2F%2Fimgur.com%2Fgallery%2FQO8aT&psig=AOvVaw04jpFtsHnKWILvuXQ2NoPt&ust=1526896873017722

https://www.google.com/url?sa=i&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=2ahUKEwjhib3chZTbAhVHU7wKHQ1PDkwQjRx6BAgBEAU&url=http%3A%2F%2Fiitokoronet.com%2F2015%2F12%2F24%2Fpost-5885%2F&psig=AOvVaw3qEbiJ0UiMvLxaqclYHw49&ust=1526897179526291

https://www.google.com/url?sa=i&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=2ahUKEwje_eHxhZTbAhUIfLwKHdyMArQQjRx6BAgBEAU&url=http%3A%2F%2Fpixiv.navirank.com%2Ftag%2F%25E9%25A2%25A8%25E6%2599%25AF%250A%25E3%2581%25AA%25E3%2581%25AB%25E3%2581%2593%25E3%2582%258C%25E3%2581%2599%25E3%2581%2594%25E3%2581%2584%2F&psig=AOvVaw3qEbiJ0UiMvLxaqclYHw49&ust=1526897179526291

写実的な絵、発想がすごい絵、空想の絵等が出てきます。

こうした絵がデッサンや模写だけでできるかと言われたら難しいです。写実的な絵ならなんとなりそうですが、飛び抜けてうまりリアルな絵はデッサンや模写で得られる基本技能を超えた経験や発想力が必要になってくると重い思います。

下の2枚はピクシブでも人気が出ていそうな絵です。いかにも高評価されそうな絵で、すごいと思います。これらの絵がデッサンや模写だけで描けるかと言われたら難しいです。ですがデッサンや模写を全くしないで描くのも難しいと思います。

デッサンや模写は家を建てる際の土台、骨組みみたいなものです。そこからかわいいキャラはどう描くか、厚塗りはどうするか、髪はどう塗るのか、幻想的な世界はどうやって描いたら良いかなどの木材やペンキ、釘等々が積み重なって家ができるのだと思います。

デッサンや模写で基本的なドローイングができれば、次はレンダリング、その次はカラーリングが待っています。イラストに使えそうな建築物を探したり、かわいさとは何かを研究したり、その先も終わりがありません。終わりがないからこそすごい絵は面白そうですね。

絵の描き方と創造について

たしかに「陰影の出し方」や「遠近法」や「図学」といった技術・知識は重要です。そうしたテクニックはデッサンや模写、クロッキー等でだいたいは取得できると思います。

ですが私は絵の描き方を「テクニック」だけに絞りたくありません。絵の描き方というよりは、もっと大きく「創造」について考えたいです。つまりは個性の出し方、感性の出し方、アイデアの出し方、考え方、そういったものを含めて絵の描き方のサイトにしていきたいと思います。

個人的には「絵がうまい人」よりも「絵がすごい人」のほうが好きです。絵がうまい人は基本的に代わりがきく存在です。カメラで良いんじゃないかなんて言われることもあります。ショパンをうまく弾ける人よりも、拙くても作曲してる人のほうが胸に来るものがあります。

絵が上手いということは創造の前提であり、手段にすぎないと考えたほうが前に進みやすそうです。「絵のうまさに関する知識」はあったほうがいいですが、それにこだわりすぎると創造ができなくなり、前に進めなくなってしまいます。絵がうまくなくても、自分の表現したいことを表現できていればすごい絵だと思う人は出てくるはずです。

「作品制作はすぐに始めてください。勉強が終わってから作品を作ろうと思うと、一生作品制作には入れません。うまくなってから作ろうと思っても、自分でうまくなったと思う日などきません。ですから、とにかく下手でもいいので、作品制作はすぐ始めましょう。構想を練るだけでも、自分に足りないもの、勉強しなくてはならないものが見つかりますので、作品に必要な要素を重点的に学ぶと、より効率よくトレーニングを積むことができます（「絵はすぐに上手くならない」,36P）。」

これはとても重要ですよね。頭ではわかってますが、まだ足りない、もっといい本はないのかと探してるだけで人生終わってしまいそうで怖いです。とにかく作ってみないとだめですね。絵のうまさにこだわりすぎず、創造してみることが大事ですね。

模写やデッサンで絵がうまくあるのか、意味はあるのか

上手くなるし意味はある

模写やデッサンで絵は上手くなると思います。「絵のうまさ」の定義を写実的に描ける技術だとすれば、確実に上手くなると思います。意味があると思います。

問題は模写やデッサンで「絵はすごくなるのか」ということです。難しいですよね。「絵が上手い漫画」が売れるとは限らないのと同じです。

小畑健は絵が上手い人で有名ですが、絵がすごいかと言われたらどうでしょうか。確かにすごいですがどちらかといえばデスノートのアイデアを考えた原作者の大場つぐみや、ヒカルの碁の原作者のほったゆみがすごいというイメージがあります。

もちろんそういった良いアイデアを、どうやって絵に表現するかという過程で小畑健さんの個性や感性が詰め込まれているのは確かですが、上手い絵と良いアイデアが両方合わさって「すごい絵」になるのだと思います。どちらも必要な要素です。

もちろんアイデアだけで、絵が下手でもだめだと思います。しかしキャラクターの設定や、作品の背景の設定が面白ければ絵が下手でもすごい作品だと思われることがあります。「進撃の巨人」は絵が上手とはいえませんが、売れていますしすごいと思います。

どの分野においてもデッサンや模写で得られる「絵のうまさ」が邪魔になることは少ないと思います。絶対に絵のうまさは必要だ！とは言い切れませんが、あって困ることはないですし、むしろ必要な土台、前提の場合が多いです。自分の表現したいことの力になる場合が多いです。

デッサンは絵のうまさのために絶対にしなくてはならないか

成富ミヲリさんによればデッサンはやらなくても絵は上手になるそうです。これは難しい問題ですよね。デッサンとはそもそもなんだという話になります。
デッサンは広く定義すれば「絵を描く」ということですが、狭く定義すれば「見て描く」ということになります。

こういった意見は模写やクロッキー等で代わりがきくという話に過ぎません。そして模写やクロッキーにもデッサンと同じような要素がたくさんあります。

次の項でそもそもデッサンとはそもそもなんだ、模写とはそもそもなんだ、両者に共通しているものはなんだ、絵の描き方の全体像のとはなんだということに迫っていきたいと思います。

「答えは『デッサンをやった人はうまくなる』『デッサンをやらなくても絵は上手になる』です。デッサンは必須ではありませんし、私も必ずやらなくてはならないとは考えていません。どんな方法でも良いので、トレーニングを積めば上手くなります。デッサンはその中でもかなり強制力の強いトレーニングと言えます。しかしアプローチとしてデッサンを選んでも良いのです(「絵はすぐに上手くならない」30P)。」

絵の描き方、絵の上達の全体像について

まずは絵がうまくなりたい理由を考える

１　「絵が上手くなりたい理由」をよく考える
２　どうやったら絵が上手くなるかを考える

１がしっかりしていないとなかなか２を明確に考えられません。プロ漫画家になりたいか人と、建築家になりたい人では「どうやったら絵が上手くなるか」、「どこまで絵を上達させればいいのか」、「どの分野の絵を上達させればいいのか」についての内容が違ってくると思います。

ドラクエで勇者が魔王を倒すストーリーなら、とりあえずレベルを上げて、武器や仲間を強化して、といったように同じようなプロセスをステップアップしてクリアすればいつか魔王は倒せます。しかし絵の上達に限って言えばみなさんが同じ目的ではありません。

漫画家になりたい、映画で3DCGを扱いたい、デザイナーになりたい、会社でちょっとしたスケッチで説明をするだけでいい、落書きが楽しければいい、アニメーターになりたい、さまざまな理由、目的があります。

こういった区別は主に仕事を念頭に置いた区別だと思います。もっと単純にTwitterで絵を共有したいとか、友だちに見せたいとか、そういった動機で絵を描きたいと思う人のほうが多いのかもしれません。

デザイナーは絵の正確さよりもアイデアが重視されますし、建築家や３DCG関係はパースの知識等正確さが重要視されます。漫画家はキャラクターをどうやって動かすか、魅せるか等のテクニックが重視されると思います。このように少し考えただけでも千差万別であることがわかります。

なぜか文系だから数学やる必要はない、といった意見を思い出しました。大学の学問はどちらかといえば分野横断的な、総合的な発想のほうが重要とされています。経済学に生物学の発想をとりいれたらうまくいった、といったことがよくあります。それと同じように建築家だからデッサンがいらない取ったこともないと思います。

みなさんがどういった分野で絵を描きたいのか、またはどういう絵が描きたいのかという理由次第で、どういった絵の描き方を学ぶべきかというのは確かに違ってきます。ですから多くの絵の描き方の選択肢を提示して、私は建築家志望だからこれとこれを学ぶべきだ、と自分で選択できるのが一番だと思います。

そもそも絵が下手であるとはどういうことか

自分の絵を冷静に分析できる能力があれば、たとえば「立体感がない」と自分の絵に対して判断することができます。そうした判断ができれば、立体感をつけるような絵の描き方を学べばいいという話になります。

立体感はデッサンや彫塑（ちょうそ,彫刻と塑像）、またはパース等の知識等で身につけることができるのではないか、という発想へ至ることができます。さらには他者の作品の立会感の表現方法を模写で学んだり、色彩学を通して立体感を表現しようといった個性的な表現へといたることもあるかもしれません。

何が下手なのかわからない、というくらいのレベルであればまずは「基礎能力」を上げるべきという話になってきます。「絵はすぐに上手くならない,79p」では以下のような自己評価の具体例を挙げています。あまり多く引用するとアレになってしまうので各評価に対するトレーニング例は本を買うか借りるかしてください。

王道の絵の学び方

「絵はすぐに上手くならない」では王道の学び方があるといいます。紹介してみたいと思います。

そう言われれば、そうだな、といったような感じです。大体の人がデッサン、アイデア、知識等が重要だということはわかっていると思います。

特に「順番にやるというものではなく、平行してやるもの」は特に大事だなと思いました。これはおそらくどの分野でも言われていることだと思います。

小説家や音楽家でもそうだと思います。アイデアをストックして、知識を溜め込み、小説の書き方について学んでいる人でもなかんか作品をズルズル後回しにしてしまうことはよくあると思います。自分はまだ未熟だから作品は作れない、と思ってしまいます。

「さて、学び方は千差万別と書きましたが、それでも『王道』はあります。大
まかに分けて『手慣らし』『見て描く』『形状を覚える』『アイデアをストックする』『技術の向上』『作品制作』これに少しだけ『知識』が必要となります（「絵はすぐに上手くならない,36P」）。」

そして重要なのはこれらは順番にやるというものではなく、平行してやるものだそうです。

「作品制作はすぐに始めてください。勉強が終わってから作品を作ろうと思うと、一生作品制作には入れません。うまくなってから作ろうと思っても、自分でうまくなったと思う日などきません。ですから、とにかく下手でもいいので、作品制作はすぐ始めましょう。構想を練るだけでも、自分に足りないもの、勉強しなくてはならないものが見つかりますので、作品に必要な要素を重点的に学ぶと、より効率よくトレーニングを積むことができます（「絵はすぐに上手くならない」,36P）。」

これはとても重要ですよね。頭ではわかってますが、まだ足りない、もっといい本はないのかと探してるだけで人生終わってしまいそうで怖いです。とにかく作ってみないとだめですね。

そもそもアナログで描きたいか、デジタルで描きたいかによっても大きく違うと思います。アナログで必死に練習して手に入れる技術がデジタルでは一瞬で表現できてしまうもあります。

ライターで火をつけるか、石で火をつけるかに似ています。石で火をつける過程で色々なものが手に入ると言われても、ライターで火をつける方でいいやと思う人もいます。ここらへんは難しいですよね。アナログの中でも定規を使って測れば鉛筆で図る必要はないじゃないか、ということも考えられます。

デジタルではちょっと線が曲がったり歪んだりしても、すぐに修正できます。そういう意味ではアナログよりも簡単です。線をまっすぐ描く方法や、円をきれいに書く方法は役に立たないかもしれません。ですが曲がっているか歪んでいるか、自然かどうかについての判断をデッサンの技法を一切学んでいない人が判断できるかどうかというのは微妙なところです。

その意味でデッサンで得られる「観察眼」はデジタルにおいても役立つといえます。デジタルで適当に影をつけてみたけど、これが合っているかどうかデッサンをしていない人はわからないのではないでしょうか。遠近法や線の太さの工夫なども同じだと思います。

したがって、デジタルでしか絵を描く予定がない人もデッサンは意味があると思います。

デッサンの全体像について

デッサンとはそもそもなにか

デッサンとは：対象物をよく観察し、平面の上に描き起こす行為(「基礎から身につくはじめてのデッサン,6P（西東社）」)

物体の球体、明暗などを平面に描画する美術の制作技法(wiki)

デッサンはもともとフランス語でdessinといいます。英語ではドローイング(drawing)、日本語では素描（すびょう）というそうです。

元々デッサンとは絵を描くこと、あるいは線を引くといった広い意味で、「見て描く」という意味は日本独自の意味らしいです。「線を引く」から「実物を見て描く」、「形をとる訓練」等の意味に変わり、「デッサンが狂っている」等の表現で用いられるようになりました。

デッサンの技法を学ぶ意味はあるのか

意味はあると思います。デッサンをすることで確実に絵は上達するからです。

「絵はすぐに上手くならない」ではデッサンをしなくても絵はうまくなると主張しています。そして同時にデッサンをしても絵は上手くなると言っています。その理由として、デッサンではなくても模写やクロッキー等で学習して同じような知識を得られる場合もあるからだといいます。

またどういった分野で活動したいのか、どういった絵を描きたいかによっても違うそうです。リアルな絵を描くためにはデッサンは必須だそうです。可愛い女の子が描ければいいという程度の人には必ずしもデッサンでは必要ないそうです。

一般的なデッサンの技能

アタリについて

アタリとは目安の下書きみたいなものです。リンゴをデッサンするのに球体や立方体であたりをとる方法等が基本技能となります。
こうした幾何学的な技能、形態学的（モルフォロジー）な技能はデッサンでも重要な部分だと思います。

有名なA・ルーミスの本の「やさしい顔と手の描き方」では人間の顔を球体として捉えたりしています。ミシェル・ローリセラの「モルフォ人体デッサン　箱と円筒で描く」は形態学的な技能が中心です。要するに箱と円筒を使ってアタリを正確にとろうということです。

アタリについて考えていくと、幾何学にたどり着きます。そして幾何学について考えていくと、遠近法にたどり着きます。

球体で顔を捉えられたとしても、すこし横を向かせようと思っただけでとたんにどう形をとっていいのかわからなくなります。そこでは遠近法の知識が必要になってくるからです。またあたりを考えるにあたって解剖学等の知識も必要になります。

そしてアタリが取れてもどうやって質感を出すのか、陰影をつけるのか、構図を取るのか、プロポーションはどうなっているのか、道具はどう使えばいいのかなどすべての項目が関連しあってきます。

そうしたものが終わっても、色はどうつけたらいいのか、デジタルソフトはどう使えばいいのか等さらなる知識が必要となってきます。

A　構造

アタリを正確にとれるということは、描きたい対象の「構造」を理解しているということでもあります。つまりアタリをとるためには、構造を理解している必要があります。

「ラインを極める人体ドローイングマスターコース」のスティーヴ・ヒューストンいわく構造とは以下のことを指します。

「構造はパーツの組み合わせで構成される。三次元のフォームだ。単純化を突き詰めると、構造は球、ボックスr，チューブの三種類に行きつく。構造とはすなわち、すべての対象を扱いやすい単位あるいは球状に変換することだ。この観点で変換していくうちに、何を意図しているかがわかる。これが構造で、２つの必須アイデアのうちの一つ目だ…..『構造』はボリューム、マッス、三次元構造、フォームなどさまざまな名前で呼ばれる….構造とはつまり、デザイン及び描画のテクニックを支える、足場のようなものだ(26P)。」

「『構造』というアイデアを理解して活用するには、彫刻家と同じように考えるのがよい。つまり、ドローイングやペインティングはフォームを組み立てて構築する行為だといえるのだ。オブジェクトは、それを構成する三次元のパーツの集合体だと考えることができる。たとえば木を考えてみよう。根、幹、枝、葉、場合によっては果実などのパーツに酔って全体が構成されている。本書のテーマは人体だから、人体を構成するすべてのパーツ（部位）を構造と呼んでいる(23P)。」

幾何学や形態学について学ぶことは、構造について学ぶことでもあります。また解剖学について学んで構造を知
り、アタリをとるといったように相互に関連しあっています。

B　ジェスチャー

構造を理解した後は、それを組み合わせる必要があります。「部位と部位のつながり」をジェスチャーといいます(スティーヴ・ヒューストンの定義)。

「最初に、人体の描画における『ジェスチャー』が何を意味するかを述べておこう。まず、ここで言うジェスチャーは、皆さんの内なる感情の表れではない。大げさな身振りで紙に向かって画材を振り回すこととも関係がない。本書の冒頭で説明するジェスチャードローイングとは、直感的に描くことを指しており、こうすることでアイデアを誇張できる。後ほど、脊椎の描写でもジェスチャーについて触れている。どちらの場合も、本書では一貫してすべての目的の出発点となるフレームワークとして、『ジェスチャードローイング』を位置づけている。また、『ジェスチャー』を広義にとらえる。『ジェスチャー』は、彫刻の骨組み、または3Dモデルのリグと同じものとも言える。」

質感について

よく載せてあるのが「ハッチング」です。球体では曲線を使って奥行きを表現したり、立方体では縦の線と横の線を使って質感を表現したり(クロスハッチング)と、そういったものです。　
海は鉛筆でどう表現したら良いか、雲はどう表現したら良いかなど各論的なものが多いです。鉛筆の使い方や選び方、練り消しの使い方等も学ぶ必要があります。

若い世代のデジタル派の人はそもそもこのような古臭い表現は必要としていないのかもしれません。

雲専用のブラシとか、クリップスタジオのでは素材ありますよね。そういう使い方のほうが求められていることなのかもしれません。しかし質感についての知識はあって困るものではないと思います。そういう知識があれば自分でブラシツールを作るといったこともできると思います。

遠近法について

遠近法(パース)はデッサン本で必ずと行っていいほど触れられています。簡単なものから専門的なものまであります。

大抵の本では遠近法の理解は絵の上達には必要であるといっています。面白いのは遠近法の知識を詰め込む必要もあるが、遠近法にこだわりすぎない必要もあるということです。目安程度に考えたほうが良いのかもしれません。

「パースという言葉は、『ポジション』（他との相対的な関係での位置、向き）を小難しく表現したものだ。３次元の世界では、空間内に左右の傾き、前後の傾き、面の向きの３つの『ポジション』が存在する(ステヴィーヴ・ヒューストン,「ラインを極める人体ドローイングマスターコース」59P)。」

「遠近法は学ぶべきものであり、そしてその後、忘れるべきものである。結果として残る遠近法への感受性は近くの手助けとなるが、その地殻は人によって異なり、その人がものごとに反応する必要をどれだけ感じているかによって決まる(ネーサン・ゴールドステイン)。」

「遠近法についてよくわからなければ遠近法についてよい本を読むことをおすすめする。成功するためには、いつかは学ばなければならないものであり、遠近法なくしてよい絵は描けないのである（A・ルーミス「やさしい人物画」39P）。」

「パースがわからないまま絵を描いていると、何か一つ描こうとするたびにいちいち悩むはずだ。そして描きたいものが書きたいアングルで撮影された参考写真を探してみたりするんだよね。こんなめんどくさいことはもうやめようよ。パースがちゃんとわかっていれば、たいていのものを箱型の立体をみなすことができる。一度パースをきっちりマスターしてしまえば、どんなものも恐くない。なんでも描けるようになるんだ。…..上達の道は、よく観察し、直感を磨いて、練習を繰り返すしかない(デヴィッド・チェルシー「パース！漫画でわかる遠近法」1-17P)。」

「人間の視覚をそっくりそのまま紙の上に創り出すことはできません。目に映る像を立体として見せかけるわけです。人間には2つの目があり、それによって立体としてものを見ることができます。遠近法はごまかしです。人間の見える世界を模倣しているだけです。本書では、最高の幻想を紙の上に作り出すために存在している原則を説明します。原則をわかった上であれば、意図的に破ることができます。しかし、意図せずに守られていないと、それが原因で伝えようとしていることが伝わらないことがあります（スコット・ロバートソン「HOW TO DRAW」21P）。」

光と影とは

光と影といえばジェームズ・ガーニーの「カラー＆ライト」が有名です。

ざっとみてなんか難しそうだったので本棚に眠っています。これから読み返してみる予定です。デッサンはモノクロが中心ですが、いずれは読まなければいけない本だと思います。

どのデッサン本でも紹介されているのが「フォームの原理」だと思います。

例えば球体に光が当たると、どう陰影がつくかというやつです。この記事では描き方の詳細を説明するのではなく、デッサンはどんなことを学ぶのかという説明なのでざっと説明するだけにします。今後記事を作るにあたってそれぞれ個別に勉強し、紹介していこうと思います。

フォームの原理：立体幾何学形状の成り立ちについての分析。これに基づき、立体を明暗のコントラストの法則によって描くことができる(「カラー＆ライト」,46P)。

光と影を言い換える言葉がなにかあるとすれば、「レンダリング」だと思います。

スコット・ロバートソンの「HOW TO RENDER」ではレンダリングを以下のように定義しています。

「レンダリングとは、線画（ドローイング）の次のステップで、アイデアをより明確に伝えるための作業です。本書は、前著『スコット・ロバートソンのHWO TO DRAW -オブジェクトに構造を与え、実現可能なモデルとして描く方法』の知識を基本に、トマス・バートリングと私がモテる限りの知識で、光、影、反射を描画する方法を解説します(10P)。」

構図とは

構図(composition)とは：画面に対するモチーフの入れ方、背景とモチーフのバランス「基礎から身につくはじめてのデッサン。


(「基礎から身につくはじめてのデッサン」,95P）

構図とは上の画像のように、モチーフ（またはオブジェクト）を画面内にどのように入れたらいいかといったようなものです。自分が見えている範囲のどこを切り出すか、トリミングするかといったことと関連していると思います。

きれいに描けても構図が下手な場合は、うまく見えません。初心者は構図でかなり悩むことになると思います。とりあえず真ん中においておこうとか、真ん中近くにおいておこうとかといったことになると思います。

そもそも構図とはどのようなものがベストなのか、正解はあるのかと悩みます。センスの問題の場合もあると思います。

「構図を教えるには、自然界の構図の背後にある科学的・数学的理論を理解している必要があります。アートでリアルな描写を行う上で重要なこと、それは、私達の標準的な認識が、比率の法則、シンメトリ（左右対称性）とリズム、形と物質の調和などに与える影響を理解することです(「デジタルアーティストが知っておくべきアートの原則」,34P)。」

難しそうですね。構図を決めるためには科学的・数学的理論の理解が必要だと。

構図には黄金比というものがあるらしいです。そして黄金比を作成する数式や方法があるらしいです。黄金比とは「自然界の美学や美しさを再現できる方法」に関係してるそうです。

「素晴らしい構図を作るには、自然界で見られる自然の構造体やパターンに従います自然はランダムなフォームを創造しません。すべての構造体の成長パターンには、ある程度の規則性、割合、シンメトリが存在します。生物の自然な成長には５つの原則が見られ、これらの要素が構造のルールを構成しています(50P)。」

以下は「デジタルアーティストが知っておくべきアートの原則」50Pの引用です。

１　全体：自然界の個々の構造はすべて、その全体の形によって不可欠なものです（たとえば、葉のかたちを考えずに、木のかたちを考えるのはとても困難です）。

２　割合（プロポーション）：個々の部分が全体を構成するという１つめのルールに対応するのが、この２つめのルールです。すなわち、すなわち、部分同士は互いに関連/比例して配置されており、主要な骨格（背骨または茎）を中心としてまとめられています。

３　左右対称性：割合は、周囲の世界のシンメトリ、リズム、秩序などに繋がります。不均衡な関係性は、秩序の乱れ、非対称性、ずれたビートのリズムになります。人間はこれを、退屈な、あるいは歪んだものとして受けとめます。

４　リズム：リズムの法則は、全体の部分の反復/交代という性質を表します。リズムは比例要素、感覚要素（音響、ボーカル、描写、遷移図）の規則的な変化です。シンメトリは、リズムの特殊な小区分に当たります。リズムはあらゆる所に存在し、自然界のパターンそのものにも見られます。黄金比を用いた絵にリズムが適用されると、一定の動きや生き生きとした性質を生み出します。

５　興味のポイント：全体の要素の中で小さなオブジェクトが集まっている部分です。絵の中に注目の的となる場所が2~3つ存在することもあります。しかし、構図の法則に従えば、これは起こり得ません。なぜなら、私たちは同時に２〜３か所を見ることができないからです。

プロポーションとは

プロポーション(proportion)は日本語で一般的には「割合」を指します。または比率(ratio,percentage)を指す場合もあります

たとえば眉から鼻にかけての長さが、鼻から顎にかけての長さが等しいといったものがプロポーションになります。こうしたプロポーションは知識として役に立ちます。

他にも目の前のリンゴを模写するときに、リンゴの短い枝の部分と、本体の部分の割合は何対何かな、と目測するときもプロポーションが役に立ちます。こうしたプロポーションは知識というよりも、目の前のものを描きたいときに役立つものです。

「どんなポーズでも、人体を正確に描くには基本的なプロポーションを理解しなければならない。この知識が、観察と想像力によって描かれるデッサンに説得力を与える。プロポーションを理解すれば、作品を判断する基準ができる。隠れているパーツがどうなっているのかをイメージすることが出きるので、『おおよその見当』もつけられるようになるのだ。また、デッサンが狂っていないか、体の各部分をチェックして判断することもできる。プロポーションの比率は覚えやすいので、進んで努力すれば、自分のものとして利用することは難しくない。デッサンに説得力が生まれ、正しいプロポーションに見えるようになる(ロバート・バレット「人物デッサンのすべて」37P)。」

解剖学とは

解剖学とは：広い意味で生物体の正常な形態と構造とを研究する分野である。形態学の一つ(wiki)

美術における解剖学と、医学における解剖学は違います。ある部分にどうして影ができるのか、どうしてしわができるのか、どこまで曲がるのかといった知識を美術における解剖学は与えてくれます。

解剖学を学んで人体の用語を知ることで、意識してドローイングに活かすことができます。解剖学の本は「スカルプターのための美術解剖学」のように、どのように人体を単純化、幾何学化して理解するべきか等を理解するためのヒントになります。また男と女では骨格が違うといったような知識も得られます。

「私は時として、解剖学の学習が創造性を妨げるのではないかと考える学生に遭遇することがあります。しかし、ひとたび基本的な解剖学的形態を理解すれば、彼らはすぐ解剖学の学習が推測を排除するのに役立ち、それによりさらなる自信と技術をもってドローイングができることを悟ります。こうして新しく解剖学を自覚すると、実物を手本にして人のかたちをドローイングしたり描画したり彫刻したりするのに必要な技術が高まるだけではなく、モデルが手近にいない時にも、記憶によりイメージを表現する能力が劇的に向上します。そして解剖学を学習することにより、人のかたちについて、さらに伝統的な手法をたどったり、択一的な解釈を取り除き探求するような芸術的自由が得られるのです(ヴァレリー・L・ウィンスロゥー「アーティストのための美術解剖学」,11P)。」

道具の使い方

すごい広義ですよね。道具。

デッサンにおいては鉛筆の使い方とか、デスケールの使い方とか、筆の使い方とか、そういったものだと思います。

脳の右側で描けの場合

ベティ・エドワーズの「脳の右側で描け」を紹介します。　

１　エッジについて認識する
２　フォルムについて理解する
３　正しいプロポーションと遠近法を理解する
４　光と影について理解する
５　パルール（色価）としての色彩を理解する

この５つは絵の描き方の基本技能(210P)であり、その手順です。

デッサンの基本技能については以下の５つが挙げられています。

・デッサンという包括的機能を構成する基本技能(10-11P)

1：エッジを知覚する（１つのものが終わって別のものが始まるところを見る）
2：スペースを知覚する（周囲や奥に広がっているものを見る）
3：相互関係を知覚する（対象を遠近法によってただしくプロポーションで見る）
4：光と影（明部と暗部）を知覚する（対象を明暗の度合いによって見る）
5：ゲシュタルトを知覚する(全体像とその各部分を見る)

「脳の右側で描け」というのは、画家の目で見ることと等しいです。画家の目で見るということは先程のバルグとおなじように観察眼を鍛えることになります。

バルグの本よりもそういう意味では観察眼の付け方が具体的、科学的に説明されているのでとっつきやすいと思います。繰り返しになりますが模写とデッサンの違いはあまりありません。
どちらも観察眼を鍛えることが中心になります。

ベティ・エドワーズによればRモード（右脳モード）は「空間と関連性とプロポーションにまつわる問題(P50) だといいます。

・左脳がいないときの右脳は、非常に前向きで望ましい精神状態にあります、スポーツの世界でいう「ゾーンに入った」状態です(16P)。

・画家の見方はとてもユニークで、日常生活を送るときの視力の使い方とはまったくちがうからです(4P)。

・描くときの状態とは、完全に覚醒し、没頭し、意識がぎすまされ、集中している状態です。時間の感覚がなくなり、周囲が気にならない状態でもあります。

・写実主義：外界に実際に見えている対象をありのままに描く技術(5P)
・創造と直感力に意識レベルでアクセス(7P)

・右脳のモードを「Rモード」、左脳のモードを「Lモード」(31P)
・いかにしてLモードをはねのけ、意識のレベルでRモードにアクセスできるか(31P)

・創造的なモードに入っているとき、人は直感に頼って、一足とびにものごとの本質を見抜きます。それは、ものごとを論理だてて理解しなくても「すべてが正しい場所におさまる感じがする」瞬間です(37P)。

・「まったくなにも考えないで描くのがいちばんです。ーつまり画家モードで絵を描くとき、言葉を使って考えようとしても脳の中ではこんなやりとりしかありません」
・「この曲線はどこから始まっているんだろう」
・「線の曲がり具合はどれくらいか」
・「この角度は、線の端の垂直線にくらべて何度傾いている？」
・「反対の方向から見たとき、この点は紙の一番上の端（または底辺）からどれくらい離れているのだろうか？」
・「頭のなかで自分に話しかけるとしたら、視覚言語だけを用いること。たとえば「この線はこっちに曲がっている」とか、「この形はここが曲がっている」あるいは「紙の端（垂直線または水平線）に比べると、この線の角度はこうなってる」というようにして部分に名前をつけないことです。名前を呼びたくなる部分に来たら、その部分をなるべく携帯として見るようにします(56P)。」

これらの説明はバルグの説明と近いです。「視覚言語」というのがポイントだと思います。英語を話せないとアメリカ人とうまく会話ができないように、視覚言語を使わないと模写やデッサンはうまくいかないということです。

この視覚言語の鍛え方、つまり観察眼の鍛え方はいろいろなアプローチがあります。バルグは「相互関係」を重視するタイプなようです。相互関係とは「角度と比例」が中心となります。バルグの模写では遠近法の具体的な説明はありません。どちらかというとプロポーション（比例）が中心です。比率でも良いと思います。

眉から鼻先の距離が、鼻先から顎先の距離に等しいという知識が観察によって得られたとき、それはプロポーションのひとつが身についたと言ってもいいと思います。模写をするときも自分である線を基準にして、この線の1/2くらいが30°の方向に伸びているな、というのも相互関係です。

「脳の右側で描け」では相互関係の他にもエッジやスペースという重要な基本技能が提示されています。エッジとは「絵画上で２つのものが接するところ（スペースとフォルムを隔てる線）」であり、（ネガ）スペースとは「ポジのフォルム(球体)」をとりまく周囲の部分です。

模写とは何か

模写の定義

模写とは：美術において、他者の作品を忠実に再現し、あるいはその作風を写し取ることでその作者の意図を体感・理解する為の手段、方法。またその行為によって生み出されたもの。 なお、ただ単にその作品をそっくりに複製する手法は「転写」であり、「模写」ではないとされる(wiki)。

模写と転写が異なるというのはポイントだと思います。基本的に平面から平面へと書き写すことが模写となります。写真を見ながら絵を描いたりするのも模写です。

模写の種類

１　写真模写
２　クロッキー類の模写
３　他者の作品の模写

「絵はすぐに上手くならない」によれば模写にはこのように三種類の模写があるそうです。写真の模写では「平面においてのリアルな絵の手法を開発すること」が目的、クロッキー類の模写では「他者の描き手順を学ぶこと」が目的、作品の模写では「テクニックの会得、自分の癖や個性の確認」が目的だそうです。

たとえばよくあるデッサン本に乗せてあるリンゴの絵を書こうとする場合は模写にアタリ、かつ「クロッキー類の模写」に当たると思います。他者がどうやって三次元のものを二次元のもので表現するのか、その表現方法を学ぶということです。

また目の前の三次元のリンゴを紙に写すときに、デッサン本の影の捉え方を参考にした場合は模写ではなくデッサンになると思います。この辺は曖昧なところですよね。模写をする場合にもデッサン的な要素があり、デッサンをする場合にも模写の要素があります。

模写の基本技能について

模写のやり方について一番ためになりそうな本はシャルル・バルグの「ドローイングコース」です。

模写の手順に詳しく書かれていますが、今回はいちばん重要なまとめの箇所を引用して紹介いたします。

「もう一度、まとめておこう。新しい石膏像を描き始めるときは必ず、最も重要な点およびコーナーの位置を決めるところから始める(垂直線などのガイドを用いるとよい)。曲線はそのまま写そうとせず、何本かの直線に分割すること。大きいフォームに集中し、小さいフォームはこの段階では無視する。常に輪郭を確認し、必要に応じて修正する。その次のステップで、点、直線、コーナーをより精緻化する。モデリングに取り込むのはその後だ(25P)。」

よくあるデッサンの説明とは異なります。デッサンの本では立方体や球体などの描き方や、立体感の出し方、質感の出し方、影の付け方等がメインになります。人物画においては人間のプロポーションが重要になり、風景画デッサンでは遠近法がより重要になります。

バルグのデッサン本では難しい用語があまり出てきません。とにかく「観察眼を鍛えろ」ということにつきます。バルグいわくドローイングとは「現実の観察から重要な要素を選び、それぞれの関係性を維持しながら紙面に記録する作業(23P)」 です。ここからここの線は、あの線の2倍くらいだなとか、この点とあの点はどちらが高いだろうとか、どちらが鋭いだろうとか、そういった観察が重要になります。

バルクの本では垂直線や水平線を使い、うまく重要な要素を選んでいく作業が中心となります。またその選び方の見本がのっています。

模写にフォーカスをあてている本でほかにはrarks「teach anyone to draw」も英語ですがよさそうでした。電動消しゴムや円定規、プロポーショナルドライバーやグリッド定規など模写に役立ちそうな道具の使い方が載っています

観察眼について

模写において必要なのはとにかく「観察眼」を鍛えることと、描くことになれることです。「慣れ」とは何度も繰り返し描くことによって円がきれいにかけたり、線がまっすぐかけたりするということです。

「絵の慣れ」は単純な描画練習で鍛えられることができるそうです。鉛筆の正しい持ち方、手先ではなく腕を使って引く、ストロークを練習する等です。デッサン本でもこのような練習法はよく記載されています。

「目から受け取った膨大な情報を整頓してもらわないといけません。見えているものの中で描くべきものと描かないで良いものを選別してもらいます。慣れてくると、目にもちゃんと指令を出して、なんでもかんでも細部までみないようにコントロールもしてくれます。そうすると、与えられた時間や締切までの間に、何を描くのかはっきりし、効率よく描くことができるようになってきます。この情報の選別こそが個性です。同じものを見ても、みんな違う絵を描きます（「絵はすぐに上手くならない」,21P）。」

これも観察眼に関する説明です。要は目の前の対象物をどうやって単純化するか、抽象化するかということです。上手いと言われる人の絵はこうやって単純化されているんだな、抽象化されているんだな、ここの線は描かなくて良いんだな、というの知識を模写の過程で得ようという試みでもあります。

「いつか楽に、鼻歌でも歌いながらさっさと描けると思うかもしれませんが、残念ながらそんな日は来ません。上手な人も必死で形を取り、遠くから何度も眺めて形を直し、一心不乱に描き込み、ようやく絵が完成するのです。むしろ画家の大先生やアーチストのほうが、命を削らんばかりにすごい形相で画面にむかっていることでしょう。ですから、誰しもが『最初から楽に描ける』わけはなく、『うまくなったら楽に
描ける』こともないと思ってください(『絵はすぐに上手くならない』24P)。」

バルグさんも模写に関して「単なる趣味や暇つぶしとしてドローイングを学ぼうというものには、決して好まれない」と言っていました。必死で観察眼を磨こうという動機と、その道標の重要性がよくわかります。ダイエットの方法だけ調べまくって、結局食事制限や運動は辛いからしないみたいな感じですよねきっと。

絵と個性の関係について

アリストテレスのミメーシスについて

歴史的に考えれば、「個性」が重要視されるようになったのは比較的最近の話です。

アリストテレス(紀元前384-前322)は「芸術はミメーシス（自然の模倣）」であると言いました。

見たものをそのまま写しとって描くのが芸術とされ、良しとされていたのです。つまり写実的な絵が良いとされていました。写実的な絵はうまいし、すごいし、良い絵だったのです。

17世紀以降にこうした価値観は大きく変わります。すこしこれから哲学的な話をします。この項は「なぜ絵を描きたいか」という動機を探るための手がかり的な要素として置いておきます。すでにはっきりしているとう方には不要かもしれません。

･ ちょっとややこしいので苦手な人は飛ばして大丈夫です ｡

「当時詩は多くの聴衆の前で詠じられ、人々は音楽的に-つまり情感を通じて積極的なのめりこみによって-それを学んだ。『模倣』とも訳される『ミメーシス』という語は、そもそもこのような一体化を指す言葉で、それをプラトンは、語り手の魔力に聴き手が全面的に身を委ねてしまう状態を言い表すのに用いている。プラトンによれば、このプロセスは生理的な変化を聴き手に及ぼす。体を弛緩させ官能的な効果をもたらし、自己が完全に他者の中に呑み込まれてしまうというのだ。ハヴロックはこう結論する。ホメーロス以前のギリシャ人の生活は、『自己省察のない生活であったが、意識と調和した豊かな無意識を活かすことにおいては、他に比類なきものであった(モリス・バーマン「デカルトからベイトソンへ」73P)。』」

プラトンはソクラテスの弟子です。そしてアリストテレスはプラトンの弟子です。

プラトンはこうしたミメーシスを問題視しました。出来事を単に経験したり模倣したりするのではなく、出来事を分析したり分類したりすることを重視したのです。つまり主体と客体を区別し、主体の正しい役割は客体を観察し評価することだと主張したのです。

ミメーシス、つまり模倣においては主体と客体が区別されません。すこし言いすぎかもしれませんが、たとえば私という人間(主体)と、道端の石ころ（客体,自然）が別のものという意識がないのです。自然は実験する対象、操作する対象ではなく、自分と自然は一体であり、溶け合っているということです。

環境保護団体やヒッピーが言ってそうな理想論に聞こえるのもわかります。しかし近代以前は科学や経済が発達していない時代にはそういった自然に参加する意識やミメーシスの価値観が浸透していた時代でした。こうした時代において芸術はミメーシス（自然の模倣）だったのです。

ミメーシスの伝統が消えたのはさかのぼればプラトンのこうした「主体と客体を区別する思想」、そして後のフランシス・ベーコンの「技術によって自然から真理を搾り取るという思想」、ルネ・デカルトによる「対象をもっとも単純な構成要素に分解して知るという思想」等があります。そこからニュートンが科学を世界に広め、羅針盤や印刷技術等が発明されて航海できるようになりさらに科学が必要とされ、経済が発達し、さらにミメーシス的なものは不必要になっていきました。

重要なの利益（実益）です。自然と私を区別することで自然を自由に実験でき、科学が発達し、利益が生まれます。写実的な絵はミメーシス的な価値観のもとで評価されるもので、科学や経済が発達した近代以降にはそれほど評価されるものではなくなっていきます。単にカメラが発明されたから写実的な絵が評価されなくなったという単純な話ではありません。

昔の人達は「自分は何のために生まれたのか」といったことを今の人達ほど考えていません。そういった自我が強くなかったのです。人間や自然はそれ自体が目的であり、価値があったといえます。しかしそうした価値観は薄れ、なにかをしないと価値が生まれないと考えるようになります。自然はそのままではなく、加工しなければ価値が無いのです。人間も同じでなにか個性がないと価値が無いのです。ですから学歴、ブランドバック、有名企業、整形、多趣味等々が重要視されるようになります。

現代において「個性」が重要視される背景は「貨幣」にあります。時間でさえお金です。時間はお金に変えないと意味がないのです。個性もお金に買えないと意味が無いとみなされてしまいます。個性的な絵は高く売れます。個性的なアイデアは実益があります。個性的な企業は成長します。農業が中心の世界は終わり、工業、そしてサービス業へと移り変わっていきました。

（マルセールの泉）

「何を描くか」ではなく「だれが描いたか」も重要視されるようになります。トイレの便器を泉に例えた絵が評価されるようになります。

村上隆の絵

バーゼル国際現代美術展開催 スイス – マコトのフォト日記 – Yahoo!ブログ

これらはいわゆるモダンアートです。美術が個人主義的な、個性を重視するものとなり、それらがお金になる時代です。ここにミメーシス的な伝統はもうありません。

あらためて考えると、「すごい絵」はなにか正解や真理のものがあるのではなく、時代背景によって変わるといえます。時代背景に合わせて判断するのではなく、真剣になにがいいのかを歴史、哲学、経験、価値観、他者との議論等を総動員して考えなければいけないと思います。大勢の人が個性的な絵はすごい絵と考えるから、個性的な絵を描こうとするのは安直です。

昔の世界はなんて素晴らしいんだ！スマホやPCを捨てて自然の中で暮らそう！今の芸術なんてクソだ！金なんて卑しい！というわけにもいきません。現代に前近代にない自由や利便性、選択肢があります。また個性を重視するのを単純に悪とみなすわけにもいきません。

ここらへんほんとに難しいですよね。哲学的な流れで言うと今まではどこか絶対的、客観的、いわゆる真理があると考えられていましたが、今では相対主義が強くなり、真理はひとそれぞれ、価値も人それぞれ的な思考が強くなりました。こういう価値観を真理相対主義と言います。人それぞれのほうが経済的には都合がいいのです。商品は多様になり、よく売れるからです。みんなが同じ価値観なら、同じものしか買わないですよね。個性を重視する世の中でないと世の中は回らないのです。

相対主義について

西部邁によれば「相対化への前進」と「相対化への停滞」は違うそうです(『虚無の構造』24P)。前進とは完全な答えはないけれど、とりあえず答えとして常に仮説をつくり、問い続け、絶対が見えてくると期待し続けることらしいです。どうせ人それぞれだから考えなくていいやというのが停滞です。

芸術にもそういう面があるのかもしれません。美とはなにかというのものは人それぞれで、自分がいいと思ったらいい、時代が俺においついていないぜ！批判されてもそれはあなたの価値観にすぎない！とか思う人もいると思います。そうした思考は自己以外のものを許容しない懐疑主義であり、皮肉交じりのシニシズム的な要素があります。

逆に自分というものをないがしろにしてとにかく多くの人、大衆の価値観に合うような芸術ばかりを作る人もいます。こうした価値観は「何が良いか」について考えることを放棄し、世間の価値観に合わせていこうとする態度です。漫画は単なる個性の発表場ではなく、お金のための手段であります。編集者からしたら売れないと食べていけないので「大衆にどういったものが受け入れられやすいか」をリサーチして、作家にアドバイスすることになります。

真剣に「何が良いか」について考えるのは大変な作業です。なぜなら答えがないからです。まるで禅問答です。「両手をたたくとパンッと音がする、では片手ではどんな音がするか」について考えるようなものです。

すごい絵とはなにか、美とはなにかを考えるのも同じことなのです。大変な作業で、疲れてしまいます。ですから大抵の人はそうしたことについて考えるのやめ、忘れようとします。絵すらかかないかもしれません。仕事してお酒に溺れて一日を終えるかもしれません。忘れるために「刺激性と伝達性の出来るだけ大きな情報」に接するようにします。ひたすらアニメを見たり、youtubeを見たり、ナショナリズム(韓国批判とか)に走ったり、食べたり、仕事をしたり、AVを見たり、とにかく忙しさや新奇性で埋めようとします。

西部邁によればとにかく「真理とはなにか」について問い続けることが大事であり、新奇さだけではなく「伝統」を土台にして考え、また他者とそうした問いについて話し合うことが必要だといいます。

たしかに独りで「美とは何か」について考えるよりは、他者と語り合うほうが良い気がします。独りでどうせ正しい答えなんてないんだ、と思って「ニヒリズム（虚無）」に陥るよりは、他者と語り合ってみんなで語り合ったほうが虚しくないですよね。

「マルティン・ハイデッガーにならっていえば、範型化され切った感じ方、言い方、そして行い方のうちに『頽落（たいらく）』したものたちを『世人（せじん)』とよぶのである。とくに、（技術的）情報社会とやらが進展するにつれて、人々は範型化された情報に教育機関や情報機関を通じて、常住坐臥、接するようになる。つまり彼らはいわば準『科学者』になるのである。それゆえ、世人としての大衆もまた、科学者と同じく、まず『退屈』と「焦燥」にとらわれ、次いで『忘却』へと誘われることになるのだ(同,18P)。」

「『精神的欲求』においても、自己の固有の表現法を欲望するであろう。しかしその固有性は、とりわけ精神的欲望にあっては、無数の他者たちからなる社会の標準からの『偏差』を求めるということでしかありえない。結局、自己のみを覗き見るエゴイストのせいしんは、そこに精神的な『無』を看て取るほかないのである。自己を絶対視するものは、その膨らみ切った自己の精神的中味がまったくの空虚であると知らされるであろう。それを知りたくないために、世人＝大衆は『自己』を社会の意味体型の祭壇に鎮座させる。つまり、『セルフ・フェティシズム（自己物神化）』に酔い疲れた振りをする。それが現代人の生き方となっているのだ(同,20P)。」

「価値不感症のひとつの携帯は、あたかも自分が状況にたいして感応的であるかのように装うことを可能にするもので、それは、無数の他者における平均的な価値観、つまり『世論』の示す行為に従うことである。統計的に水平化された他者の価値のうちに自己のそれを投射するというのは、きわめて受動的なやり方である。しかしそのやり方によって、外見的にはそれこそが能動的な社会へのアンガシュマン、つまり『関わり』であるかのように偽装することができる。価値相対主義が絶対視されているこの時代にあって、社会の表層では『価値の多様化』がもとはやされつつも、社会の深層では『価値の一様化』とよんでさしつかえない事態が進んでいる。そうなるのは、相対主義という価値の分裂症状が状況へのアダプティズム、つまり『適応主義』によって隠蔽されているからである(同,22P)。」

著作権ついて

個性はお金に変わるので、とうぜん法律で守らないといけなくなります。個性が尊重されなければお金にならないので、法律で守るのです。個性を法律で守るのは良いですが、どんどん窮屈になっていきます。悪意のある海賊版とかそういうのは罰するべきだと思いますが、影響を受けたとか、オマージュとか、なんかそこらへん難しいですよね。

芸術っていうのはそもそも問いを次の世代へと受け継がせるものだと思います。ある世代の人が美とはこういうものだと考えたから、それを参考に自分はこんなのを加えて、もっとよりよい美を考えました、といったようなつながり、継承的な面があると思います。手塚治虫がディズニーに影響を受けたのもそういうものだと思っています。模倣やオマージュがマイナス的な面で思われてしまうのはお金が絡むからなんですよね。

そこらへん難しいですよね。模倣されるということは光栄で、受け継いでいってくれる人がいるんだと思うほうが楽しいと思います。

この動画ではジョジョがパクリだなんだと騒がれています。

いやいや、これはパクリだろー。影響を受けたといのは先人から学び、それを自分の中に取り入れて新しいものを創造するということ。これはポーズにしてもエピソードにしても何の努力も無くまんま真似してるだけじゃん。ファンだったからちょっとショックだわー。ちなみにパクリではなく上手いこと他人の作品を自分のものにしているなと思うのはハンター×ハンターの冨樫さん。ドラゴンボールやらジョジョやら寄生獣やらいろんな作品の影響を受けつつ決してパクる事無く自分の作風として昇華していると思う。以上です。

https://detail.chiebukuro.yahoo.co.jp/qa/question_detail/q11125422296

パクリ元に敬意を持っていて、パクり元より面白ければ、より発展的であれば、より魅力を付加していればそれはオマージュと言われます。

パクり元を単に模倣するだけのものには価値はありません。
同メディア、同ジャンルならなおさらです。

https://detail.chiebukuro.yahoo.co.jp/qa/question_detail/q11125422296

ジョジョが好きな方からすればリスペクトから来るオマージュ。 嫌いで批判したい方からすればパクリと捉えるでしょう。 荒木先生は芸術作品、ファッション、音楽に詳しい方なので 私は前者だと考えています。 芸術面ではNHKの番組にコメンテーターとして呼ばれるほどです。 双方思うところはあるでしょうがそれは荒木先生本人にしか分からないことなので 外野がどれだけ議論しても結論は出ないでしょう。

何にも影響されないで、創作などできるものか。この程度は「インスパア」で済まされる範囲で、パクリという言葉で批判することはナンセンスと思える。無から何かを創造するのが絶対ならば、宗教にでも出会うがいい。そんなものは人間には無理だ。

銀河鉄道だのって著作権にやたらうるさい爺さんも その銀河鉄道って言葉も自分のオリジナルじゃないじゃん。 そもそも先人の影響を受けない文化なんてあるのか。

(コメント欄より）

こういうのを経て漫画が上手くなるって、これはプロとしてお金を取っているわけです。 それが許されるのは個人の範囲内だけです。 もしもパロディでないトレスが許されるなら、例えば音楽で言うと、誰かの替え歌をメジャーレコーズが新曲として売っていいことになります。 何かを創るってのは大変なことなんです。トレスや替え歌が出回れば原作者は創作意欲を失うでしょう。

（コメント欄より）

いろいろな意見がありますね。

パクリとオマージュの境界線難しいですね。影響を受けて新しいものを加えるというのがオマージュなんでしょうか。新しいものを何も付け加えないとパクリになるのでしょうか。リスペクトがあればオマージュで済むのでしょうか。

ドラゴンボールはそもそも西遊記に影響を受けてそうですが、パクってるというよりはオマージュですよね。モデルのポーズをそのままもってきたらパクリというのもよくわかりません。ポーズなんていいだしたらどれだけの数の作品が世の中に出ているでしょうか。億単位だと思います。それぞれに合致していないポーズなんてそうとう奇怪なポーズだと思います。構図等も判断が難しいです。

とりあえずは自分で一度参考にした絵をどう自分のものにするか考える必要があるのかもしれませんね。自分でよく考えて作り出した結果、他の人とかぶっていたなら許されていいと思います。こういうのは動機の問題ですよね。結果としてかぶったとしても動機で一生懸命考えて創ったものならそれでいいんですよ。セーフです。超セーフです。

下のクロスハンターのように思考停止して、楽だからトレースしておけばいいかといったようなものは退屈です。お金儲けが目的ならそれでもいいかもしれませんが、いいものを創りたい、美とは何かを追求したいという目的ならあまり役に立ちそうにありません。練習としてはOKですが、作品として公に出すのはどうかなというところです。

お金が絡んでくるとこのようにいろいろやっかいになりますよね。同人誌はお金が絡んでくる場合が多いですがグレーゾーンと言われています。お金が絡んでいないアニメや漫画のキャラのツイッター上の絵も著作権的にはグレーだと思います。

グレーでいいんじゃないですかね。リスペクトもない悪意のある、あきらかにお金目的のパクリはアウトですが、それ以外のオマージュはグレーでいいと思います。資本主義社会でお金が絡んでくるのでしかたなくグレーですが、楽しく生きるためにはこんなもん気にする必要ないと思います。他人の評価ばっかり気にして生きても楽しくないです。うるせえ！と言っておけばOKです。気の合う仲間同士で語り合えばいいんですよ。

どんどん過去のいい作品の良いところを抽出して、組み合わせて、加工して、分解して、新しい要素を取り入れて、創造していくのが本来の創造のあり方です。オマージュされたら光栄くらいの気持ちでドーンといたいものですね。

個性について

相対主義の話の通り、固有性とは標準からの偏差でしかありません。標準からものすごく外れた、固有性のある絵が描かれたとします。発表された当時は固有性がありましたが、みんなが真似するようになってしまい標準に近づき、やがて固有性を失ってしまうことがあります。固有性は個性とも言いかえられます。自分では個性的な絵柄を考えたと思っても、実は世界中で同じような絵柄の人がたくさんいるかもしれません。あるいは過去にそういう絵柄のひとがすでにいたかもしれません。

個性に執着しようとすれば、同じような絵柄の人がいるかどうかを世界中、そして過去にもすべてさかのぼって調べる必要があります。完全に調べて、自分は他の人とは違う！といえるのです。現実にそこまで調べる人はいませんし、できません。そういった意味で個性、独自性に固執するのは虚しいといえます。

そうはいったものの、みんなが良いと認めるような絵柄、時代で流行っている絵柄を単に自分のものとするのも思考停止というか、問いをやめて忘却している気がします。個性に執着するのも、標準に合わせるのもだめならどうすればいいのかという問題になります。

また「美はそもそも個人的なものなのか」という問題があります。美に固有性なんて関係ないし、世間の標準てきな価値観も関係ないと考えることもできます。

実際に古代から中世にかけては芸術は個人主義的なものではなく、自然の模倣的なものでした。人間が美とはなにかを主体的に創り出すというよりも、自然そのものが美だったのです。個性的な絵が美であるという価値観ではありませんでした。そして誰が芸術作品の作り手かというものもあまり重要視されていませんでした。なぜなら人間の主観や個性、感覚は自然よりも不完全だとみなされていたからです。

近代に入ってこうした価値観から、ヒューマニズム的な価値観へ移行することになります。ヒューマニズムとは「人間にとって人間が最高で、人間性こそ尊重すべきもの」です。自然を模倣するよりも、人間が主体的に、美を表現、発見できるんじゃないかということですよね。

カントと美について

趣味の正しさは数学的に証明することができるでしょうか。または何が美しいかについて証明することができるしょうか。

数学的に黄金比を証明して、黄金比だから美しいんだと仮に証明したとします。ですがある人がいやいやこれ黄金比らしいけど別に美しくないと言ったとします。いやいやそれはお前の判断が間違っているだけだ、黄金比なんだから美しいと思わないお前が悪いと言われることになります。個人が気に入っているかどうかはどうでもいいのです。

カントは「趣味の正しさは数学などで証明することが出来ない」といいました。数学的な論理や科学的な客観性と美は無縁なのです。ただし趣味の正しさは論じ合う事ができ、意見が一致する可能性があるとも言いました。つまり単なる相対主義に陥らず、他者との話し合いによって一致する可能性があることを示唆しています。

こうしたものを「間主観性」というそうです。美的な判断は個人的な主観性に依拠しながら拡張して、他の人と共有できるようなものへ向かっていくのです。

知性、合理性、技術、理性、個性といった近代以降につよく重んじられるようになった要素だけでつくった美は美しいでしょうか。夕焼けとプラモデルを比べてどちらが美しいでしょうか。プラモデルはたしかに上手い、すごい、と思う人はいるかもしれません。ですが美しいと思う人はそこまで多くないはずです。ですが夕焼けは上手い、すごい、と思われないかもしれませんが美しいと思う人は多いはずです。岡本太郎がつくったから美しいんだろう、といった美しさも何か違います。

ここらへんはすごく抽象的な話ですよね。人間の個性的なものと、自然の普遍的なものとどちらかだけではなくて、うまく混ざり合い、調和し、溶け合ったものが美なのではないでしょうか。そういう調和は他の人と語り合える間主観的なものだと思います。今更自然だけを模倣して満足するというのも難しいです。かといって自然を蔑ろにして、モダンアート的なウルトラ個性に走るのも嫌です。うまーく調和して溶け合った点に美というものが現れるような気がします。

その点がどこにあるかはわかりません。ひたすら問い続けて、他者と語り合い、見つけるしかないのです。そうして生まれた作品には美が宿るはずです。こうした作業が面倒で、平均的な大衆の価値観に合わせたり、そもそも美に関わること自体をやめたりすることは簡単ですが、すこし退屈です。

感想

･ ムーミン谷最高！ ｡

僕はムーミンというアニメが好きです。そしてムーミン家の世界観が好きです。

前近代でも、近現代でもない世界観ですよね。ムーミンママは家族思いでやさしいし、スナフキンはかっこいいし、ほんとに好きです。こういう世界観なら現代社会の便利さなんていらないです。スマホもPCもいりませんし、冷蔵庫や洗濯機もいりません。芸術や哲学も必要ないかもしれません。

ですがムーミン家の世界は謎すぎます。どうやって生計を立ててるんですか。ムーミンパパは作家だそうですが、収入という概念があるかどうかもわかりません。食料は誰が作っていて、どのような過程でムーミン家へくるのでしょうか。すべて自給自足なんでしょうか。

精神的な豊かさはまず衣食住に恵まれてている必要があります。ムーミン家は衣食住には困っていません（ほぼ全裸ですが）。ムーミンはいい友達、良い家族、良い自然といったように環境に恵まれています。スナフキンが遊びに来てくれるので退屈することもありません。進学も就職も税金も考えなくていいので、なにか義務のようなものがないのかもしれません。

いい友達と、良い家族と、衣食住がある程度充実していれば、芸術や哲学はいらないんじゃないかと個人的に思います。むしろ、そうした友達や家族がいないからこそ、芸術や哲学にハマっていくのだと思います。あるいはお金を稼ぐことに傾倒したり、お酒に走ったり、薬に頼ったり、ギャンブルに依存したり、別の方向に傾いてしまいます。

「美とはなにか」を問い続けることはたしかに重要な事だと思います。ですがそれは僕にとってただの手段だと思います。目的ではありません。「美とはなにか」について考えることで、他者と話すときの話題にできるとか、その程度でいいともいます。「すごい絵」を描けること自体が目的ではなく、「すごい絵」を描くことで他者と語り合い、つながるきっかけになることが目的です。

人生楽しければいいと思っています。極端に言えばムーミン家みたいな楽しい生活を送りたいです。つまり良い家庭をもち、いい友人をもち、ある程度の衣食住があればいいのです。ムーミンパパみたいに自分の好きなことを仕事に出来ればもっと最高ですね。それが僕にとっての理想です。そのきっかけとして「絵が描ける」という手段があるに過ぎません。もちろん絵は好きです。ですがそれ自体が目的になると、人間関係が手段となって本末転倒になってしまいます。加減が大事だと思います。

Twitterを見ても「絵で人がつながっている」事が多く見受けられます。こうしたつながりの力になりたいですし、私も絵でつながりたいと思っています。そうしたものが動機でサイトを作っています。絵でつながるためには必ずしも「すごい絵」は必要ないですが、すごい絵に対して向かっている、美とはなにかについて問い続ける姿勢があるという人は魅力的に感じます。美とは何か、いい絵とは何か、について共感し合える、話題にし合える、話し合えることは素晴らしいと思います。

とりあえず今は新しくスタートするかたちでバルグの本の模写をしています。また経過報告したいと思います。

芸術、デッサン、絵とものの見方|新しい視点でものを見る方法を学ぶ

　ベティ・エドワーズの『脳の右側で描け』は分厚い本で300ページ近くあります。どれも絵を描くためには有益な情報です。今回は主にデッサンや模写などをする前提知識としてこの本を読み、私が重要だと思った一部をピックアップして紹介したいと思います。とくに初心者の人は必見です。

絵の上達のための知識とはなにか。~視点(物の見方・考え方)という知識の重要さについて~

　私は絵に関する知識さえ学べば絵のスキルは上がると思っています。絵の知識といっても、パースや解剖学、黄金率、色に関する知識、陰影に関する知識、シワの描き方、構図の決め方、塗り方など細かく言えばきりがないです。その中でも「ものの見方」に関する知識は大前提として重要なのです。ものの見方とは、いわゆる「知覚の方法」です。濃淡の付け方といった「描くための技能」ではありません。

　エドワーズはものの見方について、５つの基本技能を挙げています。エッジ、スペース、相互関係、光と影、ゲシュタルトの５つです。この５つの知覚の方法をすべて使いこなせることができれば、絵がうまくなっていることを意味します。ものの見方には主観的なものや客観的なものがありますが、絵に関しては客観的な法則なども多いです。天才はものの見方が違うとよく言われますが、ある程度までは学ぶことによってプロのデザイナーや芸術家のものの見方をみにつけることができます。

　「絵が上手くなる」とは、今回の場合「見たものを描く（写実する）」ことが上達することを意味します。もちろん写実的に描くスキルが上がれば、１から創造的にキャラクターを描いたり、風景を描いたりスキルも上がります。つまり、創造スキルが上がります。エドワーズによれば「デッサンという知覚の基本技能を他の分野での学習や思考一般に応用」することもできるそうです。絵のスキルがスポーツや科学、ビジネスなどに役立つのです。

絵の描き方を習うことは、じつは、ものの見方――正しい見方――を学ぶということであり、それはたんに目で見るよりもずっと多くのことを意味している（キーモン二コライデス『デッサンの道しるべ』,1941）

脳の機能、RモードとLモードの違いについて

リンクはこちらです

要約

右脳を鍛えても意味がない？脳に関する科学的な知見、デマや嘘、信ぴょう性

　脳の機能が左右で違う分担をもっているという説のことを、脳機能局在論といいます。専門的な用語でいえば、右脳・左脳という区別ではなく、右半球・左半球という区別です。

　理屈っぽい人は左脳が優位だったり、芸術肌の人は右脳が優位といった説があるそうです。wikiによればこうした分類は科学的な知見からかけ離れた通俗心理学のようなものだと批判されているそうです。つまり芸術的なものの見方をもつためには、右脳を優位にする（Rモードを優位にする）というエドワーズの説は批判されていることになります。

　経済協力開発機構では『脳の理解：教育科学の誕生(2007)』で論理的な左脳と創造的な右脳というイメージを迷信として批判しています。

wikiではこんなことも書かれています。

脳の右半球と左半球は脳梁に結合されて協調して認識を行う。「右脳を鍛える」と称する訓練等によって「イメージ能力」や「創造性」が向上するという説は、科学的根拠がなく否定も肯定もできない。

(・・・)

科学的根拠が乏しいと結論づけられている理論であるが、現在でも右脳を鍛えることを謳った教材が散見される。(

リンクはこちらです

　オスロ大学の末神翔博士によれば、世間で言われている左脳と右脳に関する情報の大半はフィクションだといいます。つまり嘘なのです。wikiにもある通り、左右の脳は脳梁（のうりょう）でつながっていて、左右の脳で処理されている情報は行き来しているのです。したがって、ある知的作業に一方の脳だけしか使われないということは考えられないそうです。

右脳と左脳の機能の違いとは|役割の違いについて

え、じゃあ『脳の右側で描け』も眉唾もので意味がないの？と思われるかもしれません。確かに右脳だけが芸術的で、左脳だけが芸術的だなんていうのは嘘です。 極端な二分化は意味がありません。左脳と右脳は脳梁（のうりょう）で繋がれているのであって、完全に分離しているわけではないからです。

　しかし、右脳と左脳の機能は異なることも事実です。一般的に左脳は言語、推論、計算などの「論理的な」機能、右脳は音楽、直感、図形などの「感覚的な」機能をつかさどっていると言われています。左脳は人間的な脳、右脳は動物的な脳という人もいます。

　オスロ大学の末神博士も左右の脳に構造的・機能的な差があること自体は認めているのです。左の脳が計算、右の脳が創造的という極端な二分化は科学的な根拠がないといっているにすぎません。

　医学博士であるジェフ・アンダーソンは

ある種の脳の機能は左右のどちらかの側で生じることは疑いない事実。言語機能は左脳、注意機能は右脳で生じる傾向がある。しかし、左脳寄り、または右脳寄りの脳ネットワークを持つという傾向はない。脳内の機能のコネクションごとに決定されるようだ

　と述べているそうです。

　エドワーズもノーベル賞を受賞したカリフォルニア工科大学のロジャー・W・スペリーらの研究を例に挙げ、「神経学者たちは、当初はやや消極的でしたが、脳の両半球が人間レベルの高度な認識能力をもち、それぞれの半球が非常に複雑な別々の思考モードに特化していることを認めるようになsったのです。(前掲,31頁)」といっています。

　つまり、右脳が絵を描くためのモードに特化していることを示唆しています。

LモードとRモードの違い|Rモードは絵を描くために適したモード

そのままですね。LEFTMODEの略。

イメージ：言語的、分析的、象徴的、抽象的、時間的、逐語的、理性的、デジタル、論理的、直線的

　これも同様です。RIGHTMODEの略。Rモードを使うと心の目でものを「見る」ことができるそうです。

イメージ：非言語的、統合的、現実的、客観的、類推的、非経時的、想像的、非合理的、空間的、直感的、全体論的

　重要なのはRモード（右脳の機能）が絵を描くのに適したモードであるということです。

　Lモードは論理的、理性的などといったイメージのように、過去の経験や論理を元に頭で考えてしまいます。こうした機能は議論や学習の場合に役立ちますが、絵を描くために必ずしも役立つとは限りません。

　それに対してRモードは、直感的、感覚的という言葉のとおりに、あるがままの現実を見ることができます。絵を描くときにLモードを使ってしまい、正確に模写できない人がいると思います。しかし、Rモードを使えば正確に模写できるようになる道が開けてくるのです。

　もちろん、前項のように右脳だけが芸術的で、直感的、感覚的ということではありません。左脳にもそのような機能もありますし、右脳と左脳は脳梁で繋がっていてるので、どちらかに機能を極端にふりわけるべきではありません。しかし、右脳が芸術に向いている機能に特化している傾向があることもまた事実なのです。

Rモードと創造モード

創造的なモードに入っているとき、人は直感に頼って、一足跳びにものごとの本質を見抜きます。それは、ものごとを論理だてて理解しなくても「すべてが正しい場所におさまる感じがする」瞬間です。(前掲,37頁)　

　論理的にものごとを理解するのがLモードだとしたら、直感的に理解するのはRモードです。したがって、Rモードは創造的なモードだといえます。この直感的、全体論的に理解するような体験をアハ体験やエウレカともいいます。「見えた」、「わかった」という経験です。

　絵が上手い人はいちいち絵を描くときに論理建てて描いているのでしょうか。本当に絵が上手い人は直感的に描けているのだと私は思います。もちろん絵を描く練習や、知識は必要です。しかしたんに知識や経験だけで絵が上手く描けるようになるとは思えません。絵を描く練習も、右脳の機能を働かせるような練習やが必要なのです。Rモードを自然と使えるようになった結果、いちいち論理建てて考えなくても絵がかけるようになると思います。

左利きはほんとうに芸術家向きなのか？利き手を変えるべきか？

　左脳は主に右手を動かし、右脳は主に左手を動かします。つまり、「右脳をよく働かせる左利きのほうが絵が上手くか」ということです。エドワーズによれば、左利きの人は右利きの人にくらべて左右の脳の機能分化が進んでいないそうです。たとえば左利きの人は言語と空間情報を両方の脳で処理する人の割合が右利きの人より多いそうです。

　右利きの人は９０％近くの割合で言語を左脳で処理します。それに対して、左利きの人は右脳で処理したり、左脳で処理したり、あるいは両方の脳で処理するのです。具体的な数値でいうと、左利きの人の中で60%が左脳で処理し、のこりの40%の人は右脳、あるいは左右の脳で処理しているのです。

　一部の専門家は左右両方の機能をつかうことで、吃音（きつおん）のように言葉をうまく発せないような障害が生じやすくなるといっています。また、別の専門家は両方の脳にアクセスできる左利きのほうが、優れた知能をもっているといいます。実際に左利きの人たちは数学、音楽、スポーツ、チェスなどで能力を発揮しているそうです。レオナルド・ダ・ヴィンチなどの芸術家も左利きでした。

左脳と右脳、優位半球と劣位半球

左脳は有能で、優位半球や大半球と言われています。それに対して右脳は劣位半球や小半球と言われています。左脳は有能で、自分がどうしても処理できないような仕事以外は自分で処理し、右脳に譲らないそうです。左脳ができない仕事を右脳で処理できるように働きかけること、つまりRモードにうまくアクセスすることが必要になってきます。右脳は劣位半球なんて呼び方をされていますが、とても優秀な機能をもっているのです。

　左脳が右脳を抑制し、絵を描くための右脳の機能を妨げてしまっているのです。右脳の空間把握機能抑制せず、左脳の言語機能や象徴化機能を抑制することで、Rモードを優位にさせ、うまく絵を描くためのシステムを創るのです。

LモードからRモードへの移行の方法について|右脳の活性化、トレーニング

　Rモードがなにか、Lモードが何か、Rモードが絵を描く際に適していることはわかりました。問題は、どのようにしてRモードにアクセスするかということです。

要約

Rモードにアクセスするための実習について~左右対称~

リンクはこちらです

花瓶と顔を使って支配的なLモードからRモードへ移行させるための実習があります。

１：右利きの人は左半分の顔を模写します

２：そして水平線を引きます

３：今描いた顔を「ひたい、鼻、上唇、下唇、あご、首」とそれぞれの部分を言いながらなぞります

４：反対側の顔も描きます

５：心のなかで迷いや混乱が生じたら心のなかで記憶しておく

全然うまく描けません。これはおそらく左側の顔を右側にトレースする際に、左脳を使って左右対称であることを気にせず、論理的に考えてしてしまい、混乱した結果だと私は考えます。

　Lモードは言語を通した機能です。ここはおでこで、鼻で、口でと頭で考えてしまいます。それに対してRモードは視覚を通した空間的なモードです。トレースする際にいちいち顔の目鼻立ちを言葉として考えないようにすることが重要です。

　グリッドとなる線を引いたり、曲線にしるしをつけたりして空間的なモードにはいっていきます。見たものをそのまま写し取る視覚的なモードです。キーワードは空間と関連性とプロポーションです。

顔を書いているのだと考えない方で描くのがいちばんです――つまり、言葉ではなにも考えない、ということです。右脳モード、すなわち画家モードで絵をくとき、言葉を使って考えようとしても、脳のなかではこんなやりとりしかありません。

「この曲線はどこからはじまっているのだろう？」

「線の曲がり具合はどれくらいか？」

「この角度は、紙の端の垂直線にくらべて何度傾いている？」

「反対の方向から見たとき、この点は紙の一番上の端（または底辺）からどれくらい離れているだろうか？」

（前掲,50頁）

　こうしたRモードを意識しながら描いてみます。

　すこしマシになってきました。もっといろいろ考えながら描いてみます。

対象が複雑なほど左右対称にするのは難しいと思います。また、その対象に詳しいほど、左脳が機能しやすいです。わけのわからないものほど右脳が機能しやすいです。たとえば人間の顔は、顔を言語として捉え、意識して顔を描いてしまいます。したがって、正確に左右対称になりにくいです。こういった左脳の機能を抑制し、右脳の機能を働かせることが重要となるでしょう。

まずは描いてみて、どうしたら正確に描けるかについて自分で観察し、考えることが重要ですね。Rモードは言語を用いずに、ものの大きさ、曲線、角度、形態といった視覚的な相互関係を知覚することが得意です。　

Rモードにアクセスするための実習について~上下逆さま~

パブロ・ピカソ「イーゴリ・ストラヴィンスキーの肖像」の上下逆さま

　これをスケッチします。LモードからRモードへシフトさせる実習です。描き終わるまで正しい位置に直さないことがポイントです。どこから描き始めてもいいそうです。ただし、全体の輪郭から描き始めるのはNOです。

　私が一番重要だと思ったのは「視覚言語だけを用いること」です。「この線はこっちに曲がっている」といった言語です。ここは耳だから、こう曲がるといった言語はだめです。手や顔に名前をつけずに、形体として見たほうがいいそうです。

　一応私も実習してみました。

　少しバランスが悪いような気がしなくもないですが、わりと上手くかけていてびっくりです。この絵は描いたものをひっくりかえしたものです。Rモードにはいっていたからこそ描けたのだと思います。距離や角度、空間に集中できた気がします。顔を描こうとか、シワを描こうという意識がありませんでした。

　こうした実習の利点は、「Rモードへの転換ができるようになれば訓練を積んだ画家と同じ見方でものを見られるようになる」ということです。本記事でもっとも重要な点です。上下逆さまの絵を描くときにRモードへ転換しているのです。そうした転換の記憶、いうならば「知覚の転換」を練習で記憶し、いつでも呼び出せるようにすることが画家の見方を身につけることです。Rモードへはいる感覚について、エドワーズが引用している文章を紹介したいと思います。

作業がほんとうにうまくいっているときは、ほかのことではけっして味わえない感覚が生まれる。その作業と一体になったように感じる。画家と絵とモデル、すべてが１つに溶け合う。神経は研ぎすまされているが、穏やかな気分だ――全神経を集中させ、完全にコントロールしている。正確にいえば、それは幸せとはいえない。それ以上の幸福の状態なのだ。それがあるからこそ、私はなんども戻ってきて、飽きずに絵を書き続けるのだろう。

エッジ、スペース、相互関係、光と影、全体（ゲシュタルト）という５つの知覚

　ここで詳細に全て扱っていると記事の量が膨大になってしまうので、簡単に紹介したいと思います。

　理想をいえば（私が思うに）、美術の学び方は次のようであるのが望ましい。まずエッジを認識します（線）。それからフォルムについて理解します（ネガ・スペースとポジのフィルム）。そして、正しいプロポーションと遠近法で欠けるようにします（見ること）。これらの技術は光と影の認識へとつながります（光の論理）。それが身についたら、バルール（色価)としての色彩を認識できるようになります。(前掲,210頁)

要約

エッジとはなにか|絵の輪郭線と知覚

エドワーズはこのエッジの感覚を鍛えるために、純粋輪郭画法（じゅんすいりんかくがほう）という練習法を提案しています。

　純粋輪郭画法の効果としては、Lモードを抑制し、Rモードを活性化させ、知覚の転換を生じさせることが挙げられます。エドワーズは自分の手のシワを純粋輪郭画法によって実習することを提案しています。

ピクチャープレーンとは|PP、画面

　この章ではエッジの説明よりも、ピクチャープレーンの説明のほうが面白かったです。ピクチャープレーンとはこういうやつです。

リンクはこちらです

　デザインスケールともいいますね。こうしたグリッドを使ってスケッチすることで、写実的な絵が描けるようになります。ピクチャープレーンという道具がなくても、訓練次第で想像上のピクチャープレーンを使えるようになるといいます。これは目からうろこですね。本書ではピクチャープレーンの使い方や実習方法が載っています。

ネガ・スペースとは|ポジのフィルムとの関係について

言葉で説明するよりは、図で説明したほうが簡単ですね。適当に画像を拾ってきます。

リンクはこちらです

この羊を軽く模写してみます。

なにも意識せずに模写をしたら、まずはこうなりました。

あまり正確に描けてないですね。今度はネガ・スペースを意識して描いてみます。

　ちょっとはましになった気がします。切り絵みたいなイメージですね。ここからハサミを使って羊を取り出したあとに残る空間がネガ・スペースです。切りだされた羊がポジのフィルムですね。RモードとLモードの話でいうと、ポジのフィルムを意識すると、羊という言葉や足という言葉を連想してしまい、Lモードで描いてしまいます。ネガ・スペースを意識すると、角度やかたちなどに集中でき、見たものを視覚的な知覚で把握できるRモードを使って描くことができます。ネガ・スペースを重視することで、複雑なフォルムを描くことができ、デッサンに統一感が生まれ、構図がしっかりとするようになります。

リンクはこちらです

　エドワーズは「ファン・ゴッホの椅子」をネガ・スペースを意識して描く実習を提案しています。今回私はピクチャープレーンがないのでパスします。機会があればピクチャープレーンと鉛筆も買っておくことにします。

相互関係と遠近法とは|公式の遠近法と非公式の遠近法

　相互関係を学ぶということは、遠近法とプロポーションを学ぶということに等しいです。

　遠近法を学び、自然に使いこなせるようになれば「対象がなんであっても、角度とプロポーションの相互関係を目測できるようになる」そうです。

　エドワーズによれば、遠近法は公式のものと非公式のものがあるそうです。公式の遠近法のなかでも重要な基礎概念が５つあります。視点、ピクチャー・プレーン、目の高さ（水平線）、消失点、収束線です。

プロポーション、陰影、遠近法についての決まりごとがあり、うまく描くためにはそれを知っておかなければならない。その知識がなければ、いくら努力しても報われないまま、なにも生み出すことができない。　フィンセント・ファン・ゴッホ

　遠近法についてここで詳細まで説明するのはヘビー過ぎるので用語の意味などだけざっと学習していきます。いつか別の記事で詳しくまとめていきたいと思います。遠近法についての書籍はマグ本がおすすめです。どちらかというとエドワーズがいう公式の遠近法の記述がマグ本のメインとなります。それに対して非公式の遠近法の記述がエドワーズの本のメインですね。

　架空の水平線も、現実の水平線も、つねに目の高さにあることがポイント。どの位置に水平線を想像で引いたとしても、それは現実の水平線に重なる。つまり、水平線をデッサンのどの位置に配置するかは自分で決められる。

まえに紹介したこれもピクチャープレーンでしたね。

遠近法におけるPPを理解するのにはすこし手間がかかります。
このように、観察者と、被観察物を設置してみます。

　この観察者が目の前の立方体を描いてみるとします。あるいは観察してみるとします。どう見えるでしょうか。

　おそらくこのような感じに見え、それを写し取ろうとするはずです。このときに見えるものが画面です。SPとはSTAND POINTの略で観察者の立ち位置のことです。

だいたいのイメージです。水平線、つまり視点の高さが変われば、当然PPも変わります。

　これでなんとなく遠近法の基礎が理解できたと思います。ほかにも視円錐や、一点透視図法などいろいろ学ぶことは多いですが、ここでは省略します

　重要なのは、目の前の風景を写実的に描こうとした時、左脳はその風景をそのまま描き写すことを許しません。論理などの理性や経験で考え、描こうとしてしまうのです。それに対して、右脳はそのまま描き写すことが可能になります。また、遠近法は、そのまま描き写すためのテクニックであるといえます。

　エドワーズは「ピクチャープレーン」を使った簡単な遠近法についても説明しています。私はピクチャープレーンを持っていないのでここで説明することはできません。また次回記事にしたいと思います。

プロポーションとは

　たとえば目は顔の半分の位置に、鼻からアゴにかけての長さは、鼻から眉にかけての長さと等しいなどといった比率のことです。肖像画などを描くときに役立ちます。

　エドワーズによれば、「自分が見ているものを信じないこと」が重要だそうです。錯覚の絵を見て、実際のサイズは同じなのに、片方の絵が大きく見えてしまうことがあります。そうした左脳的なものの見方ではなく、右脳的なものの見方をすることが重要です。また、実際のサイズを正確に描くためには、遠近法だけではなく、プロポーションを理解することも重要です。

　顔のプロポーション（１）

顔のプロポーション(１)

顔のプロポーション(2)

　このサイトの記事でもすこしプロポーションについて扱っているので、よかったらどうぞ。

光と影、光の論理（ライトロジック）とはなにか。色価（バルール）とはなにか。

　光と影を学ぶことによって、絵がもっとうまくなります。たしかにそれは事実ですが、光と影をどうやって学んだらいいかがわからない人が多いはずです。私もそうでした。エドワーズは光と影を、光の論理を使って説明しています。エッジ、スペース、相互関係（遠近法とプロポーション）、ゲシュタルトと合わせて基本的なテクニックです。

　まずはそれぞれの用語について紹介していきたいと思います。

　ハイライト、キャスト・シャドウ、反射光、クレスト・シャドウの４つです。日本語でいうとキャスト・シャドウは「影」、クレスト・シャドウは「陰」にあたります。特に真新しい理論ではなく、一般的なデッサン書でも説明されています。今回は各用語に触れるだけにしておきます。別の記事で光の論理について詳しく研究していこうと思います。

　明暗の相互関係、色調の違いをバルール（色価）といいます。白っぽい明るい色調をバルールが高い、暗い色調をバルールが低いというそうです。

　カゲについての記事はこちらで少し扱っています。

陰影についての講座まとめ

ゲシュタルトとはなにか

　ここで扱うのは難しいのでまた別々の記事で扱うことにします。

模写

模写とはなにか、その目的について

「模写」とは何かについて整理していきたいと思います。

模写のメリットとデメリットについて

　模写には「メリット」があります。ここは左右対称、ここの割合は２：１、目の角度は何度といったように、考えて模写をすることで、自分で１からオリジナルの絵を描いたときに、自分の絵がどのように歪んでいるかわかるようになります。意識しながら正解を覚えることで、それに近づいたオリジナルの絵が描きやすくなるということです。デッサンで正確に人体の構造を学んだとしても、デフォルメした漫画の絵ではわざと正確に描かないこともあります。漫画やイラストでは、それらしく見せるために、わざと正確に描かないこともあるのです。そうした技術は模写によって会得することができます。

　また、模写にも「デメリット」があります。模写を単にしても、模写がうまくなるだけで、創造的な絵を描けるとは限らないということです。模写はうまくかけるのに、何も見ないで１から描こうとすると素人レベルの絵しか描けない場合があるのです。単に模倣して写すだけではなく、考えて模倣して写さなけれれば画力が上がらないのです。

デッサン

デッサンとはなにか、その目的について

「デッサン」とは何かについて整理していきたいと思います。

　１枚の絵を描くときには、「３つの要素」が盛り込まれていることが必要だと「スーパーデッサン入門」では書かれています。３つの要素とは「立体感」、「空間感」、「材質感」（＋α光の効果）です。こうした３つの要素を学ぶということが、デッサンをするということです。３つの要素を抑えていない絵はどこか歪（ゆが）んで見えてしまいます。立方体、円筒、楕円、円、球、影、パース、人物や物などが具体的なデッサンの例です。

デッサンのメリットとデメリットについて

　デッサンのメリットは、イラストや漫画などの創作をする際に役に立つということです。たとえば、手を「立方体」＋「円筒形」として捉えるデッサンの訓練をすることによって、イラストや漫画を描くときにより「自然に」描くことができます。手の影の落とし方や、質感などもデッサンによって身に付けることができます。デッサンは「表現力」UPに直結します。「スーパーパースデッサン」、「スーパー表現デッサン」や「人物デッサンのすべて」という書籍が出ているように、表現の幅が広がるのです。人間や建物をバランスよく描くことができたり、水や翼、木々や炎をより正確に描くことができるようになります。

　模写と同じように、デッサンも考察をしないと上達しません。デッサン力が乏しいと、絵も歪んでしまうのです。一般的に上手い絵とされているものは、立体表現力があり、バランスがある絵です。たいていの人は、いきなりイラストを描こうとして失敗してしまい、上手に描くために「デッサン」をするのです。それが絵描きのための「第一歩」であるといえます。毎日少しずつデッサンをして「基礎画力」を高めていきましょう。

　デッサンのデメリットは、デッサンをすることで満足し、デッサンをすることが目的となってしまう場合があるということです。まだ足りない、まだ足りないといってデッサンばかりをしているだけの人もいます。自分で真っ白な紙に、頭のなかで構想した絵を描いて創るということをしないということです。

　これは目的がイラストであり、手段がデッサンであったのに、目的がデッサンとなってしまっているケースです。デッサンオタクにならないように、インプット（デッサンで知識をつける）をしたらアウトプット（真っ白な紙にオリジナルの絵を描く）しましょう。たとえばデッサンで影の付け方を覚えたら、物体（たとえばりんご）を見ないでも物体を紙に頭のなかだけで考えて描けるようになりましょう。

Leonardo da Vinciが述べる「デッサンと模写の違い」

　ダヴィンチはただ作家のみを研究して、自然の作品を研究しない人は愚かであると『絵画論』の３３Pで述べています。これは言い換えれば、模写ばかりをして「自然物」を考察して「デッサン」をしない人は愚かであるということになります。ただ写真や絵を模写するだけでは、デッサン力は向上しないということです。模写する場合でも「考察」を重視し、その考察は解剖学やパースなどの「知識」などを元にした考察である必要があります。

デッサンはいらない？資料があればそれでいい？

　「効率性」の面から考えると、デッサンで画力を鍛えるより、他人の絵や写真から資料を探し、線をおこしたほうがいいという意見があります。昔と違ってインターネットが発達し、資料が探しやすくなったり、書籍が増えたり、漫画などの資料が増えたことも影響していると思います。１０万以上もフォルダ分けをして資料を管理し、構図や塗りをすこし変えて使う人もいるらしいです。ただし、本当に自分が描きたいものが資料を探してもない場合は、やはり自分で描くしかありません。そういうときにデッサンをしていた場合と、していない場合では差がついてくると思います。

模写とデッサンの違い

デッサンと模写はどちらをすればいいのか、どちらのほうが効率がいいのか

　論点としては、デッサンと模写のどちらをすればよいのかというものがあります。結論からいえば、どちらもする必要があります。模写をするためにはデッサンの知識が必要になってくるからです。あえて順序付けるなら、デッサンをしてから模写をしたほうがいいといえます。

　どちらのほうが「効率」がよいのか（効率性の違い）という論点もあります。結論からいえば、「目的」によりますが、「デッサン」のほうが効率がいいです。１から新しいキャラクターを描いてみたいという目的を持つ方は、「デッサン」という手段のほうが効率がいいと思います。好きな漫画やアニメのキャラクターを上手く描いてみたいという目的を持つ方は、「模写」という手段のほうが効率が高いともいえます。

　しかし、模写だけをしていると、好きなキャラクターを走らせたり座らせたり、表情を変えたりすることができません。好きなキャラクターを描いてみたいという場合でも、「デッサン」が必要になってくることがわかります。デッサンは表現力を高めるための理論を学ぶので、動かしたり表情を変えたりすることができるからです。

デッサンが「基礎」を学ぶものとすれば、模写は「応用」を学ぶもの

　プロの漫画家はデッサンで基礎を作り、そこから応用させて自分の個性を創りあげます。プロの絵は基礎を元に作り上げられた応用であるといえます。いきなり応用を見て基礎を見出すような考察力がある素人はめったにいません。まずは基礎（たとえば三次元のリンゴや顔）を見てリンゴや顔の描き方を学ぶのです。つぎに、基礎の顔を長くしたり、短くしたり、髪の毛を変えてみたりして応用し、独創性を高めるのです。

　デッサンが「基礎」を見て、描いて学ぶものであるとすれば、模写が「応用」を見て、描いて学ぶものであるということがわかります。両方学ぶ必要がありますが、まずは「基礎」であるデッサンから学び、「応用」である模写に移行したほうが私は良いと思います。もちろん、漫画を「模写」することでしか学べない領域の知識もあります。コマ割りの方法や、吹き出し、効果音、迫力のある戦闘シーンや、魅力のあるキャラクター、独特の構図などです。「模写」を最初に行い、うまくいかない場合は「デッサン」に移行したり、「模写」と「デッサン」を交互に行うなど、それぞれのスタイルでやることも大切です。

デッサンと模写の共通点について

　模写を上手にするためには、「空間把握能力」が必要です。空間把握能力とは、「物体の位置・方向・姿勢・大きさ・形状・間隔など、物体が三次元空間に占めている状態や関係を、すばやく正確に把握、認識する能力(出典：goo辞書)」です。こうした空間把握能力を鍛えるためには、「デッサン」をして知識をつけたりする必要があります。つまり、模写とデッサンは両方する必要があるといえます。

クロッキーと模写、デッサンの違い

クロッキーとは何か、その目的について

クロッキーの方法、step1~7について

クロッキー、デッサン、模写の違いと共通点

書籍の文献

・岡勇樹、「スーパーデッサン入門」、グラフィック社

・鶴岡孝夫、「スーパーデッサン　風景編」、グラフィック社

・「スーパー表現デッサン」、グラフィック社

・「スーパーパースデッサン」、グラフィック社

・ロバート・バレッド、佐藤実訳、「人物デッサンのすべて」、マール社

・高桑真恵、「美術解剖学をデッサン・アニメ・漫画に活かす人体クロッキー」、マール社